Akira Kurosawa rétrospective

Le cinéma d'Akira Kurosawa : une oeuvre d'une rare violence, ne reculant pas devant la brutalité. Pour le comprendre, Alain Bonfand n'a pas hésité à transposer dans son écriture ce que ce cinéma comporte de folie. Le tissu même de son Livre communique au lecteur, en l'incarnant, la sauvagerie de la gestuelle et du montage de ce cinéaste. Que l'on soit ou non connaisseur de Kurosawa, le texte de Bonfand dégage une extraordinaire autorité. Le savoir n'est pas mis en avant pour lui-même, quoique une évidente familiarité avec la culture japonaise entre ici pour beaucoup dans le sentiment de justesse des analyses. Mais l'essentiel est une étonnante lecture en profondeur, qui fait vivre tout autrement ce cinéma qui n'a souvent été apprécié que pour les plus mauvaises raisons. La construction du livre est limpide. Chaque partie gravite autour d'un centre : la figure, le motif, le phénomène, l'immontrable, la théorie des genres, la magnifique intuition, surtout, de "ce qui aveugle". La guerre est associée au thème surprenant de la "maladie de la terre"; le kamikaze ("vent divin"), à la tuberculose, si importante chez Kurosawa ; l'aveuglement, à la mort et à l'impossible, bien sûr, mais aussi à cent motifs particuliers. Cette pratique à la fois soutenue et légère de l'analyse, ces démonstrations économiques et concrètes de ce que c'est qu'une mise en scène orientée par une puissance figurative libérée de la thématisation, proposent pour finir une thèse fondamentale : l'idée esthétique donne plus que le concept. Il est exceptionnel qu'une monographie d'auteur se situe à ce niveau de pensée, d'écriture et de charme. C'est une expérience emballante, qui donne la sensation d'être emporté "sur un balai de sorcière".

Akira Kurosawa a étudié les arts traditionnels japonais, notamment le théâtre nô au travers des traités de Zeami. Il conseillait d'ailleurs aux jeunes réalisateurs de lire ces ouvrages car, selon lui, le nô a une forme unique au monde et cela se ressentirait dans leurs films. Plus qu'une adaptation d'une pièce en théâtre nô (comme Ran), Tsubaki Sanjûrô est un exemple fascinant de la compréhension des éléments structurants de ce genre et de leur intégration en tant que fondements du film. Dans un premier temps, Thomas Lorin se plonge dans une exploration profonde de l'univers d'Akira Kurosawa, de son équipe technique, de ses thèmes récurrents afin de connaître son environnement et de comprendre sa maîtrise de la réalisation. Puis, il analyse précisément le rythme du montage et les caractéristiques musicales des trois séquences principales du film pour mettre en évidence ses éléments structurants et ses caractéristiques. Enfin, c'est en étudiant les traités de théâtre nô et d'autres arts traditionnels japonais qu'il établira le lien entre l'essence de cette forme théâtrale et celle de ce film, révélant ainsi comment le réalisateur comprend, intègre et adapte ces éléments venus du théâtre nô dans le but de trouver la beauté cinématographique, tout comme Zeami recherchait la fleur...

Yaïr Mozes, célèbre réalisateur israélien au crépuscule de sa vie, est convié à une rétrospective en son honneur à Saint-Jacques-de-Compostelle. Trois jours durant, en compagnie de Ruth, l'actrice aujourd'hui malade qui fut jadis sa muse et la cause de sa rupture avec son scénariste de toujours, le génial et ténébreux Saül Trigano, il revoit ses ouvres de jeunesse. L'épreuve est troublante pour le vieil homme qui croyait, jusqu'alors, avoir fait le deuil paisible de ses émotions. À mesure que les souvenirs affluent, au rythme des images qui se succèdent à l'écran, Mozes est forcé de reconsidérer toutes ses certitudes : sur sa propre existence, son art, son amitié pour Trigano, son amour inavoué pour Ruth. Au cour de ce voyage dans le passé, un énigmatique tableau, accroché au-dessus du lit que Mozes et Ruth partageront chastement lors de ce séjour en Espagne : une Charité romaine, où l'on voit une jeune femme allaiter un vieillard emprisonné. Pourquoi ce tableau bouleverse-t-il Mozes ? Et pourquoi l'actrice semble-t-elle s'obstiner, elle, à ne pas même le remarquer ? Qui écrit le scénario de nos existences ? Et si la vie n'est qu'un songe, peut-on in extremis en corriger les erreurs, les faux raccords, tel un film sur une table de montage ? Dans ce roman pétillant d'intelligence et d'une majestueuse mélancolie, l'un des plus grands écrivains israéliens scrute l'âme d'un homme qui se demande « comment ne pas renoncer au désir pendant le peu de temps qui nous reste ».

