dramaturge

Une étude des éléments réalistes du registre du laid, du choquant ou du monstrueux chez quatre dramaturges pré-classiques : Robert Garnier (stoïcisme extrême), Alexandre Hardy (vengeance), Jean de Rotrou et Pierre Corneille (violence)

"La chose est ingénieuse, et tout à fait de ta manière : car pour ce qui est de l'usage des artifices, à nous le gâteau ! " . C'est ainsi que le personnage du parent, dans Les Thesmophories d'Aristophane, salue l'invention du dernier stratagème d'Euripide, soulignant du même coup l'importance de la ruse dans la dramaturgie de ce poète. Se proposant d'approfondir l'intuition aristophanienne, la présente étude explore, après deux chapitres liminaires consacrés au vocabulaire euripidéen de la ruse et à la typologie de ses acteurs, la fécondité dramaturgique du scénario rusé dans les tragédies d'Euripide, de son insertion dans l'intrigue globale à son développement en scènes-types de planification, de tromperie et de dévoilement. D'expédients salvateurs en pièges meurtriers, la ruse euripidéenne apparaît comme une forme théâtrale privilégiée pour l'expérimentation des ambiguïtés de la parole et du visible. A travers la mise en scène des machinations de ses astucieux héros, le poète s'inscrit dans les débats intellectuels de l'Athènes des sophistes. Mais il offre aussi une réinterprétation de l'anthropologie tragique traditionnelle, où trompeur ingénieux et dupe aveugle apparaissent comme les deux faces d'une même humanité.

Adaptation, arabisation, marocanisation ou simple traduction, toutes ces formes d'emprunt au texte étranger furent massivement pratiquées par les dramaturges marocains désireux de se confronter à cet art nouveau qu'est le théâtre moderne. Ce travail essaie de retracer une généalogie de la pratique de l'emprunt au texte étranger au Maroc. L’analyse porte sur cinq périodes qui constituent des moments cruciaux dans l'évolution de cette pratique intellectuelle : la période des "premiers contacts avec le texte étranger", celle de "l'implantation et de l'adaptation au Maroc", celle de "la transplantation", celle de "l'adaptation à l'épreuve de l'expérimentation" et enfin celle de "la nouvelle dramaturgie". La pratique de l'adaptation au Maroc reste fortement liée à des hommes de théâtre qui soit se sont illustrés dans une pratique particulière de la traduction ou de l'adaptation soit ont inventé de nouvelles formes d'emprunt au texte occidental.

Dramaturge vénitien, Carlo Gozzi (1720-1806) se fait d'abord remarquer en publiant des pièces et poèmes satiriques. Défenseur de la commedia dell' arte et de la littérature toscane contre les influences étrangères, il se pose en rival de Goldoni et de son théâtre réaliste. Il devient célèbre pour ses fables théâtrales, qui font se côtoyer sur scène la bouffonnerie des masques italiens et le merveilleux des contes populaires et littéraires, autour de situations puissantes. L Amour des trois oranges (1761), Le Roi-cerf et Turandot (1762), de véritables triomphes en leur temps, traversent encore la culture occidentale. Modèles de création pour les romantiques allemands (Goethe. Schiller et surtout Hoffmann), ses pièces ont inspiré de nombreux compositeurs d'opéra (Wagner, Puccini. Prokofiev) et ont été servies au XXe siècle par de grands metteurs en scène (Meyerhold, Copeau, Pitoëff. Strehler, Besson, La MaMa), confirmant ainsi leur vocation essentiellement théâtrale.

