lecture musicale
Extraits
Musique, danse
Beethoven
L'ouvrage de Maynard Solomon fut salué dès sa sortie comme une relecture exceptionnelle de la vie, de la personnalité et de l'œuvre de cet énigmatique génie que fut Beethoven. Traduit en sept langues, il est considéré par les spécialistes beethovéniens comme la biographie moderne de référence du compositeur. Le voici à nouveau dans une édition révisée, mise à jour et augmentée à la lumière des plus récentes découvertes. Aux termes d'une véritable enquête menée avec la rigueur du détective, l'objectivité du scientifique, et les outils du musicologue et du psychanalyste, Maynard Solomon scrute la personnalité complexe et si profondément humaine du compositeur, mettant en lumière tout un nœud de fantasmes extravagants autour de sa naissance et de ses origines familiales. Il analyse d'un œil critique cette poignante et célèbre confession de sa surdité qu'est le Testament d'Heiligenstadt et reconstitue l'exacte évolution de ce terrible mal. Il élucide par ailleurs certains mystères de sa vie, en particulier l'identité de la célèbre " immortelle bien-aimée " ; il livre également certaines clés de son étrange comportement notamment dans ses relations avec son neveu et fils adoptif Karl et dans celles vouées à l'échec avec les diverses femmes issues de l'aristocratie dont il tombe successivement amoureux. Il n'en éclaire pas moins l'arrière-plan social de sa vie, particulièrement ses conflits avec ses employeurs et ses mécènes, sa conquête des salons de l'aristocratie viennoise ou son cheminement idéologique et sa fascination pour les figures successives de Bonaparte et de Napoléon. Et ceci pour nous faire découvrir sous un jour entièrement neuf les liens intimes et souvent obscurs qui relient cette vie traversée de crises personnelles à une évolution stylistique et une création musicale d'exception, particulièrement innovante, dont sont fort clairement retracées ici les diverses étapes et caractérisées les lignes de force.
02/2003
Littérature française (poches)
Le Port intérieur
C'est dans une venelle du Tarrafeiro, sordide quartier marécageux près du port intérieur de Macau, que s'est réfugié Breughel. Membre d'une société secrète évoquée à travers les noms énigmatiques de " Paradis ", " Grand-mère " ou " Les Iles ", Breughel a quitté l'Occident. Il a fui avec Machado, un Brésilien, et Gloria Vancouver, l'une des responsables de l'organisation, en détournant une importante somme d'argent. A Macau, les fugitifs ont pris la nationalité portugaise pour effacer leurs traces. Depuis, Machado est mort, mais le " Paradis " veille. Un tueur, Kotter, est envoyé en mission pour apurer les comptes et exécuter Gloria Vancouver. Le Port intérieur gravite autour de l'interrogatoire de Breughel, situation narrative récurrente chez Volodine. Ce seront des interrogatoires successifs que le lecteur va découvrir et dont il ne pourra jamais évaluer précisément le degré de réalité. Car pour protéger Gloria Vancouver, Breughel a anticipé de longue date l'arrivée du tueur, disséminant dans son taudis des textes et des photographies devant amener Kotter à la certitude que Gloria est morte accidentellement lors d'un séjour en Corée. Le lecteur va se retrouver pris malgré lui dans une toile d'araignée d'une finesse extrême, faite de dialogues et de monologues entrecoupés de récits de rêves. Le Port intérieur est écrit dans une langue musicale suspendue au-dessus du silence. Théâtrale, scénique, presque gestuelle, la phrase s'arrête parfois sur l'impossibilité qu'il y a de conclure. Le point final se transforme en trou noir qui aspire tout à la fois les ruminations et les remembrances de Breughel las, exilé, et semble le conduire au silence ultime. Car Le Port intérieur, c'est le lieu même de la littérature.
09/2010
12 ans et +
Comment devenir un rock star (ou pas)
Maxime, qu'on avait abandonné entre les mains de policiers à la gare du Nord à cause d'un téléphone de contrebande, alors que sa chère Natacha venait de s'embarquer pour Londres, tente de reprendre tant bien que mal le cours de ses vacances (ratées) de Noël. Pour ne pas retourner illico chez les parents, il trouve refuge à Creil, chez l'oncle Christian, rencontré dans la Saison 1. Ce loser de première semble n'avoir jamais quitté l'adolescence, ses disques, ses pétards... et sa guitare Fender. Durant les trois jours qu'il passe cloîtré avec lui dans son HLM, Maxime découvre avec ravissement que son oncle est non seulement une encyclopédie vivante du rock mais, surtout, qu'il " touche sa race " à la guitare. Alors, si c'était avec lui qu'il montait enfin ce groupe de rock dont il rêvait tant en Saison 2 ? L'aventure musicale va, bien sûr, être dans tous les sens " monstrueuse " (ou freaks, si vous préférez). Car à l'oncle déprimé et mutique, va s'ajouter... un flic batteur (celui-là même qui arrêtait Maxime en saison 1 pour (faux) vol de sac de main) ainsi qu'un bassiste allumé, habillé en télétubbies. Quatuor improbable dont vont jaillir, bien sûr, nombre de situations cocasses...Tandis qu'entre deux répétitions, la vie de Maxime poursuit son cours délirant, en particulier avec Natacha, toujours aussi jalouse, et avec raison, découvrira-t-on ici... Quant aux secrets de la famille Mainard - notamment concernant l'amant brésilien de la mamie - on va enfin en savoir un peu plus... Affaires (émouvantes) de famille et musique (à donf) : Anne Percin poursuit et signe une Saison 3 toujours aussi épatante !
09/2012
Musique, danse
Dernier tango à Buenos Aires
On le crut longtemps en déshérence. Concurrencé par les rythmes anglo-saxons quand ce n’est pas censuré ou contraint à l’exil par la dictature, le tango avait quasiment disparu de la scène porteña. Jusqu’à ces jours tragiques de la crise Argentine où le peuple en révolte ne le plébiscite et en fasse l’étendard de son identité. C’est ainsi que venu des marges, porté par un vaste courant de rébellion, le mouvement tanguero conquit à nouveau le cœur de Buenos Aires comme il l’avait séduit un siècle auparavant. De la musique à la danse en passant par l’écriture des textes, on ne compte plus la profusion d’orchestres, de professeurs et de poètes qui depuis les années 1990 l’enrichissent de leurs créativités. Indépendamment du boom croissant de la danse pour des milliers de touristes, l’apprentissage du tango dans les écoles et l’immense engouement des jeunes argentins pour la milonga (le bal) ont un profond impact dans la vie sociale. Une réappropriation musicale et culturelle qui, bien plus qu’un phénomène, constitue au regard d’Horacio Ferrer, Directeur de l’Academia Nacional del Tango « l’avènement d’une ère sans précédent ». C’est à la genèse et à l’inventaire de ce nouvel âge d’or du tango que s’efforce de répondre cet ouvrage. Après un premier essai sur l’histoire de la capitale argentine : « Buenos Aires, cinq siècles d’un mythe réinventé », Michel Bolasell nous livre ainsi le fruit d’une enquête inédite à ce jour, richement illustrée et complétée par plusieurs grands entretiens avec les principaux danseurs, musiciens, auteurs et interprètes de cette nouvelle mouvance du tango, qui passionnera les amateurs du genre autant qu’il suscitera la curiosité des moins initiés.