Yaïr Mozes, célèbre réalisateur israélien au crépuscule de sa vie, est convié à une rétrospective en son honneur à Saint-Jacques-de-Compostelle. En compagnie de Ruth, l'actrice qui fut jadis sa muse, il revoit ses oeuvres de jeunesse. L'épreuve est troublante pour le vieil homme qui croyait avoir fait le deuil paisible de ses émotions. Au coeur de ce voyage dans le passé, un énigmatique tableau, accroché au-dessus du lit que Mozes et Ruth partageront chastement : une Charité romaine, où l'on voit une jeune femme allaiter un vieillard emprisonné. Qui écrit le scénario de nos existences ? Et si la vie n'est qu'un songe, peut-on in extremis en corriger les faux raccords, tel un film sur une table de montage ? Dans ce roman pétillant d'intelligence, l'un des plus grands écrivains israéliens scrute l'âme d'un homme qui se demande "comment ne pas renoncer au désir pendant le peu de temps qui nous reste".

De passage à Barcelone pour la rétrospective que la Cinémathèque lui consacre, le réalisateur colombien Sergio Cabrera s'interroge : quel tour auraient pris sa carrière, ses mariages, ses relations familiales, sans l'influence de son père ? Ce père maoïste convaincu, qui emmena sa femme et leurs deux enfants vivre à Pékin pendant la Révolution culturelle puis qui les enrôla, au péril de leur vie, dans la guérilla colombienne. Adolescent, Sergio a été garde rouge, ouvrier en usine et a suivi l'entraînement militaire du Parti. Il a connu le Paris de 1968 et rencontré Louis Malle. De retour en Colombie, il a combattu dans la jungle au nom de la révolution. Avant de s'émanciper des valeurs paternelles. Entre les mains de Juan Gabriel Vásquez, cette existence hors du commun se meut en un roman haletant qui mêle avec talent l'intime et la grande marche de l'Histoire. Une aventure personnelle fascinante, symbole d'un courant de pensée qui façonna des générations entières à travers le monde.

Ce sixième et dernier chapitre de la série Akira marque l'apothéose du combat opposant Kaneda, Kei et leurs amis au terrible Tetsuo qui n'a plus rien d'humain. Ce sont d'abord les sbires de Tetsuo qui font les frais de la puissance devenue incontrôlable de leur maître, avant que ce dernier ne s'en prenne aux forces armées américaines et aux scientifiques chargés de l'éliminer. Les questionnements philosophiques sur la vie, la mort, l'humanité et l'amitié nourrissent ce tome final duquel l'espoir n'est pas non plus totalement absent.

Enfin, la version Ultime En 2019, trente-huit ans après la Troisième Guerre mondiale, Néo-Tokyo arrive au terme de sa reconstruction. Dans cette ville sans âme errent Kaneda et sa bande. Des jeunes désoeuvrés, élèves d'un centre d'apprentissage professionnel, qui n'ont que leur moto et leurs virées nocturnes pour seule échappatoire à l'ennui du quotidien. Mais une nuit, ils trouvent sur leur route un être des plus étranges, un enfant au visage de vieillard, avec un numéro tatoué sur la main : le numéro 26. En tentant de l'éviter, Tetsuo chute à moto et se blesse grièvement. Il se réveille dans un hôpital de l'armée avec des pouvoirs surnaturels qu'il lui faut désormais apprendre à contrôler. De retour parmi ses amis, il se rebelle contre l'autorité de Kaneda et finit par quitter le groupe... Cette version pilotée depuis le Japon par Otomo lui-même est la version définitive permettant de découvrir Akira dans une forme fidèle. Nouvelle traduction, onomatopées sous-titrées, sens de lecture japonais, jaquette originale... Akira se propose à vous en 6 volumes, noir et blanc, de toute beauté.

