Toppan Printing

Issu d'une formation d'imprimeur, Hugo Capron décline en peinture le plaisir de reproduire une même image dans de longues séries qui cherchent à épuiser toutes les possibilités de variation. Ses tableaux sont généralement réalisés d'un seul jet et sans repentir, mais reposent néanmoins sur des équations techniques de précision. ? Les palettes d'Hugo Capron résultent de fines investigations chez des fournisseurs du monde entier à la recherche des nuances les plus justes. Sur la toile, elles se révèlent dans une gamme de matières, de jus et de surépaisseurs lumineuses qui font valoir la vitesse de l'exécution. Le geste est quasiment calligraphique, c'est une mêlée de virgules et de boucles. " J'ai toujours pensé qu'une oeuvre d'art en général, et un tableau en particulier, commençait par s'adresser à moi en m'indiquant la manière dont son auteur me considère. C'est la première chose que je perçois, peut-être même avant de prendre conscience du sujet du tableau, peut-être même en amont de la reconnaissance d'une peinture abstraite ou figurative. Comment ce tableau s'adresse à moi, sur quel ton il me parle, les stratégies qu'il déploie pour m'intéresser, exciter ma curiosité, flatter ou provoquer mon goût, bref comment le tableau me considère : gogo ou digne destinataire d'une conversation ? " Extrait du texte d'Eric Troncy Né en 1989, Hugo Capron s'est d'abord formé aux techniques de l'imprimerie, avant d'intégrer l'Ecole nationale supérieure d'art de Dijon, dont il a été diplômé en 2015. Sélectionné pour le premier programme de résidence et d'exposition Dijon/Dallas dès sa sortie de l'Ecole, il a par la suite exposé au Consortium de Dijon en 2015, au centre d'art contemporain MAT (Minatomachi Art Table) à Nagoya au Japon en 2016 et au FRAC Bourgogne en 2017. Il a été résident de la villa Kujoyama à Kyoto en 2019 et lauréat en 2021 de la huitième édition de la Bourse Révélations Emerige. Il vit et travaille à Dijon. Ses oeuvres ont été intégrées dans de nombreuses expositions collectives et individuelles - notamment à l'Hôtel des Arts de Toulon, au Centre régional d'art contemporain de Montbéliard, à la Collection Yvon Lambert en Avignon - et elles figurent dans diverses collections privées et institutionnelles françaises et internationales. Avec " Corpus Painting ", Semiose éditions lance une nouvelle collection éditoriale entièrement dédiée à la peinture. En 48 pages, relié façon beau livre, chacun des opus se concentre sur un ensemble précis de tableaux, complété d'un texte en français et en anglais signé d'une personnalité du monde de l'art. Une invitation à plonger dans la peinture, à comprendre les ressorts d'une série, à contempler une suite d'images, avec la même dévotion et passion que l'on porte aux retables ou aux icônes peintes.