11/2010
Histoire de France
Shoah
"Il n'est pas facile de parler de Shoah. Il y a de la magie dans ce film, et la magie ne peut pas s'expliquer. Nous avons lu, après la guerre, des quantités de témoignages sur les ghettos, sur les camps d'extermination ; nous étions bouleversés. Mais, en voyant aujourd'hui l'extraordinaire film de Claude Lanzmann, nous nous apercevons que nous n'avons rien su. Malgré toutes nos connaissances, l'affreuse expérience restait à distance de nous. Pour la première fois, nous la vivons dans notre tête, notre coeur, notre chair. Elle devient la nôtre. Ni fiction, ni documentaire, Shoah réussit cette re-création du passé avec une étonnante économie de moyens : des lieux, des voix, des visages. Le grand art de Claude Lanzmann est de faire parler les lieux, de les ressusciter à travers les voix, et, par-delà les mots, d'exprimer l'indicible par des visages. C'est une composition musicale qu'évoque la subtile construction de Shoah avec ses moments où culmine l'horreur, ses paisibles paysages, ses lamentos, ses plages neutres. Et l'ensemble est rythmé par le fracas presque insoutenable des trains qui roulent vers les camps. La construction de Claude Lanzmann n'obéit pas à un ordre chronologique, je dirais — si on peut employer ce mot à propos d'un tel sujet — que c'est une construction poétique. Jamais je n'aurais imaginé une pareille alliance de l'horreur et de la beauté. Certes, l'une ne sert pas à masquer l'autre, il ne s'agit pas d'esthétisme : au contraire, elle la met en lumière avec tant d'invention et de rigueur que nous avons conscience de contempler une grande oeuvre. Un pur chef-d'oeuvre." SIMONE DE BEAUVOIR
06/1985
Religion
Le rosaire sur le monde
Louis Avan était physicien, au sens moderne, féru de sciences dures, formé au contact des Pauli, Shockley, Fermi, Hofstaedter... , créateur d'un laboratoire de physique des particules qui reste à ce jour leader du domaine. Auteur avec Jean-Jacques Bonnet d'un cours télévisé de Physique diffusé sur chaînes nationales dans toute la francophonie, il a tout simplement anticipé Internet de trois décennies. Comment concilier cette approche scientifique avec un sens passionné de la fraternité, aiguisé par un travail quotidien au service de l'insertion sociale (voir L'Homme Réparé chez Gallimard avec Michel Fardeau), avec la spiritualité d'un Chrétien héritier de siècles de tradition familiale, avec plus de 80 ans de pratique musicale combinant la méditation grégorienne et la rigueur quasimathématique poussée au sommet par JeanSébastien Bach ? La réponse d'un scientifique chrétien comme Louis Avan est de garder sa priorité au facteur humain, admirant l'univers physique et la beauté de ses lois tout en chérissant le sens du Sacré. Ainsi le Rosaire, qui depuis 900 ans offre à ses pratiquants un cadre de méditation sur les Mystères de notre existence et ses côtés les plus signifiants, lui a inspiré une quête historique et philosophique. Méditer, qu'on maitrise ou non la haute technicité du chant et des psaumes, conforte l'homme dans sa volonté indéfectible de traverser sans peur le silence des espaces infinis qui l'entoure. A propos de Louis Avan Originaire de Bretagne, Louis Avan (19252017) a été Professeur de Physique, créateur du laboratoire de physique corpusculaire à la faculté des sciences de Clermont-Ferrand, puis du laboratoire de recherche Brigitte-Frybourg pour l'insertion sociale des personnes handicapées, au CNAM de Paris. Humaniste et passionné d'orgue et chant grégorien, il partageait sa retraite entre l'animation d'associations et la rédaction de réflexions sur l'éthique, la science et la religion.
06/2020
Musique, danse
Route du jazz. Afrique(s), Amérique(s), Caraïbe(s)
ROUTE DU JAZZ Samuel Nja Kwa, Préface de Manu Dibango Editions DUTA, 174 pages, 54 photos noir et blanc, 27 photos couleur, 45 euros ISBN : 978-2-9542391-0-1 Distribution : DAGAN Distribution (info@dagandiffusion. com) ROUTE DU JAZZ raconte l'histoire musicale des Africains. Un point de départ, l'Afrique ; plusieurs territoires au-delà des mers : Les Amériques, les Caraïbes. Ré¬sultat ? Le rythme se multiplie et prend des formes nouvelles là où il renait. Produit d'une synthèse entre la tradition africaine et la création européenne, rendue possible sur le sol américain, le jazz porte en lui les stigmates de l'Histoire. A travers des portraits et entretiens, le photographe Samuel Nja Kwa retrace le voyage du rythme. Des anecdotes, des témoignages personnels, un hommage aux acteurs de cette épopée. LES MUSICIENS QUI FONT LA ROUTE DU JAZZ AFRIQUES Ali Farka Touré, Cheick Tidiane Seck, Doudou Ndiaye Rose, Etienne Mbappé, Femi Kuti, Francis Bebey, Guem, Hugh Masekela, Ibrahim Abdullah, Jean-Jacques Elangué, Lionel Louéké, Malia, Manu Dibango, Miriam Makeba, Ray Lema, Richard Bona, Sandra Nkaké, Seun Kuti, Somi, Tony Allen Toumani Diabaté et Taj Mahal, Zim Ngqawana. AMERIQUES Abbey Lincoln, Ahmad Jamal, Antoine Roney, Archie Shepp, Bennie Maupin, Carlinhos Brown, Cassandra, Wilson, Christian Scott, Danilo Perez, David Murray, Dianne Reeves, Elvin Jones, George Clinton, Gil Scott Heron, Gregory Porter, Herbie Hancock, James Carter, Jimmy Scott, Kenny Garrett, Liz McComb, Maceo Par¬ker, Macy Gray, Mal Waldron, Marcus Miller, Nicholas Payton, Nile Rodgers, Olu Dara, Orlando Poleo, Pharoah Sanders, Randy Weston, Ravi Coltrane, Ray Charles, Rhoda Scott, Ron Carter, Roscoe Mitchell, Sam Rivers, Shirley Horn, Stanley Clarke, Susana Baca, Trombone Shorty, Wallace Roney, Wayne Henderson, Wayne Shorter, Yusef Lateef. CARAÏBES Alain Jean-Marie, Calypso Rose, Courtney Pine, Franck Nicolas, Jacques Coursil, Michel Sardaby, Omar Sosa, Roberto Fonseca.
