urssaf artistes auteurs
Extraits
Littérature étrangère
Mon âme en exil
" Dans les replis de ma mémoire s'ouvrent des portes closes et des moments enfouis se raniment. Une parole, un geste oublié, un regard de mon père et des détails de la vie quotidienne, disparus et oubliés depuis longtemps, reprennent vie et me transmettent la joie ou la tristesse qu'ils portent en eux, plus qu'ils ne visitent ma mémoire. " Dans ce texte devenu mythique, Zabel Essayan, éprise de liberté, esprit rebelle, s'exprime à travers le personnage d'un peintre, pour évoquer les questionnements de l'artiste déchiré entre sa passion pour la création et son rôle dans une société anéantie. Comment créer librement quand on est coupé de ses racines ? L'écriture de ce récit poétique a commencé à Bakou en 1917, où son engagement pour la cause des orphelins l'avait menée, et de là, à Téhéran, Bagdad, Paris, Beyrouth. En perpétuel déchirement d'un pays à l'autre, en situation d'urgence, l'écrivain en exil, une des rares femmes sur la liste de la rafle du 24-Avril 1915, est toujours rattrapée par le destin des siens. Elle évoque avec délicatesse, dans ce texte autobiographique, " un paradis perdu ", une société disparue, le charme envoûtant des paysages stambouliotes, les problèmes existentiels de l'artiste, dans l'atmosphère de la " maison paternelle de Baglarbache quasi déserte. ".
05/2012
Beaux arts
Qu'est-ce que l'art moderne ?
L'art contemporain est l'objet d'une querelle : face à ce qui apparaît comme une " balkanisation " du champ artistique où il n'est jusqu'à la notion d'œuvre d'art qui ne se dissolve, les uns chantent la liberté retrouvée, les autres dénoncent le règne du n'importe quoi. L'ouvrage de Denys Riout se propose d'aider ses lecteurs non pas à juger a priori, mais à comprendre comment on en est arrivé là. Pour ce faire, il retrace, sur le mode thématique et chronologique, ce que fut le XXe siècle artistique, insistant notamment sur les grands mouvements - avant-gardes, manifestes, écoles - qui ont jeté, sous le nom d'art moderne, les soubassements de la situation actuelle de l'art. Par là, il éclaire les grandes spécificités de l'art contemporain : comment s'est imposée la notion d'" arts plastiques " et l'œuvre d'art a cessé d'être peinture ou sculpture pour se faire uniquement vidéo, photographie, performance ou exhibition du corps de l'artiste ; pourquoi les critères d'évaluation sont bouleversés, le rôle du commentaire critique devient constitutif de l'œuvre, et l'artiste ne s'autorise plus que de lui-même pour décider ce qui est art et ce qui ne l'est pas. Si chacun demeure libre de porter un jugement, il dispose désormais, avec cet ouvrage, des éléments nécessaires pour le faire.
11/2000
Littérature française
Les inachevées. Le goût de l'imparfait
Chaque chapitre de ce livre, qu'il évoque un roman de Truman Capote ou les Esclaves de Michel-Ange, le théâtre de Balzac ou l'album perdu du Velvet Underground, raconte de façon savoureuse l'histoire singulière d'un inachèvement, les conditions de création d'une œuvre, les motivations et le projet d'un artiste, les difficultés rencontrées : histoires d'amour, d'argent, de pouvoir, de création. Les œuvres inachevées exposent leurs blessures et leurs pansements : les échafaudages, les difficultés, les abandons de l'artiste. Elles sont dans l'entre-deux, entre le premier jet et le chef-d'œuvre. Plus que les œuvres achevées, elles révèlent les secrets de fabrication, ou du moins le laissent croire. Suspendues dans leur trajectoire, souvent énigmatiques, elles indiquent des directions invisibles et des lignes de fuite. Lieux ambigus et émouvants, elles tiennent à la fois du musée et de l'atelier. Elles sont toujours disponibles, en attente, comme si quelqu'un allait venir. Comme un goût d'imparfait. De Partie de campagne de Jean Renoir à Turandot de Puccini, des tableaux de Turner au dernier film de Marilyn, de la cathédrale de Sienne à la célèbre Sagrada Familia de Barcelone, temple de l'inachèvement, et jusqu'à l'énigmatique roman " 53 Jours " de Georges Perec, c'est à une suite de voyages saisissants dans l'histoire de l'art que nous convie ce livre.
05/2008
Littérature française
Le Secret de Jeanne
"- Oh Raphaël, je suis inquiète. Que penseront mes parents lorsqu'ils découvriront que je leur ai caché ma grossesse ? Et Imanol ? Et Juliana ? C'est mal de mentir ainsi à ses meilleurs amis, non ? Ils ne me le pardonneront jamais. . ". La parenthèse rouennaise s'achève, il est temps pour Gabrielle et Raphaël de rentrer à Saint-Jean-de-Luz, après six mois passés dans leur alcôve, comme deux amoureux seuls au monde. L'artiste se languit de sa galerie d'art, confiée à son amie Constance, et se veut rassurant auprès de Gaby, sa magnifique, sa muse. Du haut de ses trente ans, la jeune femme s'en remet à la sagesse de son amant atypique. Il a de l'expérience, il sait, il connaît la vie, à l'aube de la cinquantaine. Mais qu'adviendra-t-il, quand sonnera l'heure des révélations ? Fragmentée par le philtre des perceptions, la vérité pourra-t-elle éclater ? Qui es-tu Jeanne ? Le rêve de Gaby s'est accompli et pourtant, l'amante est rattrapée par la Mère. Comment expliquer la dépression qui s'insinue dans ses entrailles, et la prévenance de Constance auprès de Raphaël ? Qui de l'artiste ou de l'amant possède Gabrielle ? Le Secret de Jeanne fait suite au roman Le Goût du gâteau basque mais peut être lu indépendamment.