Table des matires Gomtries fictionnelles dans Le soulier de satin La scne deux femmes dans Le soulier de satin Le lieu et l'heure du Soulier de satin Rodrigue et les saintes icnes Espaces imaginaires claudliens Liturgie et jeux scniques dans le thtre claudlien Dnouements claudliens Les difficults du texte claudlien Rflexions sur L'Ours et la lune Thtre et musique : Jeanne d'Arc au bcher La naissance de la tragdie partir de l'esprit de la musique : Claudel, Milhaud et L'Orestie Rimbaud, Claudel, Artaud Rimbaud dans le thtre de Paul Claudel Claudel et Mallarm Claudel et Genet, thoriciens du thtre Cinma-thtre : Le Soulier de satin

Les oeuvres de six femmes dramaturges, écrites entre 1624 et 1683, sont présentées dans cet essai novateur. Les pièces de Feliciana Enríquez de Guzmán, Ana Caro, María de Zayas, Ángela de Acevedo, Leonor de la Cueva et Juana Inés de la Cruz sont étudiées pour définir une poétique du féminin fondée sur une dramaturgie du détour. La comedia de Ana Caro, El Conde Partinuplés, est proposée à titre d'exemple, et les personnages féminins y sont analysés à l'aune de la thématique du désir. Enfin, le texte espagnol de la pièce et sa traduction permettent d'en apprécier toutes les qualités esthétiques.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, dans le camp de concentration de Stutthof, une femme du nom de Flora dirigeait un théâtre de pain. Avec une partie de sa maigre ration, elle modelait de petites figurines. Le soir, en cachette dans les toilettes, elle et quelques prisonnières animaient ces acteurs de mie devant des spectateurs affamés et promis au massacre. Où qu'il soit, quelle que soit l'époque, l'être humain est entouré d'histoires et a besoin d'histoires. Cela lui est aussi vital que l'oxygène. Depuis plus de vingt ans, il existe un livre qui parle de ce besoin : La Dramaturgie d'Yves Lavandier. Un livre devenu culte dans les milieux professionnels. La Dramaturgie se présente comme l'équivalent contemporain de La Poétique d'Aristote. C'est donc un traité sur les mécanismes du récit, leur raison d'être et leur signification. Mais alors que le philosophe n'avait que les pièces grecques pour illustrer son ouvrage, Yves Lavandier peut s'appuyer sur un répertoire beaucoup plus riche, puisant ses nombreux exemples dans le théâtre, le cinéma, la télévision, les contes et la bande dessinée. La Dramaturgie fait aujourd'hui l'objet d'une nouvelle édition aux Impressions Nouvelles. Yves Lavandier a révisé son livre pour l'occasion. Il s'adresse en priorité aux dramaturges et aux scénaristes (débutants comme professionnels), mais il intéressera tous les partenaires des arts du récit, acteurs, producteurs, metteurs en scène, dessinateurs, et même les spectateurs curieux de mieux comprendre le théâtre, le cinéma ou la bande dessinée, et les rapports que ces arts entretiennent avec la vie.

Quels sont les enjeux du théâtre contemporain ? Que représente aujourd'hui la scène francophone contemporaine et comment se renouvelle-t-elle ? Telles sont les questions abordées au sein de cet ouvrage collectif qui a pour ambition de s'intéresser, par le biais d'une approche plurielle, à la création de l'un des plus influents dramaturges et metteurs en scène de ces dernières années : Wajdi Mouawad. Le théâtre de cet écrivain migrant, aujourd'hui directeur artistique du Théâtre de la Colline, se fait en effet caisse de résonance d'un espace-monde qui nous invite à repenser nos approches du réel. Les études ici réunies tentent de décrypter les enjeux et spécificités du théâtre mouawadien, tout en donnant la parole au dramaturge lui-même.

Ce livre offre pour la première fois l'opportunité d'entendre Edward Bond commenter directement ses pièces, comme il ne le fait qu'avec quelques rares traducteurs et metteurs en scène. Interrogé par un spécialiste de son oeuvre, qui est allé pousser la porte de son atelier d'écrivain, il témoigne par lui-même de la réalité de son geste de dramaturge et dévoile la construction et les enjeux de pièces telles que Sauvés, La Compagnie des hommes, Les Enfants, Si ce n'est toi, Onze Débardeurs, Existence ou les célèbres Pièces de guerre. En neuf petites leçons de dramaturgie en acte, il éclaire la profondeur et la richesse de sa pensée du théâtre et livre les clefs nécessaires pour lire son oeuvre dramatique hors du commun.