03/2014
Poésie
La symphonie de la peur
La symphonie de la peur est une oeuvre sombre, rythmée comme une composition musicale. Elle est organisée en quatre mouvements : allegro, andante, scherzo, largo qui illustrent chacun l'évolution de la peur dans l'histoire de l'humanité. Gus Bofa cadence son récit en alternant entre textes sarcastiques et dessins au crayon pour créer une ambiance unique de plus en plus angoissante. Malgrè une atmosphère pesante, Bofa réussit l'exploit de glisser quelques touches d'humour noir et amer, qui parviennent à faire sourire le lecteur. Rescapé de la guerre des tranchées qui l'a laissé infirme et à l'aube de la seconde guerre mondiale, Gus Bofa use du sentiment universel de la peur pour créer une oeuvre sans concession et d'une grande modernité. Publiée en 1937, La symphonie de la peur témoigne d'une humanité prise entre deux terreurs, l'éternité et le néant, et qui tente de trouver refuge dans la religion, la morale et la science. Les hommes repliés derrière la masse sociale et les lois du groupe, se retrouvent malgré tout rattrapés par la frayeur engendrée par les crises économiques, guerres ou émeutes. A contre-courant de son époque - où l'on vit frénétiquement pour laisser les spectres de la guerre derrière soi - Gus Bofa décrit l'image d'un monde sans lumière ni espérance à travers 40 illustrations toutes aussi impressionnantes que celles contenues dans Malaises. Il livre ici un chef-d'oeuvre, grandiose et implacable qui, près de 100 ans plus tard, n'a rien perdu de sa puissance. Au terme de cette symphonie, aucune consolation n'est offerte au lecteur, qui ne peut s'empêcher d'y projeter ses propres inquiétudes.
11/2022
Grec ancien - Littérature
Euripide, Alceste et Hécube Édition bilingue. Nouvelle traduction en vers français, introduction et commentaires par Bruno Garnier...
Le présent ouvrage offre une traduction inédite des tragédies d'Euripide Alceste et Hécube, en plaçant le texte grec en regard du texte français. Précédées par des études critiques sur la traduction de ces oeuvres et sur les oeuvres elles-mêmes, ces traductions nouvelles, fondées sur une étude philologique du texte grec, visent à relancer le processus de la réception de ces tragédies en français. Dans la langue grecque du Ve siècle avant Jésus-Christ, comme dans la littérature dramatique française, la forme poétique produit des effets immédiats sur le lecteur ou le spectateur, par ses contraintes familières et par de soudaines variations de rythme et de sonorités. La prose académique ne rend aucunement compte de la dimension musicale du vers grec, alors que le vers français est devenu, depuis les romantiques et grâce aux innovations plus récentes, un instrument d'une incomparable souplesse pour traduire avec précision. Alceste est une tragédie d'un style unique parmi toutes les tragédies grecques qui ont été conservées. Elle se singularise par la présence de registres inhabituels, en apparence plus légers qu'à l'accoutumée, au point que certains commentateurs l'ont apparentée à tort à une tragi-comédie. Or cette oeuvre présente une situation d'initiation mystique sous-jacente pour le couple que forment Alceste et son époux Admète. Hécube nous plonge au coeur des désordres causés par la guerre aux rapports des hommes entre eux et avec le divin. Elle interroge certains aspects de la démocratie et pose la question de la place des femmes dans un monde d'hommes. En outre Hécube a fait l'objet d'une profusion de traductions qui en fait un musée de la traduction de la tragédie grecque en français.
02/2022
Cinéma
Un siècle de cinéma américain en 100 films. Tome 2, La fin des codes, le réalisme... puis la nostalgie : 1960-2000
Hollywood a largement contribué au succès populaire du septième art dans le monde et témoigné de l'inventivité des cinéastes, acteurs, scénaristes et autres monteurs ou compositeurs en produisant nombre de chefs-d'oeuvre. Au travers de l'analyse critique et passionnée de 100 films, de A l'ouest rien de nouveau réalisé par Lewis Milestone en 1930 jusque The Barber réalisé par Joel & Ethan Coen en 2000, cet ouvrage permet de comprendre les grands courants artistiques mais aussi thématiques voire politiques qui ont guidé l'évolution du cinéma aux Etats-Unis et au Royaume-Uni et d'éclairer des oeuvres vues et revues maintes fois et passées à la postérité. Scindé en deux parties - 1) 1930-1960 : Le règne des studios et l'Age d'or , 2) 1960-2000 : La fin des codes, le réalisme ... puis la nostalgie - l'ouvrage permet de comprendre l'influence des vieux maîtres (John Ford, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, Joseph L. Mankiewicz entre autres) sur les ténors du cinéma contemporain (Martin Scorsese, Steven Spielberg, les frères Coen), de voir aussi comment le cinéma a accompagné les grands événements du XXe siècle, tragiques et heureux. Cent films de référence qui renvoient à des centaines d'autres qui ont construit l'histoire de cet art né à l'orée du XXe siècle et devenu une industrie. Cent films pour emmener le lecteur dans un voyage au travers de nombreux genres, du western à la comédie musicale, de la science-fiction au film noir en passant par l'étude de moeurs ou le film de guerre. Un ouvrage pour voyager, rêver et, surtout, pour vouloir redécouvrir dans une salle obscure ce que le cinéma a offert de mythes et légendes.
03/2017
Critique littéraire
Le désir monstre. Poétique de Pierre Jean Jouve
Poète de la catastrophe et de l'extase, Pierre Jean Jouve (1887-1976) nous laisse une œuvre poétique, romanesque et critique qui fait coïncider, au prisme de la psychanalyse, le mobile archaïque de la déchirure religieuse et les données d'une modernité proclamant la mort de Dieu. Lorsque Jouve renie ses écrits antérieurs à 1925, dont il juge l'esprit " manqué ", il découvre la doctrine des pulsions et se convertit à une spiritualité du pur amour. A l'écart du monde littéraire, malgré son entrée dans la maison Gallimard grâce à Jean Paulhan, le poète de Sueur de Sang et Aventure de Catherine Crachat explore les vestiges du rêve et les marges de la mémoire collective jusque dans les " détritus du plaisir ". Il place le lecteur sur la scène intemporelle de son propre désir : " Monstre dont riront dans les fauteuils stupides / Ces messieurs-dames qui ne veulent rien savoir " (Moires). Le public ne peut alors qu'opposer une " résistance affective " à cette entreprise littéraire qui refuse toute complaisance. En 1936, l'auteur de Paulina 1880 renonce au roman et se consacre à la poésie (Matière céleste) et à la critique musicale (Don Juan de Mozart, Wozzeck de Berg). Pour faire aimer à l'homme la dissonance qui lui est propre entre le viscéral et le céleste, il radicalise sa volonté de désir et approfondit son abnégation. Le désir est alors monstre d'accepter la perte de ce qui le fait exister : " L'objet n'est rien et le désir est tout, même pas le désir, mais la phrase du désir " (Proses). A cette phrase anonyme du monde, cette prière sans nom, l'œuvre de Jouve se dévoue, car il n'est de salut que dans la transmission du désir.