10/2020
Littérature française
Le testament amoureux
La réédition de l'autobiographie d'un grand écrivain et artiste, passionnément amoureux " Les images de notre mémoire ont besoin de soin et d'entretien. Voilà l'histoire de ma première vie, elle recouvre un demi-siècle, elle va de la Perse des mages à nos temps modernes, en passant par la Russie des tsars bouleversée par la Révolution ; du Téhéran des années 30 - où je suis né - au massif des Maures où j'ai vécu avec la femme de ma vie. Pour écrire mon histoire, puis "notre histoire', il m'a fallu y inclure tous ceux qui m'ont fait et les mettre dans leur exacte lumière. J'ai cherché à m'y ressembler, à découvrir ma cohérence à travers mes multiples métamorphoses. " Serge Rezvani Autobiographie magnifique d'un grand écrivain et artiste, Le testament amoureux est une déclaration d'amour comme on n'en fait plus. Serge Rezvani y raconte son enfance, la rencontre avec Lula - l'amour de sa vie -, sa passion pour la peinture, son entrée en littérature, ses amis, parmi lesquels Jeanne Moreau qui viendra s'installer près de chez lui, son combat pour l'Iran et les prisonniers politiques... De ce chant magique écrit en 1981 émerge aussi une longue et dense méditation sur la création, les nuits d'insomnie, notre monde, nos amitiés, nos fragilités, nos angoisses et notre fureur de vivre.
09/2022
Psychologie, psychanalyse
Ils ont fait de leur vie un chef-d'oeuvre. Rimbaud, Marie Curie, Einstein, Chanel, Mozart, Steve Jobs, Camille Claudel, Sartre... et vous
Ils ont fait de leur vie un chef-d'oeuvre Que nous racontent les vies de Marie Curie, Rimbaud, Steve Jobs, Einstein, Sartre ou Chanel ? Scientifique, artiste, entrepreneur, chacun s'est extrait du monde ordinaire pour produire une oeuvre originale. Il ne s'agit pas d'imiter par soif de célébrité ces géniaux personnages, mais de saisir les ressorts de la créativité pour faire chuter nos oeillères, nous détacher d'une existence subie. Loin d'être un glorieux trophée, le chef-d'oeuvre est un réceptacle qui donne forme à l'intime oublié en chacun de nous, à notre vérité. La création ne se réduit pas à une technique, elle accompagne et marque un parcours de vie. Sans garantir le bonheur, la réalisation d'un tel objectif épargne bien des regrets à l'heure du bilan. Les créateurs ont connu dans l'enfance un malheur, un abandon, une perte. Souvent le père fut absent ou défaillant. L'artiste se distingue des autres créateurs par sa capacité à saisir les énigmes de l'être humain à partir de sa propre expérience et à transformer cet acquis en une force motrice au service de ses productions. Cet ouvrage propose un chemin de création, éclairé par les courses d'illustres créateurs, et vous invite à l'emprunter pour réinventer votre vie.
01/2021
Monographies
Kinson
Franciscus Kinsoen (alias François Kinson) (1770-1839), élève accompli de l'Académie de Bruges et portraitiste prometteur, se rendit vers 1795 à Paris pour tenter sa chance en tant que jeune artiste dans l'ombre des plus grands maîtres néoclassiques français. Une rencontre fortuite avec l'influente Madame Campan fut le début inattendu d'une brillante carrière, grâce à une présentation très remarquée à de nombreux membres et intimes du clan Bonaparte et qui culmina avec sa nomination comme peintre de la cour de Jérôme Bonaparte en Westphalie en 1809. Après 1815, Kinson trouva rapidement la faveur de la nouvelle dynastie des Bourbons, ce qui lui permet de compter le duc d'Angoulême et la duchesse de Berry parmi ses admirateurs. Parallèlement, la noblesse internationale et les citoyens fortunés faisaient partie de sa clientèle régulière. Avec son art du portrait raffiné, gracieux et brillant, il est resté l'artiste préféré du beau monde parisien, jusqu'à ce que son style devienne la cible de certains critiques d'art établis, à tel point que ceux-ci réussirent à bannir son oeuvre et son nom de l'histoire de l'art. Récemment, la beauté de ses portraits a été redécouverte et des tableaux qui restaient longtemps cachés ont soudainement réapparu dans des salles de vente et des expositions. Le présent ouvrage tente de sauver Kinson de l'oubli.