" Les notes qui suivent ont pour but principal d'éclairer et d'assurer le très petit nombre de renseignements qu'on a pu rassembler sur les quarante premières années de la vie de notre grand comique, en les faisant concorder avec les faits publics et avérés de l'histoire, en y rétablissant d'une manière exacte les dates et les personnes qui s'y trouvent jusqu'ici confusément mêlées, tout cela sans aucune prétention de découvrir ce qui en est demeuré in- connu, mais non sans quelque espérance de redresser en plusieurs lieux ce que l'on en sait mal, ce qui en a été dit au hasard. Il y a, en effet, ici cette double singularité dans l'existence d'un homme qui a beaucoup écrit et que son métier a longtemps tenu en vue, qu'il n'a pas laissé une seule ligne de sa main, et que nul de ses contemporains, de ses amis, n'a rien recueilli, rien communiqué au public de sa personne".

Ca ira (1) Fin de Louis est une fiction politique contemporaine inspirée de la Révolution française, écrite et mise en scène par Joël Pommerat en 2015. Porté par quatorze comédiens, le spectacle est l'aboutissement de deux ans de travail. Marion Boudier revient sur sa genèse à travers les grandes étapes du processus d'écriture, décrites et théorisées de son double point de vue de dramaturge et chercheuse en arts du spectacle. Elle montre comment la "dramaturgie prospective" et la "documentation au plateau" ont été des outils essentiels pour nourrir les imaginaires et accompagner l'écriture. Elle raconte le travail en collaboration avec l'historien Guillaume Mazeau pour rendre vie aux archives et transformer les répétitions en un véritable laboratoire de recherche sur les émotions et la parole politique.

L'image d'un Destouches créateur d'une comédie "morale" ou "moralisante" fondée sur l'amendement de personnages inscrits dans la tradition moliéresque méritait sans doute un réexamen. En mettant en relief la complexité et la sensibilité de personnages saisis au sein de relations interpersonnelles aux multiples facettes et rebondissements, on s'est efforcé de rendre à ce dramaturge méconnu toute sa place au sein de l'époque des Lumières. De l'analyse, il ressort que Philippe Néricault Destouches est bien de son siècle : dans ses intrigues parfois chaotiques, un personnage metteur en scène orchestre d'incessants revirements de situation qui dessinent peu à peu les grands traits d'une dramaturgie expérimentale, en relation constante avec la philosophie empirique, d'une qualité souvent comparable avec celle d'un Marivaux.

Aux origines de cet essai se trouve une pratique de la critique exercée à propos d'oeuvres qui n'entrent plus dans les catégories normatives des beaux-arts, et qui en appellent à la participation du spectateur. L'expression qui dit que nous sommes passés du théâtre au cirque du monde recouvre un ensemble de transformations des formes de la représentation qui va de pair avec les révolutions techniques et politiques issues de la rationalité des Lumières, et de sa réaction romantique. Elle dit encore l'apparition d'un nouveau système de représentation dont l'oeuvre d'art totale, et le cirque qui en est la version populaire, forme la nouvelle matrice en lieu et place de la perspective à l'italienne. Bien souvent les pratiques artistiques colmatent par l'action les liens que l'Histoire a distendus entre les hommes et le monde, entre l'homme et l'homme, entre soi et soi... Ce qui pose la question d'une échappée possible au destin totalitariste implicite au processus même de toute oeuvre d'art totale qui veut- rendre le spectateur actif. C'est pourquoi les usages artistiques du hasard qui enregistrent ces débordements de l'esthétique par l'action seront ici explorés à l'aune de cette question cruciale : l'histoire de l'art du XXe siècle nous livre-t-elle la possibilité d'envisager une forme de démobilisation au sein même de la mobilisation que requiert toute oeuvre répondant au processus de l'action ? Répondre à cette question, c'est encore donner à chacun aujourd'hui la possibilité de choisir son camp !