11/2006
Littérature étrangère
Tumbas. Tombes de poètes et de penseurs
"Même entouré de milliers de pierres tombales, je n'ai jamais le sentiment que je rends visite à un mort. La relation que j'ai avec ces auteurs est toujours personnelle, même avec des poètes morts depuis longtemps, comme Virgile, Hölderlin ou Leopardi. Ils font partie de mon univers. Pour certains, j'ai entrepris spécialement le voyage dans le but de leur rendre visite, d'autres fois, je me suis trouvé dans les parages alors que j'étais en route pour une autre destination. Le récit de notre quête, nous l'avons appelé "Rencontres", Simone Sassen et moi-même..." Pendant trente ans, Cees Nooteboom a parcouru le monde afin de découvrir les tombes des poètes, des écrivains et des penseurs qui, depuis toujours, peuplent son univers. En compagnie de la photographe Simone Sassen, ses voyages sont devenus non seulement le motif d'un pèlerinage littéraire, mais aussi celui d'une recherche de l'être effacé derrière le monument de pierre, la plaque de marbre ou le carré de verdure. Du tombeau blanc de Stevenson, seul surie mont Vaea, à la tombe de Proust au Père-Lachaise, du cimetière pour étrangers de Rome, où reposent Keats et Shelley, à l'archipel nippon où se trouve Kawabata, le lecteur partage un singulier voyage, moins à travers le monde qu'à travers le panthéon intime d'un passionné de toutes les littératures. Emouvantes, tantôt prétentieuses, tantôt effacées, les tombes révèlent leur secret dans le bruissement d'un poème, d'un passage de l'œuvre du défunt ou des mots de Cees Nooteboom. Architecte érudit de ce livre composé tel un hommage, à la manière des "tombeaux" de notre histoire musicale, il provoque ainsi le désir de lire ou de relire l'œuvre de ses chers Immortels.
11/2009
Musique, danse
Musique et globalisation : musicologie-ethnomusicologie
Si le monde a déjà connu par le passé des expansions de culture considérables, la " globalisation " en cours sur toute la planète a pris une ampleur sans précédent qui la différencie nettement de ses antécédents historiques. Dans le domaine de l'art, elle suscite autant d'inquiétudes que d'espoirs, et la musique, parce qu'elle se présente d'emblée comme métaphore du monde, constitue un objet d'étude idéal pour en cerner les contours. Dans le cadre du colloque Musique et globalisation, qui s'est déroulé successivement à Paris et à Montpellier en octobre 2008, divers aspects de l'impact de la globalisation sur la vie musicale ont été analysés. Les actes publiés dans le présent ouvrage concernent le volet montpelliérain du colloque, dont la spécificité tenait au parti pris par les organisateurs d'inviter en nombre égal des musicologues et des ethnomusicologues. Les premiers (spécialistes tant de la musique savante occidentale que du jazz et des musiques populaires) s'intéressent aux relations entre la musique occidentale et les musiques non occidentales, relations que l'on sait très fructueuses depuis au moins Debussy et jusqu'à de jeunes créateurs actuels qui n'hésitent pas à écrire pour des musiciens venant d'autres cultures que celle occidentale, en passant par Xenakis ou Reich. Les seconds sont des spécialistes des musiques non globalisées de l'Europe de l'Est, de diverses musiques extra-européennes d'Asie centrale, du sous-continent indien, des Touaregs d'Afrique du Nord ou de Trinidad. Ils posent la question du devenir des musiques qu'ils étudient dans le cadre de la globalisation. Les deux sortes d'interventions (musicologues et ethnomusicologues) sont ici présentées sous forme de duos (ou de trios) afin que le lecteur puisse prendre conscience plus aisément des points de vue parfois contradictoires, plus souvent complémentaires.
05/2011
Musique, danse
Miles Davis et le blues du blanc
" Ces vrais résidus de poubelle du type My Funny Valentine, ces camelotes d'un autre temps écrites à l'usage des Blancs ! " : ainsi Miles Davis qualifia-t-il en 1975, un jour de colère, les standards empruntés au répertoire de la chanson populaire et de la comédie musicale, dont il avait été pendant plus de vingt ans le plus troublant des interprètes. Il leur devait en grande partie sa gloire et sa fortune. Il leur avait fait l'amour avec plus de ferveur, de tendresse et d'imagination qu'aucun trompettiste avant lui. Comment et pourquoi en vint-il à les agresser, et pas seulement en paroles, à les démantibuler, à leur lancer de l'acide au visage, avant de les exiler de sa musique pour très longtemps ? C'est la principale question que posent ces pages d'où se dégage peu à peu la figure fascinante d'un créateur qui, ne voyant dans l'éternité " rien d'autre que l'éphémère toujours réinventé ", terrorisé à l'idée que l'air du temps pourrait souffler la flamme de son génie si son génie restait en place, n'a cessé de fuir son reflet et de fausser compagnie à son ombre (à sa lumière aussi !). Quitte à se chasser lui-même des paradis successifs auxquels il avait accédé. Au moins ne l'aura-t-il fait que pour en gagner de plus inouïs. " Critique à la notoriété transatlantique - a écrit Paul Benkimoun dans Le Monde - Gerber possède, comme les musiciens qui le fascinent, cette impressionnante assise technique qui lui permet de canaliser une imagination profuse. Il nous révèle les vérités secrètes du jazz, dissimulées sous notre nez, et suscite en nous le sentiment de voir énoncé ce que nous n'aurions pas su exprimer. "
01/2003
Musique, danse
Giacomo Puccini
Héritier de la tradition pluri-séculaire de l'opéra italien, Puccini (1858-1924) est le dernier très grand compositeur d'opéras dont l'œuvre a acquis une popularité planétaire. Ses chefs-d'œuvre (La Bohème, Manon Lescaut, Tosca, Madame Butterfly, Turandot) sont constamment à l'affiche de toutes les scènes lyriques. Paradoxalement, l'homme est moins connu ; situer sa vie et sa musique dans son époque est une nécessité, de même qu'évaluer la portée de son œuvre à l'heure actuelle. Égarée par son succès, la critique parla facilité, démagogie, vulgarité. La France, en particulier, affecta un mépris vertical pour un compositeur que, pourtant, Schoenberg, Stravinsky et Ravel tinrent en haute estime : sa perfection artisanale les fascinait et, bien entendu, l'originalité des solutions techniques qu'elle suscitait. Peu après la Deuxième Guerre mondiale, l'approche musicale ayant changé, on s'intéressa de plus près à ces livrets plus hardis qu'on l'avait cru, à cet orchestre inventif, à ces harmonies toujours plus tendues - et plus que jamais à leur efficacité confondante. Compositeurs (Berio, Bussotti, Menotti), chanteurs, chefs d'orchestre et metteurs en scène eurent à cœur de nous restituer un Puccini sans boursouflure histrionique, à réévaluer ces mélodrames si aptes à obséder l'inconscient collectif. L'artiste Puccini suscite alors une attention d'autant plus approfondie qu'il sut, politiquement, se maintenir dans la rigueur d'un homme sans bluff. Loin des appréciations conventionnelles, sans complaisance, l'ouvrage que nous présentons tend à faire reconnaître l'ampleur de ces réévaluations nécessaires, replace Puccini dans la complexité culturelle d'une Italie passant d'une Unité toute fraîche à un fascisme ravageur... C'est parler davantage des problèmes résolus par un grand compositeur homme de théâtre que des futilités du vedettariat.
