Focillon

Henri Focillon (1881-1943) est l'un des plus grands historiens de l'art français. Bien que son oeuvre et son engagement politique aient marqué l'histoire culturelle du XXe siècle, aucune monographie ne lui avait jusqu'ici été consacrée. En replaçant sa vie et son oeuvre dans le contexte intellectuel de l'entre-deux-guerres, le présent ouvrage vient combler une lacune majeure. S'appuyant sur de nouvelles sources documentaires, largement méconnues et pour partie inédites, Annamaria Ducci propose une relecture critique de l'ensemble des écrits de Focillon. Son ouvrage le plus célèbre - Vie des formes - tout comme ses travaux sur l'art du Moyen Age occidental, sur la gravure et la peinture moderne, ou encore sur le bouddhisme et l'art japonais, permettent de mesurer l'étendue des renvois culturels impliquant aussi bien le formalisme viennois, la science de l'art allemande, ou encore la critique d'art parisienne "fin de siècle" , pour finalement aboutir à cette "phénoménologie de l'art" qui caractérise en propre la démarche d'Henri Focillon.

Dans l'immense océan des ouvrages de Henri Focillon se trouve un petit volume consacré aux maîtres de l'estampe et des peintres graveurs. On peut y parcourir différentes études consacrées à Dürer, Rembrandt, Elsheimer, Goya, Daumier, Manet. Parmi tous ces grands noms place est étonnamment faite à Giovanni Benedetto Castiglione (1609-1664), peintre de son état, mais surtout graveur à l'eau-forte et inventeur du monotype, dont l'oeuvre gravée se compose de planches d'inspiration religieuse, de portraits de type oriental, ainsi que d'animaux. En marquant ainsi la grande richesse et l'immense qualité de cette activité de graveur, Henri Focillon ne manque pas de nous rappeler et de mettre en lumière la valeur d'une oeuvre tout à fait remarquable, quelque peu oubliée de nos jours, alors qu'elle était en son temps d'une très belle et grande popularité.

Maîtres de l'estampe : peintres graveurs : Dürer, Rembrandt, Elsheimer, Goya, Castiglione Genovese, Daumier, Manet, images anglaises, Nouveau monde, Zorn, visionnaires et magiciens / Henri Focillon Date de l'édition originale : 1930 Le présent ouvrage s'inscrit dans une politique de conservation patrimoniale des ouvrages de la littérature Française mise en place avec la BNF. HACHETTE LIVRE et la BNF proposent ainsi un catalogue de titres indisponibles, la BNF ayant numérisé ces oeuvres et HACHETTE LIVRE les imprimant à la demande. Certains de ces ouvrages reflètent des courants de pensée caractéristiques de leur époque, mais qui seraient aujourd'hui jugés condamnables. Ils n'en appartiennent pas moins à l'histoire des idées en France et sont susceptibles de présenter un intérêt scientifique ou historique. Le sens de notre démarche éditoriale consiste ainsi à permettre l'accès à ces oeuvres sans pour autant que nous en cautionnions en aucune façon le contenu.

Les Miracles, par leur tonalité générale et par certains détails, nous montrent que le peintre qui l'a illustré n'ignorait pas l'Italie : mais ces figures jeunes et flexibles, cette mesure et cet esprit dans l'observation, cette bonne humeur angélique, ce ton d'urbanité, enfin, çà et là, ces notes de sévérité dans la grâce, c'est la France même, c'est l'image d'une civilisation parvenue à sa maturité raffinée. Tout en fait foi, et non seulement la qualité d'une exécution qui est, elle aussi, un miracle d'élégance et de perfection techniques, mais le purisme d'une architecture sobre, la finesse des tissus, la beauté de l'objet.

Esquisses des animaux mammifères les plus remarquables (2e édition) / par M. Ad. Focillon,... Date de l'édition originale : 1884 Le présent ouvrage s'inscrit dans une politique de conservation patrimoniale des ouvrages de la littérature Française mise en place avec la BNF. HACHETTE LIVRE et la BNF proposent ainsi un catalogue de titres indisponibles, la BNF ayant numérisé ces oeuvres et HACHETTE LIVRE les imprimant à la demande. Certains de ces ouvrages reflètent des courants de pensée caractéristiques de leur époque, mais qui seraient aujourd'hui jugés condamnables. Ils n'en appartiennent pas moins à l'histoire des idées en France et sont susceptibles de présenter un intérêt scientifique ou historique. Le sens de notre démarche éditoriale consiste ainsi à permettre l'accès à ces oeuvres sans pour autant que nous en cautionnions en aucune façon le contenu.