Né en 1938 près de Dresde et passé de l'Allemagne de l'Est à Berlin-Ouest durant ses études d'art, Georg Baselitz devient dans les années 1980 une grande figure de la scène artistique internationale. Réfutant dès ses débuts tout dogme artistique, il met en scène une iconographie sombre et hybride, inspirée de figures marginales ou peuplée de mythes et de légendes. Il se tourne par la suite vers des sujets plus ordinaires pour faire de la recherche picturale le véritable objet de son art. Le renversement du motif tête en bas, auquel il aboutit en 1969, est désormais considéré comme la marque de l'artiste. Pour celui qui a connu deux régimes autoritaires, cette méthode est à la fois un moyen d'affirmer sa liberté artistique, de préserver la présence de sujets qui lui sont chers (portraits de ses proches, autoportraits, animaux ou paysages familiers) et de questionner ce que nous cherchons à voir ou à reconnaître. Il inscrit son travail dans une histoire des formes qu'il veut sans cesse renouveler, construisant un langage entre figuration et abstraction dans lequel transparaît au gré des décennies sa passion pour le maniérisme italien, l'expressionnisme, l'art brut, la peinture de ses contemporains ou la sculpture africaine. Ce sont les quelque soixante années de cette création d'une force immense que le Centre Pompidou a choisi de présenter. Pour accompagner cette vaste rétrospective, le présent ouvrage associe aux nombreuses contributions éclairant l'oeuvre de l'artiste une nouvelle originale de l'écrivain Philippe Lançon.

Toute la filmographie du maître britannique Des Duellistes à Last Duel - la boucle est bouclé - en passant par Alien, Blade Runner, Thelma et Louise, Gladiator ou American Gangster, voici les 26 films de Ridley Scott, des classiques pour beaucoup, et ses quelques incursions dans le petit écran regroupées et analysées par l'auteur qui nous fait bénéficier de ses nombreux entretiens avec le cinéaste.

Akiro, le petit renard est seul, hors de la ville, rejeté par les habitants. Un jour, il entend au loin des cris et des pleurs. Que se passe t-il ? Dans les rues, il ne voit personne. Juste une inscription sur le mur d'une maison : au secours...

Akira, la grande saga de Katsuhiro Otomo, prend de plus en plus d'ampleur. Ne se contentant pas d'être un excellent manga de science-fiction (souvent élu le meilleur), la série Akira pose de nombreuses questions philosophiques sur les fondements et sur le devenir de l'humanité. Attention, chef-d'oeuvre !

Akira est réveillé ! Paniquées, les autorités décrètent l'état d'urgence et la ville plonge dans le chaos. Pourtant ce petit garçon muet n'a rien d'inquiétant... Quelle force cache-t-il en lui ? En 1989, Jacques Glénat rapporte d'un voyage au Japon une nouvelle bande dessinée qui fait fureur de l'autre côté de la planète : Akira, signée Katsuhiro Otomo. Une première tentative de publication en kiosque n'est qu'un demi-succès et il faut attendre l'arrivée des recueils de 184 pages pour que débute véritablement la révolution Manga...

Akira, la grande saga de Katsuhiro Otomo, prend de plus en plus d'ampleur. Ne se contentant pas d'être un excellent manga de science-fiction (souvent élu le meilleur), la série Akira pose de nombreuses questions philosophiques sur les fondements et sur le devenir de l'humanité. Attention, chef-d'oeuvre !