Chamfort (1741-1794) est aujourd'hui connu comme le dernier des moralistes du siècle des Lumières. Mais on oublie que cet auteur, estimé en son temps par Voltaire et Rousseau, plus récemment par Nietzsche, Camus ou Cocteau, a également été l'un des dramaturges les plus célèbres de sa génération, offrant à la Comédie-Française trois œuvres majeures reprises pendant la Révolution, dont il fut acteur de premier plan avant d'en être marginalisé. Du moraliste, ce théâtre a conservé l'acuité d'un regard critique sans concession et la précision d'une écriture sans fioritures, quasi aphoristique, d'une grande pénétration, tout en développant une dramaturgie à la fois représentative de son temps et très personnelle qui peut encore s'avérer d'une lecture ou d'une représentation utiles pour notre temps.

La célèbre apparition spectrale dans Hamlet de Shakespeare incarne le renouveau d'un motif antique, porteuse d'une réalité intérieure profonde : un péché originel commis avant le début de la représentation et qui doit impérativement être expié sur scène. En réécrivant cette fable nordique, Shakespeare s'inscrit dans une filiation dont le Norvégien Ibsen et le Suédois Strindberg semblent être les héritiers légitimes en réinvestissant, à leur tour, ce motif du revenant. Ce dernier lie les dramaturgies des trois auteurs en incarnant, à chaque fois, l'accomplissement d'une vengeance, la mise en échec du visible au profit de l'invisible et celui de la parole au bénéfice des dégâts dévastateurs du silence. Avec Ibsen et Strindberg, le spectre est, désormais, formellement intériorisé par des personnages bien vivants et s'inscrit dans une nouvelle dramaturgie de l'intériorité, à la fois mystique et inconsciente. Le personnage de théâtre vole en éclats sous l'influence de transmissions transgénérationnelles traumatiques. La scène de théâtre devient alors l'extension de la psyché de l'auteur qui instaure un véritable psychothéâtre au début du XXe siècle.

Les auteurs et théoriciens français du XVIe siècle, voulant que les spectateurs de tragédie oublient leur statut de spectateurs pour devenir les témoins hallucinés du déchaînement des passions, ont rêvé d'abolir toute trace du code artistique pour faire croire aux spectateurs, durant le temps de la représentation, que les événements se racontaient d'eux-mêmes, comme s'il ne s'agissait pas d'une fiction inventée par un dramaturge. Mais pour effacer toute perception du code, ils ont paradoxalement instauré un nouvel ensemble de règles, les "règles classiques". Pour éclairer cette spécificité paradoxale de la tragédie française, pour permettre de comprendre la nature des tragédies de Corneille et Racine, ce livre examine les fondements du système de la représentation classique, les caractéristiques de la dramaturgie propre à la tragédie française et les modalités d'intégration et de fonctionnement des caractères et des passions, avant de finir par interroger la notion de tragique elle-même.

Cet ouvrage se propose de présenter l'expérience de cinq dramaturges marocains phares : Ahmed Tayeb el Alj, Tayeb Seddiki, Abdelkrim Berrechid, Meskini S'ghir et Mohamed Khaghat. Pluriel et créatif, chacun d'eux, selon son style propre, a puisé dans le legs ancestral spécifique marocain de la forja, haute en couleur, offrant au public réjouissance et savoir. En auteurs, scénographes, réalisateurs, costumiers et acteurs, ils réussirent à renouer avec des textes majeurs tant au plan historique, socio-culturel, politique que géographique. Revisitant un patrimoine immatériel collectif, ils surent décrypter les codes esthétiques d'une tradition arabo-musulmane séculaire et suscitèrent des élans nouveaux pour faire de la littérature et de l'art une arme de combat. En libérant l'imaginaire et en permettant une prise de conscience courageuse et responsable, la dramaturgie marocaine s'affirme avec insistance et s'inscrit dans le registre d'une esthétique universelle.