01/2023
Photographes
Leçon de photo intégrale
" Photographier avec gentillesse, regarder avec gentillesse, éclairer avec gentillesse..." Dans ces entretiens, traduits pour la première fois du japonais, Araki commente une à une 336 photographies couvrant son oeuvre depuis ses débuts en 1963. Le plus célèbre des photographes japonais contemporains raconte sa conception de son travail et ses nombreuses influences, d'Eugène Atget à Yousuf Karsh ou Ken Domon. Pour Araki, "vivre, c'est photographier". Il revendique la notion d'autofiction photographique et documente son existence dans ses aspects les plus intimes tels que son voyage de noces ou la mort prématurée de sa femme. Celui pour qui le "documentaire est une suite de regards posés" révèle qu'il "existe toujours un lien affectif" avec son sujet. "Prendre des photos, c'est un face-à-face". A travers une série d'anecdotes, l'artiste se souvient avec une précision remarquable des circonstances entourant la prise de ses photos. Inventeur du mot "Erotos", il confie que la rencontre d'Eros et Thanatos a été toute sa vie au centre de ses préoccupations, et ce, depuis ses jeux d'enfants dans le cimetière des prostituées de Yoshiwara. Leçon de photo intégrale s'articule en trois parties : un passage en revue par l'artiste de sa carrière jusqu'en 2006, un entretien avec le critique Susumu Watada et un autocommentaire détaillé d'une vingtaine d'ouvrages publiés après 2006.
12/2022
Critique
Hermann Hesse, écrivain et peintre. L'art du paysage et des jardins, Textes en français et en allemand
Le dialogue infini avec les formes et les couleurs, les sons et les senteurs est une marque intangible de l'artiste Hermann Hesse qui, au cours de sa vie, a pu dévoiler ses multiples talents en matière littéraire, picturale et de création paysagère. Ce volume ouvre des perspectives nouvelles sur ces domaines rarement rapprochés dans une étude académique. Parmi les aspects novateurs, celui des jardins en constitue le point central. Le dialogue infini avec les formes et les couleurs, les sons et les senteurs est une marque intangible de l'artiste Hermann Hesse qui, au cours de sa vie, a pu dévoiler ses multiples talents en matière littéraire, picturale et de création paysagère. Ce volume ouvre des perspectives nouvelles sur ces domaines rarement rapprochés dans une étude académique. Parmi les aspects novateurs, celui des jardins en constitue le point central. Der unendliche Dialog mit Formen und Farben, Klängen und Düften ist ein unverwechselbares Kennzeichen des Künstlers Hermann Hesse, der im Laufe seines Lebens seine vielfältigen Talente in Literatur, Malerei und Landschaftsgestaltung entfalten konnte. Dieser Band eröffnet neue Perspektiven auf diese Bereiche, die bisher selten in einer wissenschaftlichen Studie zusammengeführt wurden. Unter den innovativen Aspekten bilden die Gärten, sowohl in der konkreten Praxis des Künstlers, der sie konzipiert und pflegt, als auch aus literarischer und bildlicher Perspektive, den zentralen Punkt.
07/2022
Beaux arts
Marc Chagall, 1887-1985. Le peintre-poète
Pour l'artiste biélorusse Marc Chagall (1887-1985), la peinture formait une trame complexe, tissée de rêves, de contes et de traditions. Son langage visuel, immédiatement reconnaissable, s'est forgé une place unique au début du XXe siècle et est souvent reconnu comme précurseur en matière d'expression de la vie psychique. Dans les toiles de Chagall, le pinceau se pose en touches libres, les couleurs, dont le bleu qu'il affectionne particulièrement, sont profondes et l'on remarque tout un répertoire de figures récurrentes tels que musiciens, coqs, toits, fleurs et amoureux en suspension dans le ciel. Ses compositions au charme éthéré sont souvent complexes, riches en références. Elles mêlent non seulement les couleurs et les formes, mais évoquent aussi ses racines juives et ses rencontres faites à Paris, de même que sa foi, révélée à travers des gestes d'amour et des symboles d'espoir, fait écho aux signes de traumatisme. Cette introduction de référence à l'artiste explore les multiples formes que prend le vocabulaire perfectionné de Chagall. Entre les scènes de naissance, d'amour, de mariage et de mort, depuis les représentations de la Tour Eiffel jusqu'à celles de Vitebsk, sa ville natale, cet ouvrage rend hommage à un style unique, aussi gracieux à l'oeil qu'enchanteur pour l'imagination.
08/2016
Essais biographiques
Artemisia
Voilà ce qu'on appelle un destin. Et qui pouvait mieux que Katherine L. Battaiellie, avec son art d'écrire si singulier et si subtil, en restituer la couleur et le mouvement, de l'intérieur, par la voix même d'Artemisia Gentileschi ? En quelques chapitres, comme autant de tableaux, une vie se donne à voir et se dévoile : celle d'une femme, indépendante et courageuse, incontestablement douée ; une peintre à part entière, vivant de son travail, d'un talent reconnu par ses pairs, et signant une oeuvre que l'on doit affilier à l'école du Caravage. Une carrière d'artiste d'exception, qui conduira Artemisia Gentileschi auprès des plus grandes cours : Rome, Florence, Naples, Venise et Londres. Mais une vie faite également d'ombres et de lumières, et d'un drame, lorsque la jeune Artemisia sera victime d'un viol par le professeur que son propre père lui avait choisi. Une vie constituée d'ombres et de lumières, de doutes et de passions, à la manière de ses plus grands tableaux ; une trajectoire phénoménale qui permettra à cette artiste d'inscrire son nom, en ce XVIIe siècle, dans l'histoire de la peinture italienne, à l'instar d'autres femmes peintres comme Fede Galizia ou Lavinia Fontana. Et bien plus encore : d'inscrire le nom d'une femme dans la grande histoire de l'art pictural occidental.
05/2023
Instruments de musique
Musical Postcards for Alto Saxophone. 10 pieces in 10 styles from around the world. alto saxophone.
