Picabia Modigliani Klimt

L'Album Picabia est une chronique artistique inspirante de la vie de Francis Picabia (1879-1953), vue par sa dernière épouse et protégée, Olga Mohler Picabia. Entamé en 1936, quatre ans avant leur mariage, et laissé inachevé en 1951, deux ans avant la mort de Picabia, cet album est une collection de souvenirs, croquis, coupures de journaux, photographies et notes illustrant les vies publique et privée de l'artiste avec autant d'admiration que d'affection. Par sa richesse, ce compte rendu visuel révèle toute la profondeur d'une des complicités romantiques et créatives les plus remarquables et les moins connues du XXe siècle.

Le peintre aux doigts d'or Vienne, 1907. Gustav Klimt se rend dans la demeure des Bloch-Bauer. Ce couple de la haute-bourgeoisie viennoise et le peintre semblent partager une profonde amitié. Il faut dire que six ans plus tôt, alors que le scandale de son tableau La Médecine lui mettait à dos les trois-quarts des professeurs de l'université de Vienne, Adèle et Ferdinand Bloch-Bauer étaient parmi les seuls à reconnaître son génie. Visitant son atelier, partageant son quotidien, ils étaient peu à peu devenus amis. Aujourd'hui, Ferdinand lui demande l'honneur de réaliser un portrait de sa femme. Flatté et reconnaissant, Klimt promet de la recouvrir d'or... littéralement. Jean-Luc Cornette et Marc-Renier nous plongent dans l'univers charnel et symboliste du maître de l'Art Nouveau viennois. Fantasmant par instants les songes hallucinés du peintre desquels il aurait puisé son inspiration, cet album nous offre un voyage aux sources de la beauté, entre rêve et réalité.

" Ton devoir est de ne jamais te consumer dans le sacrifice. Ton devoir réel est de sauver ton rêve... Je voudrais au contraire que ma vie soit comme un fleuve très riche qui coule avec joie sur la terre. " La personnalité d'Amedeo Modigliani (1884-1920) est celle d'une fulgurante créatrice qui réunit les extrêmes. Homme ordinaire, affamé, qui vit à Paris, il est aussi cet artiste glorieux qui se trouve placé au-dessus de la réalité. Morceau de marbre limpide, bloc de cristal intact à travers les époques de sa vie, Modigliani n'est pas uniquement sculpteur, pas seulement peintre, encore moins dessinateur : au-delà du temps et des styles, il demeure un magicien de l'art.

"Le goût, c'est bon pour les amateurs devin et les cuisiniers. L'art n'a rien à voir avec le goût." Figure centrale de la Sécession viennoise, Gustav Klimt (1862-1918) est le peintre emblématique de la Vienne fin de siècle, celle de Sigmund Freud, Gustav Mahler et Arthur Schnitzler, tous fondateurs de la modernité européenne. Il fit exploser les normes académiques et permit à l'art autrichien de s'ouvrir à l'impressionnisme et au symbolisme. Il fut aussi l'ami et le protecteur des jeunes expressionnistes Oskar Kokoschka et Egon Schiele. Ornemaniste de génie, portraitiste renommé de la haute société et paysagiste introverti, Klimt, enfin, ne cessa de représenter les métamorphoses de la femme. A la fois classique et scandaleux, il restera comme le peintre des grands mystères de la sexualité et de la mort. Son Baiser vient se placer au premier rang des oeuvres les plus célèbres de l'histoire de l'art.