Je la rencontrais en face du CCFN dans la cafétéria "Mai Boza" . J'avais juste commencé à manger et elle venait sûrement pour se requinquer. Il n'y avait plus de place assise. Elle allait rester debout près du réfrigérateur, son portable en main et des écouteurs aux oreilles. Je la désirais du regard et à l'instant elle me paraissait si étrange. Jamais, une telle femme voluptueuse je n'ai rencontrée. Tout de suite, je voulais l'aborder. Mais comment ? Que pourrais-je bien lui dire ? Elle semblait être une femme qui a beaucoup de subtilités, ce qui la rend plus raboteuse. Quel plaisir solitaire ! Je monologuais. Et trente minutes passèrent, j'y restais ainsi. Tout d'un coup, elle sut que je l'épiais depuis un moment.

Les photographies de Cindy Sherman ne sont pas des autoportraits. Bien qu'elle soit le modèle de ses propres personnages, là n'est pas l'essentiel. Sa démarche suppose qu'elle travaille seule et assume de multiples rôles : photographe, modèle, coiffeuse, maquilleuse, costumière, styliste. A l'aide de tout un arsenal de déguisements, de fards, de perruques et de prothèses, Sherman transforme à volonté son aspect et son environnement, créant une multitude de compositions et de personnages étranges, comme ceux du clown ou de la vedette de cinéma, ou d'autres tirés de l'histoire, de l'art ou des contes de fées. A travers ses travestissements, elle a crée une oeuvre étonnante qui dérange, amuse et choque, où le questionnement de l'identité croise celui, contemporain, du corps et de l'image. Cette rétrospective comprend ses oeuvres les plus récentes, dont certaines inédites. Cindy Sherman est une des figures les plus importantes de l'art contemporain, au-delà du seul domaine de la photographie qui est à priori le sien : elle a construit sa réputation internationale sur le travail conjoint, extraordinaire, qu'elle mène sur l'image et son corps depuis trente ans. Se prenant exclusivement pour modèle, elle s'est photographiée sous les aspects et les traits de personnages les plus différents, tout à tour comiques ou dérangeants, déplaisants ou émouvants. Pour élaborer ses photographies, Cindy Sherman assume les multiples rôles d'auteur, de metteur en scène, de maquilleuse de plateau, de coiffeuse et de costumier. Accompagnant une rétrospective majeure de l'artiste au MoMA, cette publication traite thématiquement des différents modes d'explorations de Sherman : artifice et fiction, mise en scène et théâtralité, culture pop, horreur, mythes, contes de fées et grotesque ; le sexe, le corps et les notions de genre et d'identité de classe. Parmi les oeuvres et séries, analysées ici, dont les célèbres Untitled Film Stills (1977-1980), Centerfolds (1981), History Portraits (1989-1990), deux séries récentes sont reproduites pou al première fois dans un ouvrage, dans la perspective de l'examen des derniers développements de l'oeuvre. L'artiste s'explique sur ces différentes voies à travers une interview extrêmement précise et fouillée avec le cinéaste atypique John Waters.

Le catalogue de l'exposition "François Boisrond. Une rétrospective" , organisée au musée Paul Valéry du 25 juin au 6 novembre 2022, invite à parcourir l'oeuvre d'un peintre qui a apporté une contribution majeure au regain de la peinture en France depuis les années 1980. Articulés autour de six temps forts, 116 tableaux ont été sélectionnés pour refléter l'ensemble de la production de François Boisrond, depuis ses débuts dans la figuration libre, aux côtés de Rémi Blanchard, Hervé Di Rosa et Robert Combas, jusqu'aux toutes dernières toiles encore inconnues du public. La rétrospective aborde la question de l'unité d'une oeuvre, rythmée par les ruptures successives et interrogeant constamment la diversité des images, du cinéma au numérique, ainsi que leur rapport au réel. Le catalogue dessine ainsi une trajectoire singulière, où peindre apparaît à la fois comme un besoin vital et une longue initiation. Textes de Pierre Bergounioux, Philippe Dagen, Laurent Le Bon, Hector Obalk, Dominique Païni, Stéphane Tarroux.