From Rio to Red Square, Mike Mower's Musical Postcards features ten captivating pieces in different musical styles from around the world. Experience the thrill of Puerto Rican salsa, the magic of an Irish reel, the romance of French café music, and much more ... Available in editions for alto saxophone, flute, clarinet, trumpet and violin, each book contains melody lines with chord symbols to aid improvisation. Every piece is brought to life with a postcard of essential background information and playing tips. A book of keyboard accompaniments is available separately. Spectacular and authentic audio performances and backing tracks of every piece played by bands and musicians from all ten countries are available online. A professional musician for 40 years, Mike Mower has played in orchestras, big bands, chamber ensembles, shows, jazz bands, and recording sessions around the world in classical, jazz, Latin, and rock styles on flutes, saxophones, and clarinets. He has written concertos for international solo artists and orchestras and concert music for ensembles of all sizes - in addition to composing, arranging, and producing TV themes and commercial music albums. His fun but challenging educational music has been enjoyed by a generation of younger players. The Musical Postcards and Junior Musical Postcards series (with accompaniment by some international recording artists too famous to mention ! ) celebrates authentic music genres from all over the globe. Instrumentation : alto saxophone
09/2023
Art contemporain
Barthélémy Toguo. Kingdom of Faith, Edition bilingue français-anglais
Barthélémy Toguo, né en 1967 au Cameroun, vit et travaille aujourd'hui entre Paris et Bandjoun au Cameroun. Il commence ses études à l'école des beaux-arts d'Abidjan en Côte d'Ivoire. Son apprentissage artistique débute avec la réalisation de copies des sculptures classiques européennes, jusqu'à ce que sa participation à un atelier de sculpture du bois en 1992 lui permette de modifier radicalement son travail. Il décide alors de poursuivre ses études en France, afin de connaître un autre type d'enseignement, et d'être plus libre dans ses recherches personnelles. Il suit les cours de l'école supérieure d'art de Grenoble et s'inscrit ensuite dans l'atelier de Klaus Rinke à la Kunstakademie de Düsseldorf. L'artiste commence à utiliser l'aquarelle en 1998 ; ce travail, naissant de ses multiples voyages et expériences, crée ainsi une sorte de journal de bord, de carnet de voyage. Il en réalise plusieurs séries Le travail de Barthélémy Toguo possède aussi une dimension politique. Il s'intéresse aux flux, de marchandises mais aussi d'êtres humains, ainsi qu'à ceux qui régulent ces flux. Barthélémy Toguo s'intéresse également à la présence de l'art en Afrique, et en particulier au Cameroun. Récemment, l'artiste s'est tourné vers le domaine du théâtre et de la mise en scène de l'espace.
10/2021
Art du XXe siècle
Fernand Léger. Catalogue du Musée Soulages de Rodez
Tout au long de sa carrière, Fernand Léger (1881-1955) n'a eu de cesse de clamer la vie, d'en révéler les beautés et de vouloir lui consacrer le meilleur de son art. Cette mission que l'artiste assigne à sa pratique se déploie dans un usage franc de la couleur et des formes - aussi vives que contrastées -, mais également à travers les sujets des oeuvres en eux-mêmes, que Léger choisit prioritairement dans le contexte de l'existence quotidienne. Ainsi, le milieu urbain devient, dès ses débuts, le terrain de jeu de ses explorations formelles. Paris lui inspire nombre d'oeuvres cubistes et il découvre avec admiration toute la puissance plastique de la ville de New York. Dans le travail des ouvriers, les machines et les échafaudages, Léger entrevoit l'émergence d'un monde nouveau, d'une modernité en construction. Enfin, le temps des loisirs, qui connaît une avancée significative avec la généralisation des congés payés en 1936, donne lieu à des tableaux virtuoses dans lesquels plongeurs, cyclistes et baigneurs s'épanouissent. La frontalité affichée des personnages peints, le vis-à-vis direct des objets, le parti pris si résolu de l'artiste de tenir à distance ses sujets ne dissimulent pas sa réelle propension à se saisir des choses de la vie, à les empoigner, à les prendre à bras-le-corps.
06/2022
Littérature française
Marie Donadieu
Comme tout grand artiste, celui-là était mystérieux. Il semble que ce soit leur destin de n'avoir pas l'esprit philosophique et que chacune de leurs phrases pose une fois de plus ou résolve pour ceux qui l'ont, les plus redoutables problèmes de notre étranger destin. Et pourquoi ce pauvre homme contrefait portait-il en lui cette ardeur merveilleuse et pourquoi lui qui passa sa courte vie à épier l'âme végétative d'un vieux paysan, l'éveil d'une petite fille, à prétendre qu'il y a des putains et des bandits qui souffrent d'autre chose que de la faim, à recueillir des larmes que personne ne voit couler, était-il d'une gaieté si jeune ? Pourquoi ce pauvre homme avait-il des gestes fastueux ? Pourquoi cet amoureux des nuances presque éteintes du drame sentimental mettait-il l'art de Michel-Ange au-dessus de tous les autres ? J'ai cru avant de le connaître, je crois toujours après l'avoir aimé, que sa puissance jaillissait du conflit qui se dressa entre le souvenir d'une enfance martyre, la conscience de sa difformité, la pudeur de sa misère et la passion qui portait son cœur magnifique vers la femme et l'espoir de royauté intellectuelle que la voix de l'orgueil intime sans lesquels il n'est pas de haut artiste lui ouvrait.