Au tournant des deux siècles des mouvements de transformation dans les pratiques théâtrales paraissent assez puissants pour dessiner de nouvelles lignes de force et introduire dans les manières d'écrire, de dire et de faire du théâtre des changements durables. Dans ce texte à deux voix, Jean-Pierre Ryngaert analyse les principales mutations qui ont marqué les « fabriques d'écriture » et les « façons de raconter » des histoires. Julie Sermon, dans une partie intitulée « Le vivant et la technique », examine les renouvellements des formes de jeu, de narration et de représentation, liés aux dialogues que les auteurs et les praticiens de la scène instaurent avec les langages et les outils propres à leur environnement technologique. L'approche dramaturgique et pédagogique commune propose au lecteur des entrées multiples afin de saisir et questionner les enjeux d'une réalité théâtrale qui s'est considérablement diversifiée. JULIE SERMON est maître de conférences en études théâtrales (Lyon 2) et dramaturge. JEAN-PIERRE RYNGAERT est professeur émérite en études théâtrales (Paris 3-Sorbonne nouvelle) et professeur de dramaturgie à l'ERAC (Cannes).

En 1660, Corneille donnait une édition en trois volumes de son Théâtre complet, qui faisait de son oeuvre un monument. Dès lors, faut-il lire les Trois Discours sur le poème dramatique, qui ouvrent chacun des volumes, comme une manière de testament poétique délivré par un dramaturge vieillissant, qui quitterait ainsi la scène en prenant congé de son public ? Loin de n'offrir qu'un commentaire de ses pièces, Corneille entendait proposer non seulement une poétique à l'usage des dramaturges de son temps, mais encore renouveler le geste inaugural de la théorie littéraire. Lisons donc ces Discours comme s'il s'agissait de la Poétique d'Aristote, rédigée par Sophocle et donnée par lui en préface d'oedipe Roi. Dossier : 1. Le statut de la fiction 2. Corneille et les règles : la Querelle du Cid 3. Les genres dramatiques 4. Fidélité et invention 5. L'unification dynamique de l'action 6. La liaison des scènes : les unités de temps et de lieu 7. Les caractères 8. Les formes de la " diction " 9. Les effets du poème dramatique.

Cet ouvrage qui situe le théâtre de Molière dans le cadre des études scéniques tire parti de toute une gamme de considérations interdisciplinaires pour démontrer que la mise en scène est un instrument privilégié pour analyser un des dramaturges les plus pertinents et les plus attachants de tous les temps. Le choix délibéré de l'optique d'un grand nombre de mises en scène permet de mieux comprendre la représentation en tant que pratique artistique vitale pour toute approche de Molière. Il fournit aussi une perspective d'ensemble à la fois interculturelle et innovatrice qui éclaire non seulement le texte, mais également les pratiques théâtrales qui ont accompagné cette oeuvre, de l'héritage de la représentation du XVIIe siècle à l'évolution de la mise en scène à partir de 1900. Cet ouvrage reformule la relation théorique existant entre le texte et la mise en scène tout en poursuivant une réflexion approfondie sur la crise conceptuelle de la dramaturgie.

Qu'elle soit écrite en français, en anglais ou en portugais, la littérature négro-africaine exprime d'abord un cri. Ce cri résonne au fil des textes de cette anthologie qui commence avec la prise de conscience des Noirs, décrit leurs luttes pour la liberté, et se poursuit par une réflexion sur leur condition d'affranchis. A travers ce panorama critique, Lylian Kesteloot nous livre les clés d'une littérature riche et violente, animée par la volonté d'indépendance et la reconquête de l'héritage traditionnel.