"Dans ses cinquante années de peinture, Picabia a constamment évité de s'attacher à une formule quelconque ou de porter un insigne. On pourrait l'appeler le plus grand représentant de la liberté en art, non seulement à l'encontre de l'esclavage des académies, mais aussi contre la soumission à quelque dogme que ce soit". Ces remarques de Marcel Duchamp soulignent la dimension profondément libertaire de celui qui aimait se qualifier d'"artiste en tous genres". Ce parcours chaotique, contradictoire, fait d'allers et retours permanents entre abstraction et figuration, géométrie et biomorphisme, onirisme et réalisme, ne saurait être appréhendé de façon simplement formelle. Il demeure difficile d'identifier un style ou une manière Picabia. Ce qu'une approche biographique nous permet a contrariode comprendre, c'est précisément une certaine constance dans l'attitude. Ce fils de famille "né sans mère", aux goûts de luxe particulièrement prononcés et à la vie psychique et conjugale agitée, n'est en effet pas à une contradiction près. Francis Picabia n'abhorre rien tant que l'idéal de pureté et d'intransigeance qu'il voit poindre chez ses amis dadaïstes et même chez André Breton. Picabia aime trop la vie pour se laisser enfermer dans une croyance ou une certitude, fussent-elles d'avant-garde. Jusqu'à sa mort, notre "Funny-Guy" restera fidèle à cet état d'esprit, qui renvoie plus à une manière de vivre qu'à un programme strictement artistique. Ce qui pourrait passer pour une suite de reniements et de régressions n'est en fait qu'une manière de dire oui à la vie, à ses errements et à ses contradictions. Francis Picabia est l'artiste qui fait son miel de cette "mort de l'art" tant de fois proclamée au cours du XX ? siècle. "Parce que je suis le seul qui, après la mort de l'Art, n'en ai pas hérité ; tous les artistes qui suivent son cortège et se promènent à travers le monde figuraient sur son testament ; moi, il m'a déshérité, mais il m'a ainsi laissé libre de dire tout ce qui me passe par la tête et de faire ce qu'il me plaît". B. M.

Gustav Klimt a donné au symbolisme et à l'Art nouveau autrichien leurs lettres de noblesse. Un livre pour découvrir qui était ce peintre-décorateur, ce qu'il a peint, quels étaient ses thèmes de prédilection, quelles techniques il utilisait et quel sort bon nombre de ses oeuvres vont connaître après avoir été prises dans la tourmente de la Seconde Guerre mondiale.

Klimt, dont l'oeuvre est en grande partie dédiée à l'étude du corps féminin, est célèbre pour avoir incorporé des feuilles d'or dans plusieurs de ses tableaux, accentuant ainsi leur valeur ornementale. Mais il était aussi captivé par les paysages qui l'entouraient et qu'il peignait parallèlement à ses commandes officielles. Ce magnifique ouvrage vous propose de découvrir les plus belles oeuvres de Klimt, ainsi que certains de ses tableaux moins connus. Vous vous familiariserez avec cet artiste de caractère, son époque et son histoire, à travers un texte fascinant qui met en évidence la passion qui sous-tendait son travail flamboyant. Puis, au fil des reproductions, vous vous laisserez porter par la beauté envoûtante des oeuvres du "magicien des couleurs" . Révélateur, instructif et riche de nombreuses illustrations, Gustav Klimt est un ouvrage à conserver précieusement, à lire et à relire.

Dans la Vienne du tournant du siècle, la société est en pleine évolution, voire en marche vers une révolution. Dans le monde ambigu de Schnitzler et de Freud, les femmes découvrent malgré les pesanteurs de l'ordre moral, le pouvoir d'une liberté nouvellement conquise, qui s'affirme par les études auxquelles elles accèdent comme dans une sensualité qu'elles osent de plus en plus revendiquer pour leur compte. La peinture de Klimt, qui fit souvent scandale à son époque (on songe aux tableaux pour la grande salle de l'Université de Vienne), est l'expression de cette fascination nouvelle pour la femme et pour le pouvoir absolu qu'elle représente. Séduction et ambiguïté sont les armes avouées de ce pouvoir. Corps offerts, lèvres entrouvertes, regards mi-clos sont les signes mille fois peints de cette domination qui se voile - si peu parfois - sous le masque trompeur de la docilité soumise. Les interdits de la société bourgeoise, mis à mal par les révélations parfois terrifiantes de la psychanalyse, volent en éclat sous le regard du peintre des femmes, qui sait exprimer à merveille le caractère impérieux du désir et l'angoisse de l'homme - l'Angst freudienne - devant cette puissance. La pluie d'or de Danaé est redoutablement métaphorique, tout autant que l'abandon du célèbre Baiser. Les illustrations et les commentaires qui les accompagnent dans le présent ouvrage donnent à voir et à comprendre. Il faut leur rendre grâce de cette élucidation qui ne nuit pas au mystère peu vénéneux de la peinture de Klimt.