Hokousaï / par Henri Focillon,... Date de l'édition originale : 1914 Le présent ouvrage s'inscrit dans une politique de conservation patrimoniale des ouvrages de la littérature Française mise en place avec la BNF. HACHETTE LIVRE et la BNF proposent ainsi un catalogue de titres indisponibles, la BNF ayant numérisé ces oeuvres et HACHETTE LIVRE les imprimant à la demande. Certains de ces ouvrages reflètent des courants de pensée caractéristiques de leur époque, mais qui seraient aujourd'hui jugés condamnables. Ils n'en appartiennent pas moins à l'histoire des idées en France et sont susceptibles de présenter un intérêt scientifique ou historique. Le sens de notre démarche éditoriale consiste ainsi à permettre l'accès à ces oeuvres sans pour autant que nous en cautionnions en aucune façon le contenu.

Dans ce classique d'histoire médiévale, l'auteur de la "Vie des Formes" montre d'abord le sens de l'an mil. Un premier chapitre traite des terreurs de l'époque, en particulier de celles sur la fin du monde, et de leur effet sur la renaissance architecturale qui s'esquisse alors. Un autre décrit la formation de l'Occident, en insistant sur le rôle des villes, de l'Eglise et du roi Robert le Pieux. Un troisième est consacré à Gerbert d'Aurillac, le savant devenu le pape de l'an mil sous le nom de Sylvestre II. Henri Focillon rappelle à ce propos l'état avancé des sciences et de la culture dans la société de l'époque, au moins dans les classes dirigeantes. Le dernier chapitre brosse un tableau de l'influent Saint-Empire germanique et de la personnalité d'Otton III.

Dans cet essai majeur d'histoire de l'art, Henri Focillon développe dans une grande clarté une interprétation personnelle et non schématique de la "pure visibilité", synthétisant l'héritage de l'école historique et les découvertes bergsoniennes sur l'évolution et l'élan vital appliquées à l'esthétique. En cinq chapitres : "Le monde des formes", "Les formes dans l'espace", "Les formes dans la matière", "Les formes dans l'esprit" et "Les formes dans le temps", il rejette l'opposition scolaire entre "fond" et "forme" et met en évidence que la forme s'identifie à la pensée même de l'artiste. L'étude des formes est selon lui indissociable de l'étude des styles. Qu'elle soit de Piranèse, Hokusai ou Rodin, il part toujours de la réalité de l'oeuvre d'art et privilégie l'expérience esthétique de chaque oeuvre dans sa forme singulière, avec ses données matérielles, spatiales, temporelles, visuelles et mentales autonomes, plutôt que sa signification. Cette édition est complétée d'un "Eloge de la main" où il montre que le geste créateur de la main de l'homme, en exerçant une action sur la vie intérieure, transfigure la forme tout en métamorphosant la matière.

Admiré en Occident dès la fin du XIXe siècle, Hokusai (1760-1849) est l'un des plus grands artistes japonais. Il a laissé une oeuvre immense, au-delà de la célèbre série des Trente-Six Vues du mont Fuji et de son recueil de dessins, la Manga. Peintre, dessinateur, théoricien, il fut l'exemple même de l'artiste ne vivant que pour son art. Observateur inlassable, il a accompli une simplification des formes et fait des contrastes et des harmonies de couleurs un usage qui renouvela l'art de l'estampe ukiyo-e. Tout en brossant le portrait de l'artiste, Henri Focillon est le premier à poser sur l'art japonais un regard analytique. Après avoir rappelé les caractéristiques de cette tradition artistique, et situé Hokusai par rapport à elle, il s'intéresse aux thématiques de l'oeuvre, au dessin, à la composition et à l'usage de la couleur. Illustrée par près de 300 oeuvres, dont douze de ses principales séries, le Hokusai de Focillon reste la monographie de référence sur l'artiste. Henri Focillon (1881-1943) est un des plus importants historiens de l'art français. Spécialiste du Moyen Age et de la gravure, il dirigea le musée de Lyon et enseigna en France (Sorbonne, Collège de France) et aux Etats-Unis. Entre 1910 et 1920, il s'intéresse à l'art d'Extrême-Orient. La pensée de Focillon, qui se cristallisera plus tard dans ses ouvrages les plus célèbres, la Vie des formes (1934) et L'Art d'Occident (1937), est déjà à l'oeuvre dans cet ouvrage consacré à Hokusai.