Ce volume d'Ecrits sur le théâtre correspond à l'étape ultime de l'oeuvre de Strindberg, celle des "pièces de chambre" et de l'Intima Teatern, le petit théâtre que le dramaturge ouvre en 1908 à Stockholm avec le jeune comédien et metteur en scène August Falck. Sur cette scène vont être représentées les oeuvres les plus récentes du dramaturge, Le Pélican, La Maison brûlée, Orage, La Grand-route, La Sonate des spectres mais aussi, parmi ses anciennes pièces, quelques-unes des plus fameuses : Père, Mademoiselle Julie, La Danse de mort I et II... Comme tout au long de sa carrière, le Strindberg de la fin de vie représente à la fois la figure du solitaire absolu et celle, en apparence contradictoire, d'un artiste qui, tout en s'inscrivant dans la tradition la plus exigeante, reste lié aux courants les plus novateurs de son temps. C'est ainsi qu'on verra se pro-filer, à côté des présences tutélaires de Shakespeare une large part des "Lettres au Théâtre intime" lui est consacrée et de Goethe, les silhouettes avant-gardistes de Maurice Maeterlinck, de Gordon Craig, de Max Reinhardt... Grand inventeur de théâtre, l'auteur de La Sonate des spectres ouvre la voie au théâtre expressionniste et à bien d'autres révolutions esthétiques, dont le surréalisme et Antonin Artaud. Les textes ici réunis, qu'il s'agisse d'un essai comme le Mémorandum ou de notes plus brèves et souvent polémiques, constituent le carnet de bord d'un metteur en scène à distance qui tantôt passe ses consignes sur la dramaturgie, sur le jeu, la scénographie à August Falck, tantôt s'adresse directement à la troupe de jeunes comédiens que ce dernier a réunie.

Populaire mais méconnu, démagogique mais provocateur, pétri de conventions mais capable d'audaces, le théâtre de Boulevard est riche en paradoxes de tout ordre. Tenu pour un genre " facile ", il est volontiers marginalisé par la critique, au point que les quelques travaux qui le concernent ne le traitent souvent que de façon incidente ou partielle. Pourtant, à ne considérer que sa capacité à conserver la faveur du public depuis plus de deux siècles, on se convainc aisément que le Boulevard mérite qu'on lui porte une plus grande attention... Le présent ouvrage propose une étude d'ensemble sur le sujet : il s'attache, en retraçant l'histoire singulière du genre et en explorant la diversité de ses registres, à replacer chaque œuvre dans son contexte et à en souligner l'originalité profonde. Au rebours des préjugés répandus, il montre que ce théâtre, loin d'être monolithique, déploie une riche palette de styles. Enfin, à travers l'examen plus particulièrement détaillé de la dramaturgie du Boulevard comique, il définit les principales composantes de la subtile alchimie qui, de façon si caractéristique sur la scène boulevardière, lie la verve du dramaturge, le jeu de l'acteur et le rire du spectateur.

De la poésie, pas des enfants ! est un récit dramatique autour de la figure de Delmira Agustini, célèbre poétesse uruguayenne, assassinée de deux balles dans la tête au début du siècle dernier par son époux, alors commissaire-priseur à Montevideo. La dramaturgie est ici celle d'un carrousel, diamétralement opposée à une conception linéaire du temps. Le premier acte relate l'assassinat de la poétesse. Au deuxième, les interprètes (la famille de Delmira, bourgeoise, et son mari, qui l'est moins) tentent de reconstruire l'espace intime et domestique du couple, les pièces du foyer, et comment l'homme et la femme s'y déplaçaient - tels des pantins -, pour reconstituer le meurtre et ses circonstances. En quoi les différences de sexe et de classe marquent-elles un combat qui ne prendra jamais fin ? La reconstitution, pourtant, est vaine. La réalité n'est pas reconstructible et la mémoire, bien qu'elle opère à partir d'empreintes externes, demeure subjective. Le dernier acte joue la mise aux enchères fictive des affaires personnelles de la poétesse. Que disent les objets de nos vies ? Le mécanisme hégémonique d'une vérité universelle est questionné par une dramaturge inquiète du sort fait au souvenir des femmes et des hommes, de l'humanité en somme et de ses travers.

Un livre tonique et gai pour (re)découvrir Molière un homme et un comédien-dramaturge exceptionnels.

Antonio de Curtis (1898-1967) dit "Totò" est considéré comme l'un des plus grands acteurs du XXe siècle, aussi bien au cinéma qu'au théâtre : figure comique, burlesque, grotesque, provocatrice, mais aussi légère et parfois sublime. Cet ouvrage s'appuie sur des éléments anthropologiques et historiques afin d'analyser le phénomène Totò dans toutes ces dimensions. Par une observation minutieuse des origines de l'acteur, né à Naples, et de ses rôles spécifiquement liés à la culture napolitaine, toute la richesse de son jeu et de sa gestuelle sont éclairées : l'élément carnavalesque, l'utilisation du comique, de l'ironie et de la dérision.