Elie Faure.
01/1998
Beaux arts
David, la politique et la révolution
Les recherches menées par Antoine Schnapper sur David et la politique ont marqué les études historiques comme l'histoire de l'art de la fin du XXe siècle. Le moment était venu de les revisiter. Au coeur de ces travaux, les contributions au catalogue de l'exposition "David" de 1989 et trois études brèves, mais percutantes, qui balisent les segments capitaux de la vie de l'artiste : l'Ancien Régime, la Révolution, l'Empire. Les analyses d'Antoine Schnapper encadrent et illustrent un moment essentiel de l'histoire de l'art. Au tournant des années 1980, l'analyse formaliste qui dominait les études sur l'art "néoclassique" cède le pas devant un regain d'intérêt pour le contexte historico-politique, et pour la traduction visuelle d'un message politique. David était le personnage idéal à étudier selon cette nouvelle perspective : grand peintre, chef d'école, c'est un des fondateurs de la modernité, qui pense la peinture comme un outil politique au service du peuple. A ses yeux, l'artiste doit mettre en forme l'imaginaire collectif avec les moyens qui lui sont propres. Dès l'époque des Lumières, il s'emploie à la représentation d'idéaux majeurs, qu'il n'aura de cesse, après la Révolution, de mettre en oeuvre, non seulement par son art, mais par son engagement politique.
11/2013
Décoration
Stories and Reflections
Eminent tastemaker Axel Vervoordt recounts the pivotal moments in his life that formed the foundation of his guiding philosophy and signature aesthetic. Axel Vervoordt is one of the world's foremost tastemakers. Revered for his discerning eye in art and interior design through a career that has spanned more than fifty years, he is renowned for his captivating minimalist interiors. An iconic figure at the most prominent international art fairs and exhibitions, he incarnates a singular philosophy for how to live with style. In Stories and Reflections, Vervoordt recounts stories about the people who have influenced him most throughout his life - his family, friends, artists, colleagues, clients, and unforgettable mentors - in this memoir that is personal, funny, insightful, and permeated with humility, wisdom, and lessons learned. He reflects on the key moments in his life from childhood to the present - Rudolf Nureyev's visit to the Vervoordt's new castle, his youthful acquisition of a Magritte, discovering Japanese Gutai art, his legendary Venice exhibitions, and insights gained from artists such as Cy Twombly, Anish Kapoor, and musician Mstislav Rostropovich. He details his greatest successes, as well as his personal regrets, while offering first-hand insight into the work that has forged his reputation. A larger-than-life and inspiring man, this book offers snapshots from his life, which paint an overall portrait of his guiding philosophy.
12/2017
Beaux arts
L'art/L'absolu
Un vécu ancestral, unissant peur et volupté, constitue l'arrière-fond spirituel de la crise liée au covid... C'est encore et toujours la même religiosité qui circule, l'expérience de l'Absolu Transcendant. La poésie permet de sentir ce qui est au-delà du sensible et de l'insensible, invisible, infiniment subtil, aérien, presque éthérique, saisissable et insaisissable, au-delà de l'être et du néant, étrange et inquiétant comme la mort. L'acte créateur souille comme le fait de toucher un cadavre, un accouchement plus ou moins douloureux où la nature se fait artiste. On a pu dire que l'Art remplissait le vide laissé par la disparition du christianisme dans l'hyper modernité consommatrice. Il s'agit plutôt d'un recentrage de l'histoire du monde qui semblait tourner depuis le XIXe siècle autour du modèle occidental. L'Orient et l'Extrême Orient retrouvent au XXIe siècle toute leur importance, pour un regard universaliste et libéré. Le Surréel dont l'art du XXe siècle a pu être une approche, est le gouffre, l'abîme qui dépasse toute détermination : le Surréel est l'hyper Réel, le Vrai Elle, les flots de l'amour qui submergent l'artiste en train de créer. Il correspond au vide de la Liberté où miroite la totalité de ce qui est possible et de ce qui est impossible, l'Absolu manifesté et caché.
12/2020
Beaux arts
Buren. Edition revue et augmentée
Daniel Buren est certainement l'artiste français le plus connu grâce aux fameuses colonnes éponymes du Palais Royal. Il est l'artiste invité au Grand Palais pour la prochaine manifestation " Monumenta " qui débute le 9 mai 2012. A cette occasion la monographie publiée en 2001 de Guy Lelong se voit mise à jour, augmentée de 40 pages avec un changement de format et de maquette. L'épilogue ajouté à cette réédition présente, parmi les œuvres que Daniel Buren a réalisées au cours de la dernière décennie, celles dont la dimension est à l'échelle des architectures qu'elles investissent. Car la dimension de plus en plus architecturale du travail de Daniel Buren est l'un des traits marquants de son évolution actuelle. Ce nouveau chapitre s'organise autour de cinq grandes expositions : Le Musée qui n'existait pas (Centre Pompidou, 2002), The Eye of the Storm ou L'œil du cyclone (Guggenheim Museum, New York, 2005), Plus grand ou plus petit que ? (Château de Tours, 2005), La Coupure (musée Picasso, 2008) et la Monumenta de 2012. Ces grands dispositifs se caractérisent aussi par les montages de jeux visuels qu'ils proposent, consistant à diffuser la couleur dans l'espace par projections et reflets. Une partie conclusive place la démarche générale de Daniel Buren dans une perspective artistique plus large, au-delà des seuls arts visuels.