05/2005
Cinéma
Mouvements. Une vie au cinéma
Mêlant étroitement autobiographie, analyse cinématographique et histoire sociale, l'auteur évoque une existence jalonnée et transformée par la vision des films, depuis son enfance baignée par le cinéma dans une petite ville de l'Alabama où son père et son grand-père exploitaient un circuit de salles jusqu'à sa vie d'adulte devenu critique globe-trotter. Tout étant indissociables, les films sont évoqués à travers le prisme de la vie : où et quand on les a vus, avec qui (car la notion de communauté était encore prépondérante au cinéma), ce qu'on a fait juste avant ou juste après, sans oublier les substances hallucinogènes que l'on a consommées. En retour, par le biais des films seront abordés des phénomènes comme les lois raciales et la violence de la ségrégation dans le Sud profond (avec le changement de regard qu'un camp de vacances «intégré» et les marches pour l'égalité ont provoqué chez l'auteur), ou l'évolution de la vie des Américains : les centres commerciaux en périphérie qui ont petit à petit rendu exsangue le centre des villes, et la télévision qui de plus en plus a fait concurrence aux salles. La longue évocation d'une comédie musicale sirupeuse avec Doris Day permet aussi à l'auteur de brosser des portraits croisés de lui-même aux divers moments de sa vie où il l'a vue et revue. Et toujours en filigrane, l'écriture, incontournable, depuis les grandes ouvres littéraires qui l'ont marqué jusqu'au besoin vital d'écrire lui-même, en passant par les bandes dessinées, trésors de son enfance, le journal intime dont la tenue lui valait son argent de poche, et toutes sortes de lettres et de témoignages envoyés, reçus, ou retrouvés en élaborant ce livre.
12/2003
Sociologie
Je suis imparfait et c'est merveilleux. (Préface de Marc Vella)
Si vous avez récemment échoué et envisagez d'abandonner, ne le faites pas. L'obstacle est sur votre chemin, pour vous apporter une issue encore meilleure. Mais vous devez continuer, avec bienveillance, pour l'obtenir. Qui ne s'est jamais senti "insuffisant" , à travers ses failles, ses erreurs, ses blessures, ses colères, ses hontes ou ses déceptions ? Et si ces "dissonances" de la vie, faisaient justement partie de l'oeuvre musicale qu'est notre vie ? Les NOTES sont semblables à nos expériences vibratoires qui composent la mélodie. Nul besoin, entre elles, de rivalité, de pouvoir, de violence pour être jouées et "résonner" , "raisonner ! " . La musique nous apprend une chose essentielle : nous pouvons réussir, sans faire échouer quelqu'un d'autre, nous pouvons être grand, sans avoir à faire ressentir aux autres qu'ils sont petits, et nous pouvons nous élever, sans avoir à rabaisser les autres. Pour l'expérimenter, il ne faut pas écouter la musique, mais plutôt se laisser traverser par chaque note, chaque vibration sonore, pour ressentir qu'elles nous soufflent un message d'AMOUR : "L'amour est le centre de toutes les solutions humaines" , tout comme le soleil est le centre de notre système planétaire. Les dissonances dans la vie sont donc inévitables et nécessaires. Il est impossible de vivre sans échouer, à moins que vous ne viviez si prudemment que vous pourriez tout aussi bien ne pas avoir vécu du tout - auquel cas, vous échouez par défaut. Dans cet ouvrage, l'auteur nous invite, à travers le récit de son expérience personnelle, à accepter et encourager nos imperfections. Il nous montre comment "les dissonances sonores, comme dans la vie, sont justement des opportunités qui lui donnent un sens, et nous permettent d'avoir une vie exceptionnelle" .
04/2020
Musique, danse
Emmanuel Gat. Cet espace où danse la musique
S'appuyer sur une pièce d'une chorégraphe pour mieux cerner les questions et les références de ces artistes qui parlent peu de leur univers. Croiser les regards et les écritures, en mêlant des critiques de danse, des auteurs plus éloignés du monde de la danse, des poètes. Voilà les objectifs de cette collection, dirigée par le critique de danse et journaliste Philippe Verrièle. Venu à la danse sur le tard, à 23 ans, après un atelier d'amateur, Emanuel Gat a rattrapé le temps perdu. Deux ans après, il débutait sa carrière de chorégraphe indépendant ! Depuis la fondation de sa compagnie, en 2004, il enchaîne les créations, du Sacre du Printemps (2004) à Goldlandberg (2013) en passant par K626 (2006), Silent Ballet (2008) ou Sunny (2016) qui se réfère à la fameuse chanson de Bobby Hebb... Manière de souligner que, toujours, l'oeuvre du chorégraphe vient examiner la musique, toute la musique. Et sa récente création, Story Water (2018), n'a pas hésité à se mesurer au monument Boulez ! On appréciera l'éclectisme. Mais, après Cage, Cunningham et toute l'aventure de la danse contemporaine, comment s'intéresser à la musique ? Personne ne doute aujourd'hui que la musique est un art suffisamment important pour ne pas avoir besoin de la danse pour exister... Et les difficultés des chorégraphes à se faire reconnaître comme auteur d'oeuvres à l'image des compositeurs devrait dissuader de retourner voir du côté de la musique. Sinon que ces considérations et les précautions n'appartiennent pas au caractère d'Emanuel Gat, lequel fait de la matière musicale l'un de ses sujets. D'une façon tout-à-fait originale : le corps du danseur devenant une manière d'espace pour la musique !
02/2019
Musique, danse
Nicolas Clérambault
Issu d'une famille de musiciens où l'on se transmettait le métier de père en fils, Nicolas Clérambault a dû longtemps sa renommée essentiellement à son œuvre d'orgue et de clavecin, ainsi qu'à ses nombreuses cantates profanes qui n'ont cessé d'être jouées et chantées par les plus grands interprètes. Mais c'est la récente redécouverte de sa musique vocale religieuse, comme ce fut le cas il y plusieurs années pour Marc-Antoine Charpentier, qui amène à présent à considérer ce musicien comme l'un des compositeurs français les plus importants de son époque.
Fils d'un des Vingt-quatre Violons du roi, Clérambault (1676-1749) traverse une grande partie du règne de Louis XIV, la Régence, et près de la moitié du règne de Louis XV. Plus qu'à la Cour, son talent va s'épanouir principalement dans les milieux proches de celle-ci comme la Maison royale de Saint-Cyr. C'est ici qu'il mène une carrière d'organiste et de compositeur, en même temps qu'à l'église Saint-Sulpice et chez les Jacobins. Il organise également des concerts chez lui, rue du Four, tout en étant invité par les Jésuites du collège Louis-le-Grand à composer des intermèdes pour leurs tragédies et leurs comédies.