Thelin. Recherches rétrospectives (par A. Baron Du Taya) Date de l'édition originale : 1843 Le présent ouvrage s'inscrit dans une politique de conservation patrimoniale des ouvrages de la littérature Française mise en place avec la BNF. HACHETTE LIVRE et la BNF proposent ainsi un catalogue de titres indisponibles, la BNF ayant numérisé ces oeuvres et HACHETTE LIVRE les imprimant à la demande. Certains de ces ouvrages reflètent des courants de pensée caractéristiques de leur époque, mais qui seraient aujourd'hui jugés condamnables. Ils n'en appartiennent pas moins à l'histoire des idées en France et sont susceptibles de présenter un intérêt scientifique ou historique. Le sens de notre démarche éditoriale consiste ainsi à permettre l'accès à ces oeuvres sans pour autant que nous en cautionnions en aucune façon le contenu.

Bien avant le succès du Trône de Fer, George R.R. Martin était déjà un géant de la littérature de l'imaginaire. Cet ouvrage offre un aperçu de son oeuvre, de ses premiers écrits aux nouvelles récompensées par les prix les plus prestigieux... tous quasiment systématiquement sur les listes des meilleures ventes mondiales. Introduits par Gardner Dozois, voici une sélection de trente-deux nouvelles, deux scénarios inédits pour des séries TV - dont un pour La Quatrième Dimension - ainsi que les commentaires de George R.R. Martin lui-même qui éclaireront les lecteurs sur son travail. Qu'il s'agisse du royaume de Westeros, de loup garou, de sorcier ou encore de voyage intergalactique, ce livre - illustré par Michael Wm. Kaluta - montre l'étendue du talent d'un des conteurs les plus fabuleux de notre temps. Le cadeau idéal pour les fans conquis et ceux qui ne le seraient pas encore.

A travers Soi disant la poussière, le poète Tristan Lunair soigne et signe ces infinis dérisoires où les mots s'accouplent lorsque les corps se contractent sous les attentes et les latences poreuses. Dans ce recueil en huit aspects, nous sinuons du spleen au néant, dérive cubique / chant électrique / dépourvus de rêves. Comment exorciser ce monde moderne / géométrique et clinique / menacé d'asphyxie ? Tristan Lunair nous propose de combiner les intensités pour mieux les assumer. Dans ses émeutes rythmiques aux pulsions parfois prophétiques, il irrigue, inquiète des alarmes, sonne des vertiges imprévus pour reprendre l'expression de la poétesse Bojenna Orszulac. La plume de l'auteur irradie et nous tend des hallucinations amour de Rimbaud / bel insensé / paumé des crépuscules urbains, écrit-il comme un encens dans une sphère utopique. Entre les solitudes imparfaites et Les hématomes consensuels, APRES LA NUIT / aimer ne suffit pas.

A partir d'une documentation inédite notamment photographique fournie par Jean-François Bory, Jacques Donguy, avec l'aide de Sarah Cassenti pour la très belle maquette, a réalisé ce numéro hors série autour de l'exposition sur la revue L'Humidité (1970-1978) qui a eu lieu à l'Enseigne des Oudin en 2022. Il s'agit d'une tentative inédite de réaliser une exposition autour d'une revue, en exposant notamment les oeuvres des artistes montrés dans la revue, dont Vito Acconci, Michel Journiac, Kitasono Katué, Manfred Mohr, Carmelo Bene, Aude Jessemin, Thierry Agullo ou Raymonde Arcier.

En près de 75 ans de carrière, Pierre Joubert (1910 - 2002) a illustré un millier d'ouvrages et plusieurs centaines de revues. Alliant une dextérité graphique à un sens de la mise en scène hors du commun, il a marqué de son art, celui de l'illustration des générations de lecteurs qui le découvrirent à travers le scoutisme, la collection "Signe de Piste" , les aventures de Bob Morane, les albums de "La Vie privée des hommes" et bien d'autres ouvrages. Ce premier album rétrospectif présente près de 500 illustrations du début de sa carrière en 1927 jusqu'à la fin des années 1950.