06/2012
Littérature étrangère
Via Gemito
A la mort de son père Federi, le narrateur entreprend de retracer la vie de cet homme fantasque et impulsif, cheminot le jour, artiste peintre le soir, faisant progressivement émerger le portrait en clair-obscur d'un personnage à la fois effrayant et fascinant, excessif et passionné, dans la Naples des années cinquante. Son fils aîné rend un hommage ambivalent à cette figure paternelle omniprésente dans le récit comme elle le fut dans la famille, tout entière soumise à son bon vouloir et à ses caprices. Violent, mégalomane et paranoïaque, Federi est un artiste illuminé, dévoré par la flamme de son art, auquel il soumet tout le reste - sa vie, mais aussi celle de sa famille, écrasée par sa volonté tyrannique. La belle Rusinè, sa femme, volubile et charmante, et à qui Federi ne cesse de reprocher sa séduction, en est la première victime. Par touches et retouches successives des différentes strates de souvenirs qui affleurent à sa mémoire, le narrateur ouvre une à une les fenêtres de son passé, de cet appartement de la via Gemito où il vécut entouré d'une famille nombreuse et haute en couleur, et revit ainsi son enfance marquée par l'inquiétude, le respect et la terreur que lui inspira Federi. Un requiem baroque, imprégné de la verdeur du dialecte napolitain, pour un père qui refuse de mourir tout à fait.
02/2004
Photographie
Mémoire des lettres
Au lendemain de la deuxième Intifada, laissant loin derrière lui le tumulte de la guerre, Didier Ben Loulou s'est livré à un nouveau travail photographique dans de vieux cimetières juifs des environs de Jérusalem et en Galilée. Sur ces collines arides, des stèles oubliées, des fragments de textes ou des livres abandonnés sont autant d'indices à déchiffrer, autant de signes invitant à réfléchir sur toute vie appelée à disparaître. Cette mémoire des lettres - multiséculaire - a nourri l'imaginaire de l'artiste. Ici, la lettre hébraïque entretient depuis la nuit des temps une relation silencieuse avec le désert de Judée. Arpentant les lieux où vécurent les prophètes de la Bible, Didier Ben Loulou a réalisé un ensemble de photographies magistrales ; empreintes de poésie et de patience, elles tentent de nous donner à voir l'invisible. Cet ouvrage est l'aboutissement d'un travail sur la lettre hébraïque que Didier Ben Loulou réalise depuis plus d'une décennie en photographiant essentiellement de vieux cimetières juifs de Galilée et de Jérusalem. Deux textes - La Grande Patience de Catherine Chalier et Rumeur de pierres de Betty Rojtman - accompagnent les images. Ce travail, qui s'apparente à une quête, est celui d'un artiste volontairement engagé dans des thèmes se rapportant à la culture juive, mais aussi à des questions plus universelles comme celles du portrait, du visage, de l'errance.
05/2012
Littérature française
La souffrance des mots. Tome 1, Des mots pour des maux
Sissi a 17 ans. C'est une jeune artiste avec une voix magnifique, qui a eu un passé douloureux. Elle ne le sait pas encore, mais elle aura un avenir brillant. Un soir, dans sa ville natale, John Pecci, un producteur de 27 ans, lui-même chanteur et compositeur, lui fait une proposition qui va bouleverser sa vie. Sa souffrance est palpable. Sissi quitte alors sa petite ville avec l'accord de sa mère et part ainsi s'installer avec John, chez lui, à Edmonton, en étant désormais sous sa responsabilité. Elle possède un carnet rouille pailleté, précieux à ses yeux, qu'elle ne quitte jamais et dans lequel elle écrit la souffrance de ses maux. John voudrait connaître un peu plus Sissi, percer son mystère et il essaiera d'ailleurs d'obtenir sa confiance, cependant, elle se gardera bien de dévoiler ses émotions. Beaucoup de querelles et d'incompréhensions émailleront de leur collaboration. Au fil du temps, John et elle créeront une solide amitié, Sissi n'en ayant jamais eu auparavant. Et malgré elle, elle se rapprochera de lui. Maceo, un autre artiste que John n'apprécie pas du tout, interviendra à un moment précis de sa vie. Pendant son séjour auprès de John, Sissi fera une découverte surprenante. Aurait-il, lui aussi, des secrets qu'il cache ?
01/2021
Littérature française
L'improbable Ulysse Tome 2 : Les femmes
Ulysse a disparu ! L'enquête se poursuit et la liste de personnes dites dignes d'intérêt pour la police s'allonge, les femmes y tenant une place dominante. L'artiste a-t-il été la victime d'une amante évincée, d'un mari jaloux, de sa propre femme, ou a-t-il décidé de se faire la belle pour échapper à une vie qu'il ne contrôle plus ? S'est-il suicidé ? Ulysse est un peintre de renom international dont la vie est gérée par sa femme et ses maîtresses. Il n'a pas plus cherché le succès en tant qu'artiste que ses succès amoureux. Les conquêtes viennent des femmes, lui n'est que le conquis - satisfait mais sans contrôle. William Bocq entraîne le lecteur sur un rythme léger, sexy et amusant dans la vie du héros, dans ses rencontres et ses aventures, qui pousse à tourner la page et, finalement, à regretter d'avoir atteint la dernière. Né en France, William Bocq vit à New York, il est titulaire d'un MBA en finance et économie de Fordham University. Le livre a été écrit au gré des aéroports et des attentes de vols en retard, de correspondances manquées, et de soirées solitaires loin de chez lui. William Bocq raconte une histoire ; il écrit comme il lit, laissant les héros le guider d'une aventure à une autre.