A la fin de sa vie, Clérambault adhère à la doctrine de la franc-maçonnerie, alors naissante en France, et compose sa dernière cantate, Les Francs-maçons.
Rendant compte à la fois de son parcours personnel, de son environnement social et artistique et de l'intégralité de sa production musicale, cet ouvrage - le premier à être consacré à cette figure majeure du baroque français - est assorti du catalogue de son œuvre et de son traité d'accompagnement.
09/1998
Histoire de France
Mélodies d'Auschwitz. Et autres récits sur les camps
" Deux ans se sont écoulés depuis la Libération et, malgré toutes les enquêtes qui ont été faites, malgré la quantité de livres parus, malgré même les films tournés sur les camps de concentration, mes interlocuteurs sont toujours stupéfaits chaque fois qu'il m'arrive de parler dAuschwitz en général, et de son activité musicale en particulier. "Comment ? disent-ils, il y avait donc une musique dans votre camp ? A quoi servait-elle ? Quel était son but ? Qu'y jouiez-vous ? Des marches funèbres ? " Bien d'autres questions encore m'ont été posées. Toutes m'ont paru naïves, mais justifiées, étant donné l'ignorance complète de la question. Or, il y avait bien une musique - Kommando Lagerkapelle - au camp dAuschwitz, comme il y en avait une dans chaque camp allemand qui se respectait... Et cette musique, partie essentielle de l organisation des camps, était, aussi paradoxal que cela puisse paraître, un accessoire, et non des moindres, de sa police intérieure." Ce volume réunit _les deux livres que Simon Laks écrivit sur l'orchestre d'Auschwitz-Birkenau qu'il fut amené à diriger pendant plus de deux ans. Le premier, Musiques d'un autre monde, fut publié peu après son retour en France, en 1948. Préfacé par Georges Duhamel, il reçut à l'époque le prix Vérité, et n'a jamais été reproduit depuis. Le second, Mélodies dAuschwitz, écrit en polonais trente ans plus tard, fut publié à Londres en 1979, avant d'être traduit en plusieurs langues. Sa version française, publiée aux Editions du Cerf en 1991, est reprise dans le présent volume, qui contient d'autres textes inédits, dont trois essais d'Annette Becker, de Frank Harders-Wuthenow, et du propre fils de Simon Laks, André Laks.
11/2018
Littérature française
Nouveau nouveau recueil. Tome 2
1923-1942 L'homme qui désire voyager. Au lecteur. De amicis meis. De la pluie. Le processus des aurores. Idée du texte... La simple. Aurore. Le bec d 'oiseau. Torses et chefs... La serviette-éponge. La pluie. Les gars du bâtiment. L'Egypte et les Egyptiens. Petite suite vivaraise. La Pentecôte. L'ortie. Promenade au fort de Romainville. Conférence de M. Déat. Comptine. La scie musicale. Souvenirs interrompus. Rouen, masure humide. L'énergumène. Tournoiements aveugles. Pour étrenner ma droite. Hiver de famine. Billets "hors sac". Je suis un suscitateur. Je lis Montaigne... Paysage près du Moulin-de-Charix. 1967-1984 "Eppur, si mu ove !". Pour Marcel Spada. Son nom seul aujourd'hui. Pour Max Bense. Ecrits récents. With and to Hemi Maldiney Cheer up ! Plutôt rien que pas assez. Le petit oiseau qui sortira de la chambre noire sera fusillé. Notes pour mon Picasso-Draeger. Envoi à Henri Maldiney d'un extrait de mon travail sur "La Table". Voici déjà quelques hâtifs croquis pour un "portrait complet" de Denis Roche. Petite machine d'assertions pour aider à l'élévation à son rang de notre Gabriel Audisio. Avant-propos. L'Ecrit Beaubourg. Grand Hôtel de la Rage de l'Expression et des Velléités Réunies. Sans titre. Nous, mots français. Anne Heurgon-Desjardins. In Memoriam Gaëtan Picon. "La Belle Lurette". Petit récit de l'assomption d'un ange qui ne fut d'abord qu'un bottier. Préface à l'édition japonaise de "La Rage de l'Expression". Pour Joan Miro. [Jean Hélion]. Nouvel hommage d'un frère cadet. Bref condensé de notre dette à jamais et re-co-naissance à Braque particulièrement en cet été 80. "Allons plus vite, nom de Dieu, allons plus vite". Préface. Pour André du Bouchet (quelques notes). Braque-Argenteuil. Paul Valéry. Cher André Villers. Notes pour l'éditeur. La Table.
02/1992
Musique, danse
Guide illustré de la musique. Tome 1
Voici enfin mis à la portée du grand public, selon une approche scientifique tout à la fois claire, intelligente, précise et séduisante, l'essentiel des bases de la musique trop souvent présentées tantôt de manière rébarbative, tantôt de manière trop simplifiée. Radicalement neuve, la conception de cet ouvrage l'est d'abord par le rôle déterminant qu'y joue l'image, non pas simplement " illustration " du texte mais véritable prolongement de celui-ci, complément indispensable à sa compréhension qu'elle rend toujours aisée. S'y ajoute la couleur, qui permet une visualisation immédiate de la structure d'une œuvre, de l'étendue des voix ou des instruments, des règles du contrepoint, etc. L'autre originalité de ce livre tient à la matière exposée qui en fait une véritable encyclopédie. Une partie historique essentiellement axée sur l'étude des styles et couvrant ici la période allant de la préhistoire et des civilisations anciennes non européennes jusqu'à la fin de la Renaissance (la musique du début du XVIIe siècle jusqu'à nos jours sera traitée dans un second volume) est précédée d'une partie Sciences de la musique, dont aucun autre ouvrage n'offre l'équivalent, tant sont divers et abondants les sujets traités. On y trouve en effet, entre autres, des développements sur les instruments, les genres, les formes, l'harmonie, la notation, la basse continue, la technique dodécaphonique, etc., mais aussi sur l'acoustique, la physiologie de l'oreille et de la voix, la partition musicale, la pratique de l'exécution... Véritable best-seller en Allemagne (300.000 exemplaires vendus), déjà disponible en plusieurs langues, ce Guide illustré de la musique s'inscrit ici tout naturellement dans la collection des " Indispensables de la musique ".