Née en 2009 et diffusée à l'origine sur Dailymotion, la web-série Le Visiteur du Futur est devenue un véritable phénomène au fil des saisons grâce à une communauté de fans grandissante. 13 ans plus tard, Le Visiteur du Futur devient un long-métrage et s'apprête à débarquer sur grand écran en septembre 2022 ! Dans ce livre-rétrospective supervisé par François Descraques, le créateur de la série, retrouvez tous ceux qui ont fait les épisodes des 4 saisons, diffusées et produites par Ankama à partir de la saison 3. Toute la troupe de comédiens, avec au premier rang Raphael Descraques, Slimane-Baptiste Berhoun et Florent Dorin, livre souvenirs et témoignages sur cette série innovante qui a pavé le chemin à de nombreuses vocations. Fait assez rare, 13 ans plus tard, ils retrouvent leurs personnages dans cette folle aventure qui se poursuit par un long métrage au cinéma, produit par Pyramide Production. La date de sortie est annoncée pour septembre 2022. Au fil de ces quelques 200 pages et à travers de nombreuses photos inédites des coulisses, revivez l'expérience de cette équipe de créateurs et de comédiens, amis dans la vie, et de ceux qui ont façonné le succès de cette série. Et plongez en exclusivité dans les coulisses du Visiteur du Futur - le film, avec en tête d'affiche le comédien Arnaud Ducret. Environ 200 pages couleur - plus de 300 photos !

Après la grande exposition qui lui est consacré à Arles l'été 2023, cette rétrospective célèbre le centenaire de la naissance de Saul Leiter. Elle rassemble toutes les facettes de son oeuvre d'une étendue considérable. Durant une vie entière consacrée à la création artistique, le photographe et peintre Saul Leiter a produit un corpus de plus de 20 000 tirages photographiques, 4 000 tableaux et quelque 40 000 diapositives. De la street photography à ses images pour la mode en passant par ses nus féminins et ses peintures, ce livre nourri de ses archives personnelles révèle une oeuvre immense et inclassable. Enrichi de cinq essais éclairant tant la biographie que l'oeuvre de l'artiste et puisant dans ses archives personnelles, ce livre révèle la sensibilité unique de Saul Leiter.

Hasta la vista, baby ! Une fois son sceau brisé par une tueuse professionnelle du nom de "Nue", Akira se transforme en un être démoniaque doté d'une violence inouïe. Devenu incapable de discerner ses alliés de ses ennemis et déversant sa violence sur tout ce qui bouge, l'exorciste finit même par s'en prendre à sa partenaire Chikage ! Mais c'est en Afrique, à Johannesbourg, que tout à débuté dix ans plus tôt, lorsqu'un démon a pris possession du jeune mercenaire Akira Kurosawa...

Comme beaucoup d'enfants, Yamaguchi Akira aimait crayonner et dessiner des voitures, des locomotives et autres véhicules. Son père, peintre amateur, l'emmenait souvent voir des expositions de peinture occidentale et forma ainsi son regard à autre chose qu'à la peinture traditionnelle japonaise. Passionné de mangas et de dessins animés japonais, l'enfant qu'il était alors s'amusait de leurs gags et de leurs dessins et continuait de peindre en amateur. Sa passion pour le dessin lui fit envisager une carrière artistique et il entra à la célèbre Ecole des Beaux-Arts de Tôkyô dans la section de la peinture occidentale. Rien ne laissait alors présumer qu'il serait un jour attiré par l'art japonais traditionnel. Le destin en décida pourtant autrement.

Né dans une famille de tailleurs de pierre de la région belge de Soignies, Eugène Dodeigne apprend le métier dès l'âge de treize ans auprès de son père marbrier. De précoces dispositions le conduisent à l'école des Beaux-Arts de Tourcoing puis à celle de Paris. A la fin des années 1960, sa notoriété devient internationale : Belgique, Pays-Bas ou Allemagne accueillent ses sculptures, comme bientôt de nombreux lieux publics et parcs de musées à travers le monde. Ses pierres de Soignies parviennent à une grandeur monumentale dans des formes arrachées à la matière et qui disent l'Homme et la condition humaine. Déplaçant dans une modernité flagrante et singulière la leçon de Rodin et la silhouette inspirante de l'Homme qui marche, Eugène Dodeigne apparaît avec ses outils, sa vigueur, sa volonté farouche et son humanisme, comme un véritable emblème de la sculpture de notre temps, définitivement comme l'Homme qui sculpte.