Ce coffret réunit l'essentiel de l'oeuvre d'un artiste hors du commun qui a fait sienne cette devise de la Sécession viennoise toujours aussi forte et intemporelle : " A chaque époque son art. A l'art sa liberté. Quand est créé ce mouvement en 1897, Klimt a trente-cinq ans. Il est en pleine maturité, et pour lui c'est un tournant. Ce fils de doreur né dans un faubourg viennois, qui a appris peinture et dessin ornemental dans une école d'arts appliqués, qui est déjà l'auteur de décors, adhère aux principes de ce Sezessionsstil : se détourner du conservatisme, puiser dans des sources d'inspiration inédites, bannir la hiérarchie entre beaux-arts et arts mineurs, s'allier à l'architecture. En bref, élaborer un art nouveau - comme dans le reste de l'Europe. A Vienne, dans cette capitale cosmopolite de l'Empire austro-hongrois, instable et décadente, Klimt développe stylisation, arabesque et profusion décorative, avec comme sujet presque unique le corps féminin, à l'érotisme obsédant. Entre portraits mondains, allégories et paysages, entre peintures de chevalet et décors privés, ses oeuvres sont devenues l'un des emblèmes de la modernité viennoise.

Ils ont entendu parler d'un fabuleux Modigliani perdu et sont prêts à tout pour mettre la main dessus : une jeune étudiante en histoire de l'art dévorée d'ambition, un marchand de tableaux peu scrupuleux et un galeriste en pleine crise financière et conjugale...sans compter quelques faussaires ingénieux et une actrice idéaliste venant allégrement pimenter une course poursuite échevelée. Qui sortira vainqueur de cette chasse au trésor menée tambour battant, de Paris à Rimini, en passant par les quartiers huppés de Londres ? Un Ken Follett inédit, enjoué et alerte, qui offre une peinture édifiante des coulisses du monde de l'art.

40 pages d'activités pour percer le mystère d'un artiste énigmatique : Amedeo Modigliani 40 pages d'activités pour percer le mystère d'un artiste énigmatique : Amedeo Modigliani. Celui-ci vécut de 1884 à 1920 : au cours d'une carrière fulgurante, il marqua l'histoire de l'art moderne de son empreinte, de son style et de sa technique uniques. Une parution à l'occasion de l'exposition au musée de l'Orangerie " Amedeo Modigliani. Un peintre et son marchand " qui s'attachera à explorer la manière dont les liens entre les deux personnages peuvent éclairer la carrière de l'artiste.

Amadeo Modigliani a trouvé sa voie très tôt, et il a su très vite que sa vie entière serait placée sous le signe de l'art. " Le véritable devoir est de sauver son rêve ", écrira-t-il en guise de testament. Assidu des premières leçons de dessin et de peinture, qu'il suit à Livourne dès qu'il a quatorze ans. Présent dans l'atelier du peintre florentin Giovanni Fattori, chef de file des macchiaioli. Elève de l'Institut des Beaux-Arts de Venise. Visiteur insatiable de musées et des biennales. Compagnon des peintre du Bateau-Lavoir à Montmartre. Inscrit à l'Académie Colarossi, rue de la Chaumière.

Amedeo Modigliani (1884-1920) was one of the many and diverse talents who were drawn to Paris in the early years of this century, making the city a vibrant but pressurized environment for artistic expression. A legend grew up around Modigliani, who, along with others, engendered the concept of the peintre maudit- the accursed painter - whose poverty corruption and excess were the very seeds from which his remarkable works of art were conceived. Unlike the Italian Futurists, who stormed at their own overwhelming tradition, -Modigliani seemed to sense the possibility of returning to it for renewal. His interpretation of a central theme of the tradition, the reclining female nude, produced a series of uniquely beautiful works, outstanding in the grace and harmony of their linear designs and the quality of their colour. Nudes, portraits and studies of a surprising range of personalities and psychological types are represented in this ideal introduction to the artist, as is a selection of his remarkable stone carvings, of which about 25 survive.

Son oeuvre, centrée autour de figures féminines, souvent traitées avec une grande sensualité, et magnifiées par les couleurs chatoyantes et le foisonnement ornemental des décors, témoigne d'une personnalité hors du commun. Ses compositions profondément originales lui confèrent une place à part dans l'histoire de l'art.