04/2018
Cinéastes, réalisateurs
Pasolini par Pasolini
En 1968, alors que Pasolini terminait le tournage de Theorème, le journaliste Jon Halliday (alias Oswald Stack) interviewe pendant plusieurs semaines le cinéaste et poète pour qu'il approfondisse avec lui une sorte d'autoportrait personnel et intellectuel, et analyse en profondeur sa carrière littéraire et cinématographique et ses positions politiques. Un document exceptionnel sur l'artiste et l'homme. Pasolini est à un tournant capital de son oeuvre et de sa vie. Sans avoir encore rencontré un très large public (que ses derniers films lui donneront), il est considéré, aux yeux du monde entier comme une figure majeure du cinéma, de la poésie, du roman et de la vie politique italienne, en tant qu'artiste novateur et observateur unique de l'Italie d'après-guerre. Source d'informations irremplaçables, notamment sur son enfance et sur la genèse de tous ses films, cet entretien n'a jamais été traduit, après sa double publication simultanée, en anglais et en italien. Une publication posthume en Italie (1992) ajouta des éléments concernant les films successifs, et notamment un entretien sur les Contes de Canterbury. Le traducteur ajoute un long chapitre en forme de postface qui rend compte des six dernières années de Pasolini, de ses films ultérieurs, de sa mort. De nombreux photogrammes, photos de plateau et photos d'archives illustrent la conversation.
03/2022
Ecrits sur l'art
Le voyage immobile
La peinture d'André Boubounelle se caractérise par un style discret, élégant, profond. Quel que soit le lieu représenté - paysage de France, d'Italie ou des Etats-Unis, ville ou campagne, mer ou montagne -, le spectateur y reconnaît ce style caractéristique que manifeste la soixantaine d'oeuvres reproduites dans ce livre : un amour de la matière même du tableau, travaillée avec un savoir-faire dont peu de peintres sont encore dépositaires. Ou bien la recherche d'une harmonie picturale passant par un jeu entre le figuré et l'abstrait, et par une unité chromatique dominante qui prête aux tableaux une lumière tamisée. Le voyage immobile interroge cette harmonie et le processus créatif qui la fait naître. L'artiste livre, dans un entretien où transparaît son amour de l'art et son souci de le rendre compréhensible pour tous, un témoignage touchant sur son métier. Ce commentaire, lu au miroir de ses oeuvres, sera une précieuse leçon de peinture, tant pour le futur artiste que pour les curieux qui veulent savoir ce qu'est l'art vivant et actuel, par delà les confusions des discours à la mode sur l'art contemporain. Mais cette leçon est simple, et invite avant tout à libérer le regard que nous portons sur les tableaux, pour nous rendre plus capables de nous en nourrir.
03/2022
Design
Maurice Calka. Le sculpteur du design
La première monographie sur l'artiste multi-disciplinaire qui se cache derrière le bureau " boomerang ", icône du design pop. De Maurice Calka, les amateurs de design connaissent le bureau aux rondeurs colorées, sorti en 1969. Mais la plupart ignorent l'étendue et la variété du travail de cet artiste inclassable, Premier Grand Prix de Rome de sculpture 1950. Designer et sculpteur, donc, mais aussi dessinateur, architecte et urbaniste, Maurice Calka est l'inventeur d'un art pour tous. Dans la France des années 1950 à 1990, cet éternel optimiste a cherché à embellir autant les intérieurs que les places publiques en inventant ses propres techniques. Avec le même enthousiasme, il a tapissé murs et sols des palais officiels ou des cités de banlieue de ses mosaïques colorées, expérimenté le béton moulé, osé l'inox soudé. Il a posé des sculptures dans des églises, égayé le périph' parisien de papillons géants, décoré mairies et centres commerciaux. Maurice Calka, c'est aussi un projet de pont habité et même une Renault 5 cabriolet. Son travail l'a mené de Paris à Addis Abeba, de Vélizy à La Réunion. Le découvrir, c'est se plonger dans la vie artistique française de la seconde moitié du XXe siècle, ses grands projets, ses débats passionnés sur la place de l'art dans la ville, son utopie du beau pour tous.
10/2022
Livres 0-3 ans
Baïka n°Ukraine
Dans ce numéro, le magazine Baïka emmène les enfants à la rencontre de la culture ukrainienne, en compagnie de deux enfants du pays : Carolina et Stas. De la discipline des danseuses du ballet national aux couleurs de l'artiste Maria Prymachenko, de la tradition des oeufs de Pâques à la prononciation de l'alphabet cyrillique, du lynx des Carpates au petit héros favori des contes populaires ukrainiens, voici un guide culturel entièrement consacré à l'Ukraine et à la richesse de sa culture. 48 pages d'articles, histoires, reportages, interviews, jeux et bandes dessinées pour explorer la culture ukrainienne à hauteur d'enfant. Au sommaire : Conte : Les aventures de Kotygorochko, avec de superbes illustrations originales de Frances Murphy. Recette de cuisine : Les varenyky Rencontre avec les jeunes Carolina et Stas, venus d'Odesa Métier : Anna, danseuse de ballet pour le ballet national ukrainien Art : Les couleurs de Maria Prymachenko, artiste-peintre de Bolotnia Livres : Courrier de nos lecteurs chroniqueurs et choix de la rédaction Blagues du monde (en version originale et en français) BD : Les Krobs de Lola Oberson Dans le numéro Ukraine, les illustrations ont été réalisées par Huayi Jiang, Lola Oberson et Frances Murphy. Un numéro publié avec le soutien du Centre national du livre et l'aide précieuse de Ganna Fabre (Volka Literary Agency), de l'association Passerelle, et de la Maria Prymachenko Family Foundation.