La devise de Corot est conscience et confiance, persévérance aussi dans la recherche de l'harmonie de la nature. La nature avant tout écrit Corot, qui l'invite dans son atelier. L'artiste affirme la valeur du dessin qui est la première chose à chercher. Et il dessine aussi sur verre à l'encre, à la pointe ou par empâtement. L'image diaphane du cliché-verre est tout simplement la reproduction du dessin : elle constitue une sorte de passage de la gravure vers la photographie. Aux images correspondent des mots choisis pour illustrer la poétique de Corot : ils sont extraits de la belle édition de Pierre Cailler, parue à Genève en 1946. Henri Focillon met l'accent sur la justesse de ton de l'atmosphère de Corot. Paul Valéry souligne sa volonté de simplicité en écrivant : le spontané est le fruit d'une conquête. Les deux écrivains admirent l'esprit singulier de Corot, peintre-poète merveilleux qui traduit son image de la nature : la nature avant tout.

La pensée esthétique de Malraux est confrontée à Focillon sur la vie des formes, à Jung sur la psychologie des profondeurs, à Picasso sur le refus des apparences et le concept de métamorphose. L'image esthétique dans L'Espoir est l'objet d'une démonstration qui dévoile la pluralité de son usage.

Au fil de son oeuvre, Henri Focillon s'est attaché avec une grande sensibilité à la connaissance des techniques et des formes de la création. Dans cet Eloge de la main, paru la première fois en 1939, l'historien se livre à une méditation intime sur le rôle, dans l'art, de la "compagne inlassable" de l'homme. Ainsi s'élabore une réflexion sur l'invention humaine, des anciens tailleurs de pierre à aujourd'hui...

Journaliste, critique et historien d'art, romancier, directeur de la manufacture des Gobelins, homme de gauche, président pendant plus de dix ans de l'Académie Goncourt, Gustave Geffroy (1855-1926) est un intellectuel important du tournant des XIXe et XXe siècles. Ami de Georges Clemenceau, Claude Monet, Auguste Rodin, Eugène Carrière, Henri de Toulouse-Lautrec, Edmond de Goncourt, Victor et Henri Focillon, c'est toute la société à laquelle il appartient - et dans laquelle il joue un rôle très actif - qui se reflète dans son oeuvre. Celle-ci est à la fois très vaste, très protéiforme, mais malheureusement trop souvent oubliée. Pour la redécouvrir et en jauger l'importance, il convient de nouer les regards de l'histoire de l'art, de l'histoire de la littérature, des musées, de la critique, de la culture et de l'esthétique. Alors, on comprendra comment et pourquoi s'y joue une bonne part de l'émergence de nous-même : de notre propre regard contemporain.

Cet ouvrage présente les principaux aspects de l'oeuvre et de la pensée de Jacques Thuillier, grand historien de l'art. Professeur aux universités de Dijon et de Paris-Sorbonne avant d'occuper la chaire d'Histoire de la création artistique en France au Collège de France, Jacques Thuillier (1928-2011) est connu avant tout pour ses travaux fondamentaux sur la peinture française et européenne des 17e et 19e siècles, mais ses centres d'intérêt furent multiples et ses activités innombrables. Cet ouvrage présente les principaux aspects de son oeuvre et de sa pensée. A l'image de son enseignement et de son souci de servir au mieux et en tous lieux l'histoire de l'art, les différentes contributions amplifient et approfondissent les sujets qu'il contribua à clarifier, rendent compte des acquis de ses recherches, de la solidité et de l'originalité d'une réflexion parfois à contre-courant, sans oublier l'élégance efficace d'une écriture, qui place Jacques Thuillier dans la lignée de maîtres comme Henri Focillon et André Chastel.