Comment travaillait Amedeo Modigliani ? Dessinait-il avant de peindre ? Fabriquait-il lui-même ses couleurs ? Le peintre de Montparnasse d'origine italienne fonde une légende d'artiste maudit difficile à briser. Par le prisme de la science et de l'histoire de l'art, le musée du LaM a pourtant décidé d'en gratter le vernis et de partir à la recherche de ce qu'il se cache sous les millimètres de matière de ses oeuvres. Depuis 2018 et consécutivement à la grande rétrospective du peintre présentée en 2016 au LaM, le musée s'est associé avec le CNRS et le C2RMF (Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France) pour analyser scientifiquement 28 oeuvres des collections publiques françaises à partir notamment d'examens en fluorescence X et d'imagerie hyperspectrale. A la faveur d'avancées technologiques inédites convoquant physique et chimie, ce projet d'envergure a conduit à l'exposition Les Secrets de Modigliani dont cet ouvrage rend compte. Le lecteur est ici convié à percer les secrets de la pratique de l'artiste, pour découvrir par exemple que Modigliani s'était essayé au paysage plus tôt qu'on ne le pensait, comme le révèle l'analyse du portrait de Viking Eggeling, dont le personnage se trouve être vêtu d'un paysage ! Dévoiler les images sous l'image : voilà l'entreprise exaltante de ce livre qui nous prouve qu'il reste encore beaucoup à apprendre sur l'essence même de la création chez Modigliani et qui permet d'approcher - presque de toucher du doigt - l'artiste au travail.

L'alternance déroutante des styles et des manières qui caractérise l'art de Francis Picabia (1879-1953) a souvent été mise sur le compte d'un tempérament versatile et d'un goût du changement pour le changement sans grande conséquence. Toute la carrière de Picabia manifeste en fait une grave crise de confiance envers les pouvoirs de la peinture. La prise de conscience de la possible obsolescence de la peinture et de son inutilité met fin chez lui à l'expérience impressionniste et lui fait rechercher les voies salvatrices de l'abstraction. Mais la guerre sonne la fin des illusions : avec Dada, Picabia décrète la mort de l'art, se lance dans de provocants éloges du faux et inflige à sa pratique, par le recyclage d'images mécaniques, la " marque infamante de la reproduction " (Walter Benjamin). De tous les assassins de la peinture, cependant, Picabia est sans doute celui qui aura le moins sereinement assumé son geste tout son œuvre ultérieur témoigne d'une alternance de phases pendant lesquelles il semble croire à nouveau en la prétention de l'art à incarner les plus hautes significations, et de crises destructrices où la peinture est ravalée à la fabrication de croûtes kitsch et vulgaires. Tour à tour, Picabia aura donc tenu deux postures ambivalentes et contradictoires : celle d'un iconoclaste, destructeur d'aura, et celle d'un farouche défenseur de positions conservatoires perdues d'avance. Mais les deux figures également excessives de l'exaltation et du dénigrement de la peinture ne sont pas autre chose, au fond, que les deux aspects d'un même complexe du peintre au XXe siècle. C'est celui-ci que ce livre explore, au long d'une plongée dans l'œuvre de Picabia permise par l'exploitation de sources et documents nombreux et inédits.

La seule façon d'être suivi, c'est de courir plus vite que les autres ! " C'est la devise que Francis Picabia (1879-1953) semble avoir appliquée tout au long de sa vie. Après avoir connu le succès très jeune avec ses toiles impressionnistes, il s'essaye aux différentes tendances des avant-gardes : fauvisme, futurisme, cubisme... et surtout dadaïsme, dont il sera l'un des pionniers. Picabia, c'est pratiquement une histoire de l'art moderne à lui tout seul. Mais l'artiste ne se laissera jamais enfermer dans aucun courant et revendiquera jusqu'au bout une totale liberté de création, qui se traduit par une oeuvre extraordinairement variée.