03/2023
Aquarelle
Ma méthode d'aquarelle. jusqu'au bout du pinceau
En parallèle de ses activités d'artiste peintre et d'animatrice d'ateliers de peinture, Pétra Wauters se consacre au journalisme culturel depuis plus de trente ans dans le domaine des arts et du spectacle. Elle a travaillé pour différents journaux français et étrangers. Depuis 2004, elle poursuit ses deux passions, la peinture et récriture, et expose régulièrement. Aqua signifie a "l'eau", et c'est ainsi que les pigments de peinture déposés commencent à vivre sur une feuille blanche. A l'aquarelle, on applique des couleurs, mais avant tout, on mouille le papier Et quel plaisir de voir deux couleurs se rencontrer, se diriger l'une vers l'autre, fusionner. Pour traiter de toute la subtilité de l'aquarelle, l'autrice vous accompagne pour découvrir : Le jeu du mélange des couleurs : comment les associer, les juxtaposer, jouer avec le blanc et le noir, composer sa palette personnelle. Les différents procédés à expérimenter : humide sur mouillé, sur papier sec, glacis ou lavis. Des exemples d'oeuvres expliquées étape par étape pour peindre des paysages et des scènes variés de l'esquisse à la touche finale. Parmi elles, on trouve quelques sujets de prédilection : des marines, des fleurs, des paysages. Entre ciel, terre et mer, ils s'offrent au regard dans des jeux de lumières et des ambiances que l'artiste affectionne.
06/2021
BD tout public
La crâne rouge
En 2009, Frémok a publié l'ouvrage collectif match de catch à Vielsam, témoin d'une première résidence de duos artistiques (artiste handicapé mental et artiste issu du Frémok). Véritable OVNI (objet visuel non identifié), l'exposition éponyme aura marqué les esprits - entre autres, lors du festival d'Angoulême en 2010. Suite à ce qui est reconnu par tous comme un succès tant du point de vue artistique que de l'écho rencontré, le Frémok et la " S " Grand Atelier ont décidé de poursuivre l'expérience, et dont La crâne rouge est l'un des résultats. La crâne rouge, c'est la rencontre improbable de la poésie exquise d'un héritier de la beat generation et de la force brute d'une douairière en proie à d'effroyables visions. Des personnages effrayés-effrayants crient depuis les profondeurs, ils sont nés de la main de Nicole Claude, quand DoubleBob lui répond en douceur. Les sourdes jouent à saute-mouton, les visages hurlants s'apaisent par la venue d'un animal de compagnie énigmatique, les maisons ont des escaliers qui ne mènent nulle part. Un récit se construit à partir d'un dialogue graphique. La force du trait au bic bleu fait la noce avec la finesse du critérium, le papier carbone imprime leur union. Le soleil a coudoyé la lune, une étoile monstrueusement belle est née.
04/2012
Généralités
Au coeur des empires. Destins individuels et logiques impériales, XVIe-XXIe siècle
Que partagent une femme d'origine philippine devenue propriétaire de palmeraies à Colima (Mexique) au XVIIe ? siècle, un colon s'installant dans l'arrière-pays algérois au mitan du XIXe ? siècle et une artiste dont la carrière est marquée par les vicissitudes de l'Union soviétique ? ... Que partagent une femme d'origine philippine devenue propriétaire de palmeraies à Colima (Mexique) au XVIIe ? siècle, un colon s'installant dans l'arrière-pays algérois au mitan du XIXe ? siècle et une artiste dont la carrière est marquée par les vicissitudes de l'Union soviétique ? L'expérience d'une impérialité banale et quotidienne. Dans le sillage d'une histoire attentive aux trajectoires individuelles et aux corps, mais aussi aux imbrications des échelles, ce livre a pris forme autour de quatorze portraits d'hommes et de femmes qui ont été enserrés dans le tissu complexe d'un empire. Chacune de ces personnes a appris à manoeuvrer au sein d'un enchâssement de réseaux de sociabilité et de pouvoir. Une correspondance, un testament, un rapport administratif, les pièces d'un procès ont été autant de fenêtres ouvertes sur les manières d'évoluer dans ces systèmes hiérarchisés, aux rouages plus fragiles qu'il n'y paraît. Serviteurs ou entrepreneurs, ces hommes et ces femmes révèlent par leurs trajectoires toujours singulières les dynamiques comme les tensions qui traversent ces ensembles hétérogènes que sont les empires.
09/2023
Top Articles
Les ventes du livre de Meurice tombées dans l'oreille d'un Praud (assez anti...) “Désarroi et colère” : France Inter supprime La Librairie francophone En librairie : “Ne plus rien prendre pour faire vivoter les livres déjà là” La Librairie Francophone, c'est fini : "On est complètement sonné"