Quels sont les objets dont on peut à juste titre dire que ce sont des objets d'art ? Autrement dit, quelles propriétés (physiques et esthétiques) un objet doit-il posséder pour être considéré comme une oeuvre d'art ? A supposer qu'on le sache (et c'est là l'une des questions posées par cet ouvrage), comment décide-t-on que telle ou telle propriété est esthétique ? Et qui, en dernier ressort, décide ? L'Art et ses objets compte désormais au nombre des classiques de l'esthétique contemporaine. Dans la tradition de la philosophie analytique anglo-saxonne, Richard Wollheim, critique d'art et philosophe de renommée internationale, s'interroge sur les critères d'identification de l'oeuvre d'art. Dialoguant avec les théoriciens que sont Wölfflin, Gombrich ou Focillon, il s'attache à distinguer les oeuvres d'art qui sont des "types" de celles qui sont des "occurrences" avant d'étudier les règles qui président aux relations des premières et des secondes. On propose ici la traduction du texte principal de L'Art et ses objets ainsi que des six essais joints à l'édition augmentée parue en Grande-Bretagne en 1980.

Bien que son origine remonte loin dans le XIXe sicle, la mthode de la pure visibilit sert de fondements la critique et l'histoire de l'art de notre sicle. En effet, pour la premire fois la critique concentrait son attention sur les aspects caractristiques des diffrents arts, sur ces aspects visibles qui en constituent le langage. En partant donc des textes thoriques du no-kantien Konrad Fiedler et de leurs applications tentes par le sculpteur A. von Hildebrand, la prsente anthologie, prcde d'une ample Introduction critique, illustre par des textes de A. Riegl, A. Schmarsow, H. Wlfflin, A. E. Brinckmann les premires applications de cette mthode l'historiographie de l'art et l'laboration d'une sorte de grammaire de la langue plastique . Des critiques comme B. Berenson, C. Bell, R. Fry, A. Stockes, dont les textes clairent d'autres aspects du formalisme partent des prmisses diffrentes labores par la psychologie anglo-saxonne. Du ct de la culture franaise, J. Mesnil et H. Focillon leur font cho. En Italie, la critique formaliste, reprsente par l'activit de jeunesse de R. Longhi et de L. Venturi est rapidement mise en crise par l'esthtique de Croce et par ses applications dans le domaine contigu de la critique littraire.

En explorant l'histoire de l'art en France de 1890 à 1950, le parcours de ses acteurs, et la diversité de ses publics, cet ouvrage révèle l'image d'une discipline en pleine transformation, expérimentant de nouvelles méthodes appliquées à de nouveaux objets. L'histoire de l'art produite en France pendant la première partie du xxe siècle est assez peu présente dans les ouvrages classiques étudiant l'évolution de la discipline. Au-delà de quelques figures pionnières, et d'oeuvres fondatrices, comme celles d'Emile Mâle ou d'Henri Focillon, la production historiographique des années 1890-1950 n'est pas réputée avoir produit de mutations décisives, ni dans la méthodologie de l'histoire de l'art, ni même dans la définition de son objet. Les années 1890-1950 sont pourtant marquées par un foisonnement intellectuel sans précédent, qui a inspiré une large gamme de publications savantes, d'ouvrages de vulgarisation et d'expositions. En explorant à la fois les modalités concrètes de cette production, le parcours de ses acteurs, les concepts fondamentaux de la discipline, et la diversité de ses publics, cet ouvrage révèle l'image d'une histoire de l'art plus ouverte, plus expérimentale, et en un mot plus moderne que celle qu'on connaissait jusqu'à présent.

De Michelet à Roland Recht, du XIXe au XXIe siècle, les leçons inaugurales du Collège de France - parfois perdues, inconnues, inédites ou autrement nommées - rassemblées ici à l'initiative de Pierre Toubert et de Michel Zink arpentent le Moyen Age et la Renaissance sous tous leurs aspects : histoire, histoire de l'art, langues et littératures, philosophie, etc. On assiste, en lisant ce passionnant recueil, à la naissance de la philologie et au développement moderne des sciences historiques sous la conduite des plus grands esprits de leur temps. Mais aussi on observe la naissance de l'histoire de l'art en France : celle-ci suppose qu'un pont soit jeté entre l'Antiquité et la Renaissance et que les siècles considérés jadis comme obscurs se trouvent intégrés dans un développement historique continu. On peut dire qu'une histoire de l'art - et non plus un enseignement de l'archéologie antique et de l'histoire de l'art antique - n'était concevable qu'à partir du moment où cette continuité se trouvait affirmée. Trente et une chaires sont représentées ici, certaines occupées par des noms restés illustres : Jules Michelet, Gaston Paris, Joseph Bédier, Etienne Gilson, Lucien Febvre, Henri Focillon, Marcel Bataillon, Fernand Braudel, André Chastel, Georges Duby... D'autres demeurent injustement oubliés et font l'objet de véritables redécouvertes. Le texte de toutes les leçons inaugurales est reproduit intégralement, avec l'éclairage historiographique et l'annotation nécessaires fournis par une cohorte d'éminents historiens d'aujourd'hui.