Cherchant à s'accomplir à travers l'art, Chiba et ses amis continuent de se perfectionner dans leurs domaines respectifs. Le talentueux Motoyoshi n'en finit pas d'attirer l'attention des admirateurs, Chiba façonne de mieux en mieux le verre et Fujimoto se pose toujours autant de questions sur l'essence même de son oeuvre. L'apprenti finira-t-il par devenir quelqu'un ? Chiba, Motoyoshi et Fujimoto sont trois étudiants d'une modeste école d'art située dans les montagnes du nord-est du Japon où tout le monde peut s'inscrire, même les imbéciles ! Ces inséparables joyeux drilles vont devoir faire face aux difficultés liées à la création artistique, à l'incertitude quant à leur avenir professionnel, au froid insoutenable de l'hiver mais goûteront aussi aux joies de la vie étudiante dans un établissement essentiellement fréquenté par des filles. En 2018, Demande à Modigliani ! a fait l'objet de la Sélection du Jury du Japan Media Arts Festival, aux côtés de titres tels que The Promised Neverland, Dr. Stone et Les montagnes de la folie de Lovecraft.

Chiba, Motoyoshi et Fujimoto sont trois étudiants d'une modeste école d'art située dans les montagnes du nord-est du Japon où tout le monde peut s'y inscrire, même les imbéciles ! Ces inséparables joyeux drilles vont devoir faire face aux difficultés liées à la création artistique, à l'incertitude quant à leur avenir professionnel, au froid insoutenable de l'hiver mais goûterons aussi aux joies de la vie étudiante dans un établissement essentiellement fréquenté par des filles. En 2018, Demande à Modigliani ! a fait l'objet de la Sélection du Jury du Japan Media Arts Festival, aux côtés de titres tels que The Promised Neverland, Dr. Stone et Les montagnes de la folie de Lovecraft.

Le parcours universitaire de notre trio d'étudiants touche à sa fin. Alors que Fujimoto et Motoyoshi ont décidé de concourir à une exposition, Chiba préfère partir seul pour Toyama afin de se trouver. La cérémonie de remise des diplômes approche, un dernier hiver à passer ensemble avant de se séparer ? En 2018, Demande à Modigliani ! a fait l'objet de la Sélection du Jury du Japan Media Arts Festival, aux côtés de titres tels que The Promised Neverland, 'Dr. Stone Les montagnes de la folie de Lovecraft).

Des motifs captivants, des couleurs chatoyantes, de l'or et de magnifiques portraits de femmes... Bienvenue dans l'univers flamboyant de Gustav Klimt. Cet ouvrage propose de partir à la découverte d'un artiste qui, partant des arts décoratifs, est devenu l'auteur d'une oeuvre intime et bouleversante ; un peintre dont certaines images sont devenues de véritables icônes... "En chemin avec... " est une série d'ouvrages qui proposent de partir à la découverte des plus grands artistes, de manière simple, accessible et évocatrice. Au fil des oeuvres, nous allons à la rencontre d'un style, d'une technique, d'un art ; nous nous promenons sur un chemin où les paysages sont des vie pour se familiariser avec univers et mieux comprendre une oeuvre...

Montparnasse, 1917. Les artistes vivent dans l'insouciance du lendemain. Le prince de cette bohème, Amedeo Modigliani, rêve de changer le monde à coup de pinceaux. Mais le goût de l'opium et de l'absinthe, la passion pour les femmes, la folie de l'époque sont autant d'obstacles qu'il devra surmonter.

Gustav Klimt est sans aucun doute la figure de proue de la Sécession Viennoise (1897), à l'origine d'un nouveau style figuratif et ornemental à l'intérieur de la mouvance internationale de l'Art nouveau. Klimt, à toutes occasions, s'est distingué comme l'un des meilleurs dessinateurs de son temps. Il réalisait souvent jusqu'à 150 croquis ou esquisses pour un seul tableau, chacun représentant un détail particulier, un pan de vêtement, un bijou, une attitude. La plupart ont été réalisés au crayon Conté et au crayon noir mais certains sur papier transparent, parfois en feuille ! avec des rehauts de bronze argenté et d'or (frise du palais Stoclet, Bruxelles).  Les dessins de nus, de temps à autre, sont directement enrichis de couleur : ce sont eux avec leurs contours anguleux et leur aspect visionnaire ou envoûtant de la femme qui, tout en inspirant Schiele, ont établi la renommée de Klimt comme dessinateur.  Mais ses illustrations et ses affiches pour la Sécession et la Revue Ver Sacrum ont contribué à imposer le nouveau style décoratif au plan graphique et au plan ornemental.  Le présent ouvrage s'efforce de rapprocher toutes ces études préparatoires des peintures ou gravures définitives tout en définissant la nature de son graphisme.  