Pierre Dunoyer est né à Marseille en 1949. Après des études d'architecture et de psychopathologie, il commence à peindre en 1976. Ses tableaux sont présentés au cours de l'année 1978 dans les trois expositions du groupe JaNaPa. Vivant entre Paris et New York de 1979 à 1986, puis définitivement établi à Paris à partir de 1987, il expose dans différentes galeries, parmi lesquelles : Sonnabend (Paris, 1979-80), Gillepsie-Laage- Salomon (Paris, 1982), Nohra Haime (New York, 1985-87), Jeu de Paume (Paris, 1991), Palais des Congrès (Paris, 1998), Marc Blondeau Fine Art Services (Genève, 2009), Farideh Cadot (Paris, 2012), Jean-Paul Najar Foundation (Dubai, 2017). Il participe aussi à des expositions collectives à la Villa Médicis à Rome et à la Tecla Sala à Barcelone, ainsi qu'en France au Grand Palais et au Musée National d'Art Moderne. Les tableaux de Dunoyer font partie des collections permanentes de la National Gallery d'Australie à Canberra ; du Mobilier National / Les Gobelins et du Fonds National d'Art Contemporain à Paris ; du musée des Beaux-Arts de Lille. Cette rétrospective du peintre français Pierre Dunoyer (né en 1949) marque un accrochage sans précédent de 14 tableaux de grands formats peints entre 1978 et 2022 : sa première grande exposition dans un musée français depuis la remarquable découverte des 24 tableaux exposés à la Galerie nationale du Jeu de Paume en 1991. Présentés chronologiquement, ils couvrent toutes les phases de la carrière du peintre et révèlent un unique cheminement artistique depuis on formalisme initial jusqu'aux tableaux maitrisés mais dynamiques d'aujourd'hui.

Un écrin d'exception pour une oeuvre phare ! Avec ce coffret, retrouvez, réuni en un box cartonné d'exception, l'intégralité de la série Akira ainsi que le Akira Club. Plongez avec ces sept volumes au coeur de la science-fiction japonaise et des visions d'apocalypse de Katsuhiro Otomo.

Une vie cueillie sauvagement, un cursus scolaire brillant stoppé en pleine ascension, un rêve brisé, juste pour préserver des intérêts ! Voilà le tableau qui est dépeint à travers l'histoire d'Amira, cette jeune fille innocente à qui les parents ont très tôt ôté la joie de vivre. Croyant en sa bonne étoile et ne voulant pas finir sa vie comme tant d'autres jeunes filles de son âge, à peine sorties de l'enfance, elle a pris son destin en main et s'est enfuie, loin des siens, bravant ainsi l'inconnu. Là-bas, une nouvelle vie l'attendait.

AKIRA EST UN SEISME. UNE RUPTURE. UNE EXPLOSION. Catalyseur d'une époque, d'un monde qui ignore encore sa déchéance, l'oeuvre visionnaire de Katsuhiro Otomo est le tournant de l'industrie du manga. D'abord dans son propre pays, le Japon, par son impact graphique et scénaristique sur toute la génération d'artistes post-Akira qui assimilera son sens du détail, son réalisme et ses perspectives vertigineuses, mais surtout par son rayonnement international, qui propulsera la bande dessinée et l'animation japonaises sur le devant de la scène dans de nombreux pays, et en particulier la France, piétinant comme il se doit la vieille idée selon laquelle le dessin animé est réservé aux enfants. Ce livre est une plongée dans le bouillon de culture radioactif qu'est la puissance créatrice de Katsuhiro Otomo, depuis les débuts, déjà détonnants, du mangaka jusqu'à la consécration Akira. Découvrez les thèmes et influences de cette oeuvre fondamentalement antisystème en explorant ses aspects socio-économiques ou tout simplement littéraires. L'auteur de cet ouvrage sonde le phénomène, des racines aux frondaisons et analyse pourquoi Akira est, avant tout, une oeuvre purement japonaise. Bienvenue en 2019... et replongez avec nous dans le choc Akira, le manga qui a tout changé.