12/1988
Musiques du monde
Une famille bretonne en Kabylie. Septembre 1969 - Juillet 1974 - Une chorale au C.E.M. de Larbâa-Nath-Irathen
Jean-Etienne Le Roux est né en 1943 dans une famille bretonnante de Plonévez-du-Faou, une bourgade du centre Finistère. En 1969, sa femme Dany et lui, tous les deux enseignants, décident de partir à l'étranger enseigner dans le cadre de la Coopération. Ils obtiennent un poste dans un collège de Kabylie au coeur du massif du Djurdjura, à Larbâa-Nath-Irathen. Avec leur enfant de 2 ans ils font le voyage vers leur lieu d'affectation en voiture par l'Espagne et le Maroc. Très vite l'auteur découvre de nombreuses similitudes entre la musique traditionnelle bretonne et la musique kabyle. Il décide alors de tenter un mariage entre ces deux musiques en y ajoutant de la polyphonie ; pour cela il crée une chorale au collège et écrit, à partir de chants kabyles collectés, des chceurs à 2 et 3 voix ; pour composer il bénéficie des acquis de sa propre formation musicale, notamment en classe d'harmonie. Pour lui cette rencontre entre deux cultures était l'expression la plus riche d'une véritable coopération car si les élèves kabyles s'initiaient à la polyphonie, lui découvrait et s'enrichissait de leur musique. Cette chorale a vécu 4 années, de 1970 à 1974 ; elle s'est produite à Tizi-Ouzou, Blida, Alger, Sétif, Dellys ; un reportage lui sera consacré sur la radio kabyle de l'époque. D'un niveau modeste compte tenu des difficultés techniques rencontrées elle aura eu le mérite d'offrir aux élèves de nouveaux horizons, d'avoir présenté sur scène un visage original de leur pays : la Kabylie. Cet ouvrage de mémoire est dédié à sa femme Dany décédée en 2008, aux anciens choristes ainsi qu'à tous ceux qui ont été leurs élèves de 1969 à 1974. Leur second fils est né en avril 1971 à Larbâa-Nath-lrathen.
03/2021
Littérature étrangère
Eat the Document
Au début des années 1970, Mary Whittaker et Bobby Desoto, un couple de jeunes militants en lutte contre la guerre du Vietnam, se voient contraints de prendre la fuite après une action qui a mal tourné. L'un et l'autre doivent alors se forger une nouvelle identité et emprunter des chemins destinés à ne plus se croiser. Presque trente ans plus tard, sous le dernier des multiples noms qu'il lui a fallu endosser au cours de sa longue cavale, Mary vit dans une banlieue avec son fils de quinze ans, Jason. Fasciné par la culture musicale des sixties et des seventies, l'adolescent qui ignore tout du passé de sa mère se trouve précisément à l'âge où l'on veut en savoir davantage... Dans un quartier éloigné de la ville, Nash, un libraire anarchiste, tente sans grand succès d'insuffler à la jeune génération altermondialiste les principes de base d'une idéologie révolutionnaire digne de ce nom, tandis que Henry, son ami et associé, qui, bien qu'également quinquagénaire, n'a renoncé ni à la consommation effrénée de bière ni au rite du `"joint", a choisi de consacrer la vie qui lui reste à des croisades nocturnes aussi périlleuses que désespérées contre les panneaux publicitaires des temps nouveaux afin d'oublier le cauchemar récurrent d'une guerre qu'il n'a pas faite mais dont le hideux fantôme, hantant ses nuits, s'emploie à finir de le mettre en pièces... Convoquant les images et la bande-son qui accompagnent deux époques que séparent leurs options en matière d'action politique mais que relie une forme de combat, Dana Spiotta écrit le roman symphonique d'une culture américaine passée en trente ans d'un idéalisme fervent au cynisme le plus affiché, brossant ainsi un subtil et puissant tableau du déclin de tous les radicalismes.
02/2010
Poésie
Bel Ogou d'avant rouge
Voici une voix de la nouvelle génération des poètes haïtiens qui sâélève, rude et exigeante, impatiente de secouer le joug des pouvoirs corrompus et des assignations. Consciente de la beauté de la vie et de la laideur des sociétés humaines modernes, portée par le formidable élan vital de ceux qui ont le sentiment que subir nâa que trop duré, voici une poésie qui déshabille crûment la réalité, de là où elle l'observe. Une poésie qui sonne et qui cogne, lucide, y compris sur la littérature et son désir contrarié de révolte. Né en 1988 à Port- au âPrince, en Haïti, Rolaphton Mercure est écrivain, comédien et acteur, slameur, dramaturge et metteur en scène. Après sa participation, de 2010 à 2012, à la troupe de comédie musicale Haïti en scène de Bertrand Labarre, il a joué dans la pièce "Le Jeu de l'amour et du hasard", montée par Jean-René Lemoine, au Festival 4 chemins de Port-au-Prince (2012) puis au Festival des francophonies de Limoges (2013). Lauréat, en tant que slameur, du prix Caraïbes en création de l'Institut français en 2013, il a, au cinéma, joué dans "Meurtre à Pacot" et participé au doublage d'"Assistance mortelle", deux films de Raoul Peck, avant d'interpréter un des rôles principaux dans le â film Kafou (2017) de Bruno Mourral et un second rôle dans le film "Freda" de Géssica Généus. Sa pièce "Fuck Dieu, fuck le vodou, je ne crois qu'en mon index" a été nommé au prix SACD dramaturgie en 2021 puis publié dans l'Anthologie des nouvelles dramaturgies d'Haïti. Il vit actuellement à Limoges où il suit des études de second cycle en créations contemporaines et industries culturelles.
04/2023
Ecrits sur l'art
Gr En-k-rE
Après un premier livre de photographies en couleur Un regard à fleur de graine où se côtoient des portraits d'hommes, de femmes de chair et coiffes de végétaux vivants, ici, s'offre un nouvel espace "transversé" entre l'humain et le règne végétal dédié au dessin, au graphisme. Trois protagonistes, l'un, le vivant inventé par la Terre GREN (graine), le second, l'abstrait inventé par l'homme K-RE (carré/code), le troisième, l'imaginaire inventé par la musique (mots/nomination), dansent, se multiplient, se battent, s'aiment, se réfléchissent dans l'espace des pages, où la graine (la Terre), libérée du K-RE (code), se devine, se "divine germante" . Lors du "bouillonnement créatif du dessin" , sont apparus, entre autres, l'univers du sculpteur cybernétique Nicolas Schöffer, les oeuvres numériques de Santiago Torres, d'Antoine Schmitt, les oeuvres cinétiques d'Elias Crespin, le peintre René Magritte, l'oeuvre musicale de Pierre Henri, John Cage, la mémoire de discussions métaphysiques avec l'artiste Eléonore de Lavandeyra Schöffer, les biotechnologies, puis la forêt... A partir de ces expériences, ma libre interprétation poétique de l'ingéniosité d'un langage scientifique a inventé et composé la musique des mots selon l'appel des dessins, sonnant et dissonant leurs formes, leurs textures, leurs vies vibrantes dans le fil du livre. Puis est venu le temps du regard, tourner les pages, écrire le "film" encore et encore jusqu'à l'instant d'harmonie, de liberté enfin trouvée. La lectrice, le lecteur, pourront se laisser aller à écouter le son des mots, déclamer leurs syllabes en haute et basse voix, créer de nouveaux espaces visuels et sonores, improviser en La ou en Sol et pourquoi pas, jouer en GREN-K-RE Excellent voyage ! Le voyage ? Si c'était se laisser chercher par l'invisible ?