Amedeo Modigliani est une légende du monde de l'art. Sa personnalité flamboyante, ses conquêtes féminines, la sensualité de ses toiles et leur audace picturale, le prix exorbitant qu'elles atteignirent après sa mort autant que la misère qu'il connut de son vivant et sa disparition prématurée à trente-cinq ans, tout concourt à faire de lui l'artiste maudit tel qu'on l'imagine dans le Paris du début du XXe siècle. Cette biographie, la première jamais consacrée à Modigliani, retrace son enfance dans une famille juive aisée de Livourne, en Italie, son installation à Paris, " capitale des arts ", et le milieu cosmopolite d'artistes et d'intellectuels - et de leurs muses - dans lequel il évolue : il côtoie Utrillo, Picasso, Apollinaire, Survage, Vlaminck, Lipschitz... et Kiki de Montparnasse ! Tout ce petit monde boit, refait le monde, se dispute, se réconcilie, s'entraide. La personnalité paradoxale et tourmentée de Modigliani perce au fil des pages. Sa vie de bâton de chaise ne l'empêche pas d'être toujours sobre quand il peint. Séducteur et désinvolte en apparence, il est capable de fidélités presque excessives en amitié comme en amour. Et surtout, il brûle d'une flamme vive et pure pour son art, au point de se consumer à son contact.

Peintre et sculpteur italien, Modigliani connut une carrière tout à la fois brève et féconde. Cet ouvrage constitue le catalogue d'une exposition organisée par le LaM, Lille Métropole musée d'art moderne, d'art contemporain et d'art brut, qui conserve l’une des plus belles collections publiques françaises du célèbre artiste de Montparnasse : pas moins de 6 peintures, 8 dessins et une rare sculpture en marbre réunis par Roger Dutilleul et Jean Masurel, fondateurs de la collection d’art moderne du musée. Plusieurs approches passionnantes sont proposées au lecteur : ainsi la découverte du dialogue entretenu par l’artiste avec la sculpture antique et extra-occidentale, ou sa pratique du portrait d'artiste, autre dimension centrale dans son oeuvre, qui occupera une place prépondérante dans le parcours. C'est également l’occasion de mieux comprendre la relation singulière qui lie l’oeuvre de Modigliani au collectionneur Roger Dutilleul, qui croisa la route de l’artiste en 1918, moins de deux ans avant sa mort prématurée. Une centaine de peintures et dessins de l’artiste sont reproduites au côté d’oeuvres de Constantin Brancusi, Pablo Picasso, Jacques Lipchitz, Chaïm Soutine, Moïse Kisling, Henri Laurens… Les essais sont complétés d’une chronologie de la vie et des expositions du peintre, ainsi que de 35 biographies de ses principaux modèles.

Figure majeure de la Bohème artistique de Montmartre et Montparnasse, Amedeo Modigliani (1884-1920), emporté par la maladie à 36 ans, laisse une oeuvre peinte et sculptée principalement centrée sur la représentation de la figure humaine. Marqué par la Renaissance, les arts premiers, le cubisme et les Fauves, il épure et allonge ses portraits ou ses nus féminins jusqu'à la déformation, à la poursuite d'une harmonie intemporelle. Ce portfolio présente 9 de ses chefs-d'oeuvre.

Lorsqu'en 1914, Amedeo Modigliani rencontre le marchand Paul Guillaume, au coeur d'un Paris cosmopolite, il est à un moment charnière de sa carrière. Il abandonne la sculpture pour se consacrer exclusivement à la peinture. Cet ouvrage se propose d'explorer les liens entre les deux hommes dans le contexte artistique et littéraire parisien des années 1910, leur amour commun pour les arts africains, ainsi que le rôle déterminant de Paul Guillaume dans la diffusion de l'oeuvre de Modigliani sur le marché de l'art en France et aux Etats-Unis au lendemain de la mort de l'artiste.