La plus importante des chorégraphes contemporaines au travail. Vue par le dramaturge et la photographe de son théâtre.

Lorsque Shakespeare rêvait de Venise... Depuis Londres, le célèbre dramaturge anglais est fasciné par la Sérénissime, qui devient l'écrin dans lequel se déroulent deux pièces : d'un côté, la plaisante et acerbe comédie du Marchand de Venise (1596), de l'autre le drame d'Othello ou le Maure de Venise (1604), l'une de ses plus sombres tragédies. Une mise en scène et un décor prestigieux De paysages en portraits et scènes de vie quotidienne, ce sont 250 peintures de la Renaissance vénitienne qui viennent illustrer les deux pièces de Shakespeare : chefs-d'oeuvre des frères Bellini, de Carpaccio, Giorgione, Titien, Tintoret, Véronèse, ainsi que de peintres moins connus. Un cadrage serré sur des détails de peintures monumentales permet au lecteur de redécouvrir certains chefs-d'oeuvre, tandis que les atmosphères créées par les tableaux renforcent la dramaturgie et la couleur des pièces. Une théâtralité sublimée Notre édition présente la traduction de Jean-Michel Déprats réalisée pour la Bibliothèque de la Pléiade. Le traducteur s'attache à restituer la prose de Shakespeare dans toute sa vivacité. L'acteur et metteur en scène Denis Podalydès souligne dans sa préface la justesse du travail d'édition qui se joue dans Shakespeare à Venise : les pièces s'animent et stimulent l'imagination du lecteur. Un souffleur éclairé Michael Barry, historien de l'art passionné par la transversalité culturelle, orchestre avec finesse cette découverte de la Venise rêvée par Shakespeare. Auteur de deux introductions et de vingt intermèdes qui rythment les pièces, ce professeur de l'université de Princeton tisse tout au long de l'ouvrage un lien profond entre l'univers du dramaturge et celui de la peinture vénitienne. L'Art et le Rêve Shakespeare à Venise est un rêve en soi. Entrelacer les figures de Shakespeare et de Venise, au-delà de la rencontre entre le théâtre élisabéthain et la peinture de la Renaissance vénitienne, permet de vivre la fiction théâtrale au coeur de l'une des plus belles villes du monde, dans cet ouvrage somptueusement illustré. Alliant la poésie, l'art et le rêve, Shakespeare à Venise couronne vingt-cinq ans d'édition exigeante et passionnée consacrée à la littérature, à l'art et à la beauté.

Au lendemain de la Libération et durant deux décennies, le concept d'absurde est à la mode. Auschwitz et Hiroshima ont mis en évidence l'horreur et la folie que pouvait engendrer l'esprit humain. Vivant dans un univers désormais sans repères ni transcendance, philosophes et artistes s'interrogent avec anxiété sur l'absence de signification de la condition humaine et sur l'incapacité du langage à établir une communication entre les individus. Les dramaturges sont porteurs des mêmes angoisses. De fait, ils renouvellent durablement notre conception de la représentation théâtrale, dans un foisonnement exceptionnel d'œuvres insolites et provocantes. Chacun à sa manière expérimente un langage dramatique capable de rendre compte de l'incohérence du monde et de la difficulté de communiquer. S'adressant à des étudiants pour lesquels cette époque est bien lointaine, cet ouvrage tente de mettre en évidence les convergences et les singularités qui rapprochent et opposent les divers auteurs qui ont marqué la seconde moitié du XXe siècle : Adamov, Beckett, Genet, Ionesco et quelques autres. Il fait la synthèse des moyens dramatiques utilisés par chacun, sans aucun esprit de chapelle, pour inventer une dramaturgie hors normes dont le caractère dérisoire et subversif n'est que le résultat d'une impuissance à accepter l'inacceptable triomphe de l'absurde.

Un ouvrage sur la vie et sur l'oeuvre immense de Benjamin Fondane (1898-1944), poète, philosophe, polémiste, dramaturge, cinéaste, etc.