La cinquantaine de textes qui constitue ce recueil aborde l'histoire de l'art des XIXe et XXe siècles de façon différente selon qu'il s'agit d'analyser une oeuvre en visant la précision documentaire d'une iconographie (L'Evasion de Manet, Cirque de Seurat) ou de présenter un travail exposé parfois pour la première fois (Baselitz, Das Negativ). L'approche critique et l'analyse historique font ainsi partie d'une expérience au cours de laquelle l'idée de l'art moderne représentée par Manet, Degas, Berthe Morisot, Caillebotte, Seurat s'est trouvée confrontée après Picasso ou Pollock, à une nouvelle génération d'artistes, en Italie et en Allemagne. Ce qui ne va pas sans interroger les modalités du jugement, la fonction du style, la teneur même de l'interprétation quand il s'agit de Penck, Immendorff, Lüpertz ou Polke. Quelques textes abordent un état de la pensée (Kessler et Gide, Henri Focillon, Michael Werner) ; d'autres formulent un jugement d'ensemble (Lucian Freud, Francis Picabia, Edward Hopper) ; certains proposent des rapprochements (Nadar en double, Aberrations contemporaines, Kirkeby-Delacroix, A New Spirit in Painting). En fonction d'une diversité et d'une différence qui lui sont fondamentalement adressées, le discours sur l'art est à l'épreuve d'une compréhension qui a pour objet de se prêter à l'histoire sans pour autant s'y confondre. "Quand l'art fait des histoires" invite à considérer le rôle d'un artiste qui fait l'histoire. Il le fait en s'exposant au sens le plus large du terme comme ont pu le faire Van Gogh ou Rouault, Manet ou Cézanne avant eux. Aucun préalable doctrinal ne s'impose. Pour que l'histoire continue, il faut des histoires. Des histoires plus que jamais discontinues.

Commencé à Rome en 1835 et poursuivi jusqu'en 1881, Le Poème de l'âme est le grand oeuvre de l'artiste lyonnais Louis Janmot (1814-1892), à la fois pictural et littéraire. Il illustre en 34 compositions accompagnées d'un long poème le parcours initiatique d'une âme sur la Terre. Formé de deux cycles respectivement composés de 18 peintures et de 16 grands dessins, il fut qualifié par Henri Focillon, directeur du musée des Beaux-Arts de Lyon de 1913 à 1924, "d'ensemble le plus remarquable, le plus cohérent et le plus étrange du spiritualisme romantique" . Le premier cycle, achevé en 1854, raconte les premières années au Ciel et sur la Terre d'une âme, représentée sous les traits d'un jeune garçon et accompagnée d'une jeune fille. On suit les étapes et les vicissitudes de leur parcours, de la naissance du garçon jusqu'à la mort prématurée de la jeune femme. Théophile Gautier et Baudelaire furent attirés par ces toiles exposées à l'Exposition Universelle de 1855, grâce à l'intervention de Delacroix. Achevé en 1881, le second cycle raconte comment le garçon, désormais seul, est confronté aux tentations et aux malheurs de l'âme humaine. Un poème de 2814 vers, écrit par Janmot et intitulé L'Ame, accompagne les oeuvres. Il renforce leur signification et leur est indissociable. L'ensemble compose une oeuvre hybride, littéraire et picturale, qui invite à la contemplation, à l'écoute, à la déambulation. Janmot, peintre de l'âme, est un artiste très singulier dans son temps, mais son oeuvre fait écho à celle de plusieurs autres artistes tels que William Blake, Philipp Otto Runge ou Francisco de Goya avant lui, ses contemporains les Préraphaélites, ou encore, plus tard, les symbolistes, en particulier Odilon Redon qui a été en contact avec lui. L'ouvrage replace Le Poème de l'âme et son auteur à la croisée de références, d'influences et de courants aussi bien littéraires, religieux et philosophiques qu'artistiques.