"Ton devoir est de ne jamais te consumer dans le sacrifice. Ton devoir réel est de sauver ton rêve. La Beauté a, elle aussi, des droits douloureux, qui créent cependant les plus beaux efforts de l'âme. Tout obstacle franchi marque un accroissement de notre volonté, produit la rénovation nécessaire et progressive de notre aspiration."

"Moi je ne suis rien, je suis Francis Picabia." C'est dans cette tension entre exaltation et rejet du moi que l'artiste a indiqué sa position dans la modernité. Son refus de l'action collective s'est exprimé au coeur de la Grande Guerre dans une oeuvre centrée non pas sur l'histoire ni sur des problèmes plastiques, mais sur le moi. Aujourd'hui pense à moi prend le pari que son sujet est également son outil d'analyse et qu'il se nomme Ego. Couvrant une période qui va de l'abstraction de 1913 chez Picabia jusqu'à sa peinture maximaliste dite des Monstres entre 1924 et 1927, ce livre révise certaines des certitudes les mieux établies sur l'oeuvre et propose de voir dans la formalisation de l'ego un processus clé de la modernité, producteur de ses propres ruptures. Articulé à l'analyse freudienne de la mélancolie, ego devient une procédure conceptuelle qui contraint à reposer l'ancienne problématique mimétique. "On ne peut mettre dans le coffre la clé qui ouvre le coffre" nous dit l'historien. C'est pourtant ce que l'art de Picabia - ce coffre à double fond - systématisa. Face à la menace de la mécanisation définitive de l'art (dont les images produites aujourd'hui à l'ère du capitalisme narcissique sont les surgeons directs), sa réponse en forme de répétition mélancolique résida dans le détournement occulte de l'image. "Moi je ne suis rien, je suis Francis Picabia." Ce livre s'attache à montrer les enjeux de cet aveu en forme de nom propre dans la modernité.

"Voici la correspondance échangée entre les trois principaux meneurs de Dada à Paris. Nous sommes au coeur de l'organisation de la révolution. Par chance, chacun ayant la manie de la conservation, nous avons eu accès à quasiment toutes leurs lettres. Ils utilisent peu le téléphone, et ne se voient qu'au moment du coup d'éclat. Quelles sont leurs motivations ? Comment s'impliquent-ils ? Comment voient-ils leur coup d'Etat ? Quelle stratégie envisagent-ils ? Paradoxalement, on ne lira pas le journal à plusieurs voix d'artistes révolutionnaires, mais plutôt un échange étrangement sentimental, ponctué par des accusations, des séparations suivies, à plus ou moins long terme, de rabibochages. Ces lettres sont rien moins que dadaïstes. Chacun use d'une langue très policée, selon les conventions de l'époque. Comment feront-ils donc pour tuer l'art ? Par le spectacle, par l'action publique. Aussi discrètement que possible, l'annotation brosse le panorama sur lequel se détachent ces échanges, évoquant les deux saisons Dada à Paris, le Procès Barrès, la préparation du Congrès de Paris, mise en échec par Tzara, la soirée de L'Oeil cacodylate offerte par Picabia, sa revue insolente, 391 ; les vacances prises en commun au Tyrol, la rencontre ratée de Freud par Breton à Vienne, puis, plus tard, la mise en accusation de Dalí, les défis que la société leur lance. Car, au fond de tous ces débats, c'est toujours de création qu'il s'agit, d'un nouveau langage poétique et pictural. Faudra-t-il s'allier à un parti politique pour faire émerger l'homme nouveau ? La psychanalyse ou, plus précisément, l'automatisme verbal, offre-t-il une solution d'avenir ? A moins que ce ne soit le spiritisme, l'hypnose ? C'est le temps où se préparait le surréalisme, dont le nom n'est jamais prononcé, qui se profile à travers Les Champs magnétiques et tant de réflexions esthétiques. "Dada ne fut qu'une bombe, me disait Max Ernst, vous n'allez pas vous amuser à en recueillir les éclats !". Eh bien si, justement, car, aussi éphémère fût-il, il donna du grain à moudre à plusieurs générations, jusqu'à ce jour. Et la braise ne s'est toujours pas éteinte", Henri Béhar.