03/2021
Romans policiers
Le Congrès des Villes-pont - The Congress of Bridge-Cities
L'Association internationale des Villes-pont organise son premier congrès mondial à Pont-à-Mousson. Les villes membres ont en commun que leur nom contient le mot "pont" dans la langue locale, ce qui souligne le but de l'association : créer des ponts entre peuples et ainsi favoriser la paix dans le monde. L'association a adopté cinq langues : allemand, anglais, espagnol, français et italien. Au congrès, les organisateurs doivent payer neuf interprètes maîtrisant ces cinq langues, ce qui est ruineux. Un linguiste anglais polyglotte propose une solution : adopter l'espéranto comme langue unique. Les incomparables avantages de cette langue neutre qu'on apprend dix fois plus vite que l'anglais ou les autres grandes langues occidentales sont mis en évidence et l'association décide de l'adopter. Le livre décrit le monde des congrès avec ses traditions : conférences, excursions, soirées culturelles ou divertissantes. On organise même un concours d'interprétation musicale et les Jeux Intervilles. Il s'agit d'un roman policier ; le meurtre d'un éminent conférencier est résolu par l'agent de sécurité Jacques Bonport, un jovial méridional au langage fleuri dont le lecteur fera son héros. La particularité de la présentation est d'être bilingue avec le texte français sur la page de gauche et le texte anglais sur la page de droite. Mais le texte anglais est satirique : il est supposé d'être traduit par un Français cultivé qui a étudié l'anglais pendant huit ans et qui prétend le maîtriser parfaitement. Il contient des dizaines d'expression traduites mot à mot, ce qui fait rire le lecteur français tandis qu'elles sont incompréhensibles au lecteur anglophone qui doit avoir recours aux explications rédigées par l'auteur.
02/2023
XXe siècle
Café liégeois. Un musicien liégeois dans le Paris du XXe siècle
"?Comment, me direz-vous, écrire à la mémoire d'un père dont vous regrettez le faible niveau de communication ? En fait si mon père me parlait assez peu, il a écrit, comme évoqué ci-dessus, ce qu'il a intitulé Mémoires d'un inconnu. Ce texte que ma mère, toujours au service de l'artiste, que ce soit pour dactylographier d'improbables mémoires, dessein vague et lointain, ou plus prosaïquement pour attacher un bouton de col de chemise récalcitrant avant d'aider à enfiler l'habit revêtu pour un concert, dessein immédiat, concret et nécessaire dans le contexte du trac qui accompagne une proche entrée en scène, a matérialisé, ce dont je m'inspire aujourd'hui. Vous aurez compris que mon père était musicien, et pour être plus précis, violoncelliste, celliste comme on dit, si on est un tantinet snob.?" Cet ouvrage résulte du désir d'un fils de rendre hommage à la carrière de son père, musicien liégeois qui a commencé sa carrière de violoncelliste à dix-huit ans à Paris. Il relate des souvenirs vécus parfois par le petit bout de la lorgnette, dans les coulisses des grands ou petits événements de sa vie musicale. Charles Bartsch est né le 9 décembre 1907 à Grivegnée, en Belgique. Il a étudié le violoncelle, la musique de chambre et l'harmonie au Conservatoire royal de Liège. Il se perfectionne à Paris avec Paul Bazelaire et Diran Alexanian et intègre l'OSP (Orchestre Symphonique de Paris) en 1928. En 1949, il devient finalement professeur de violoncelle au Conservatoire royal de Liège. Il laisse comme compositeur une centaine d'oeuvres. Cet ouvrage, rédigé en partie par son fils Pierre, est le récit de ses mémoires.
01/2024
Ethnologie et anthropologie
Dans la polyphonie d’une île. Les subversions poétiques du séga mauricien
Dans la polyphonie d'une île livre une généalogie raciale et coloniale du séga, une pratique poétique, musicale et dansée née à Maurice pendant l'esclavagisme colonial au sein de communautés de fugitifs, puis devenue une tradition touristique après la décolonisation. Déplier cette histoire revient à questionner la toute-puissance du colonialisme et entendre les subversions poétiques des ségatières et ségatiers de l'île Maurice. Car, dans les marges d'un rituel collectif, le séga fut l'endroit d'une création poétique où se reconfiguraient les normes de l'intime colonial. A l'heure du demi-siècle des décolonisations, Dans la polyphonie d'une île révèle les traces du colonial parmi les formes commémoratives contemporaines de séga, imposées comme sources mémorielles de la tradition mauricienne. Dans la première partie, l'autrice aborde ce sujet par le prisme des archives coloniales et retrace l'histoire des politiques culturelles qui, de 1715 à 1968, ont quadrillé les espaces des chants, des musiques et des danses de la colonie pour tracer les frontières de la race. Par quelles voix ces chants et ces danses issus de l'esclavagisme colonial arrivèrent-elles jusqu'ici, et avec eux, quels récits furent transmis ? Le séga est-il un folklore préservé par la tradition orale désormais offert à nos regards d'Occidentaux ? Par la retranscription inédite des chants de ségatiers et de ségatières que Caroline Déodat entreprend dans la seconde partie, cet ouvrage procède à l'excavation d'autres voix, dont les résonances sont activées au moyen d'un outillage conceptuel transdisciplinaire où l'anthropologie et l'ethnopoétique côtoient aussi bien la philosophie politique de Michel Foucault, Elsa Dorlin et Judith Butler que la théorie critique postcoloniale de Homi Bhabha, Frantz Fanon et Ann Laura Stoler.
01/2024
Sociologie
Créer pour éduquer
Cet ouvrage collectif questionne l'activité de création comme activité d'éducation à travers des approches aussi diverses que les spécialités des enseignements artistiques identifiés : Education musicale, Danse, Arts visuels et numériques, Théâtre, Interprétation de texte, Performance, Design. Pour mener ce questionnement, les auteurs ont poursuivi le double objectif visé par le colloque international "Créer pour éduquer. La place de la transdisciplinarité", un des axes forts du projet : collecter des résultats sur les retombées de la formation à la performance des étudiants en professorat dans leur approche du métier d'enseignant ; contribuer au développement d'une réflexion sur la création, considérée comme outil de formation des professeurs et des élèves grâce aux synergies entre artistes, formateurs et chercheurs, par des apports significatifs dans l'étude des interactions entre recherches artistiques et recherches scientifiques. Trois parties structurent l'ouvrage. La première partie s'intéresse à la transdisciplinarité comme outil didactique interrogeant les gestes des enseignants en formation qui apprennent à créer des dispositifs pour éduquer à la création, à la créativité. La deuxième partie est consacrée à la transdisciplinarité en tant qu'outil didactique et d'apprentissage et son influence sur les gestes que les enseignants mobilisent en classe pour apprendre aux élèves à créer. Enfin, les apprenants développent des gestes créatifs dans toutes les disciplines si on les y invite. En ce sens, la troisième partie propose de regarder la transdisciplinarité comme un outil d'apprentissage et ses répercussions sur les gestes des apprenants. Soutenu par la structure fédérative de recherche en éducation SFERE-Provence (FED 4238) et l'ESPE d'Aix-Marseille Université, cet ouvrage a aussi permis de réunir des créateurs, des chercheurs, des formateurs et des critiques du monde de l'art pour confronter leurs expériences de la transdisciplinarité.
06/2019
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