Par conviction, Xie Lei a choisi la peinture parce qu'elle lui ouvre la voie d'un langage traduisant son univers sensible et un terrain d'expérimentation pour creuser la spécificité de ce médium dans la contemporanéité. Sa pratique part du réel mais s'en échappe pour explorer des mondes équivoques, incertains, que son imaginaire transforme. La plupart de ses tableaux renvoient à des situations troubles ou inquiétantes, discrètement rattachées à des souvenirs littéraires et cinématographiques, ou bien puisées au creuset profond des sentiments. Il s'attache à la complexité des évènements, des situations et surtout à leurs ambiguïtés, leurs tensions. Sa peinture récente intrigue par un entre-deux, celui du sommeil et la mort, du supplice et l'érotisme. Les couleurs sont sombres, mais mutent pour devenir lumineuses, puissantes. La touche est fluide ou plus en matière. La peinture telle que la pratique Xie Lei se singularise en délivrant une autre perception du temps : salutairement, elle propose de ralentir le regard et d'échapper aux ivresses de l'accélération et de l'immédiateté. ? " Xie Lei, artiste parisien originaire de Chine, compose des images et des scènes floues et ambiguës comme autant de tentatives de s'emparer du sentiment et de l'émotion quasi-impossible. Le résultat oscille toujours entre une obscurité sans fin et des lumières troublantes, obscurcissant et déformant l'apparence des choses, les silhouettes des corps et les expressions des visages. Les interactions-intercourses entre les corps masculins ou les expressions les plus intimes de l'amour apparaissent souvent comme un thème principal. Mais elles sont toujours quelque peu dissimulées par une sorte de vernis mêlant ombre et lumière, suggérant une lutte éternelle pour négocier avec le désir et les contraintes, le plaisir sexuel et la violence fatale... Ce vernis révèle la véritable substance du principe de plaisir - le Lustprinzip tel que le conceptualise Freud - et incarne l'état réel de la vie érotique : douleur et beauté ! " Extrait du texte de Hou Hanru Xie Lei (né en 1983 en Chine) vit et travaille à Paris depuis 2006. Il est diplômé de la CAFA de Pékin et de l'ENSBA de Paris. Ses oeuvres ont été exposées dans de nombreuses institutions : Mendes Wood DM, São Paulo (BR) ; Meessen de Clercq, Bruxelles (BE) ; PS120 , Berlin (DE) ; MAC VAL, Vitry-sur-Seine (FR) ; Langen Foundation, Neuss (DE) ; Musée national de l'histoire de l'immigration, Paris (FR) ; Fondation Yishu 8, Pékin (CH) ; Fondation d'entreprise Ricard, Paris (FR). Ses oeuvres figurent dans des collections publiques et privées, telles que celles du MAC VAL, de la fondation Colas, de la Burger Collection et du X Museum à Pékin. Xie Lei a été pensionnaire de la Casa de Velázquez à Madrid en 2020-21 et de la Fondation Boghossian en 2022. Avec " Corpus Painting ", Semiose éditions lance une nouvelle collection éditoriale entièrement dédiée à la peinture. En 48 pages, relié façon beau livre, chacun des opus se concentre sur un ensemble précis de tableaux, complété d'un texte en français et en anglais signé d'une personnalité du monde de l'art. Une invitation à plonger dans la peinture, à comprendre les ressorts d'une série, à contempler une suite d'images, avec la même dévotion et passion que l'on porte aux retables ou aux icônes peintes.

Avec " Corpus Painting ", Semiose éditions consacre une nouvelle collection éditoriale entièrement dédiée à la peinture. En 48 pages, relié façon beau livre, chacun des opus se concentre sur un ensemble précis de tableaux, complété d'un texte en français et en anglais. Une invitation à plonger dans la peinture, à comprendre les ressorts d'une série, à contempler une suite d'images, avec la même dévotion et passion que l'on porte aux retables ou aux icônes peintes. Dépourvu de motifs picturaux, de récits et parfois même de couleurs, l'oeuvre de l'artiste texan Otis Jones est discret mais intensément physique et obstinément original. Fuyant le grandiose, le peintre s'intéresse à l'essentiel : la relation entre la forme, la composition, la couleur et les nuances subtiles qui donnent à ses tableaux un caractère méditatif. Pour obtenir une texture abrasée d'une intense profondeur visuelle, l'artiste répète un rituel empirique immuable : les toiles, grossièrement découpées, sont fixées sur des cadres en bois de forme irrégulière, puis peintes et poncées alternativement. Un nombre limité d'éléments formels sont employés - lignes, points et carrés - dont les couleurs contrastées sont extraites des couches précédentes et suffisamment importantes pour être épargnées de l'effacement. de permanence. ?? Né à Galveston, au Texas (US), en 1946, Otis Jones est diplômé de l'Université d'Etat du Kansas en 1969 et de l'Université d'Oklahoma en 1972. Ses oeuvres figurent dans de nombreuses collections privées et publiques telles que le Dallas Museum of Art, le Hammer Museum (Los Angeles), le Museum of Fine Arts (Houston), le San Antonio Museum of Art et le Nelson Atkins Museum of Art (Kansas City).

La suite tant attendue de l'histoire aux 300 000 lectrices sur Wattpad ! - Une romance validée par les lectrices Wattpad - Une histoire d'amour homosexuelle captivante - Une édition attendue par ce public qui dévore ! - Une nouvelle auteure pour Nisha Etc... Un amour de vacances peut-il survivre à l'été ? Sous le soleil méditerranéen, l'attachement liant Adam et Loup s'est progressivement teinté d'amour. D'un baiser, les deux garçons ont scellé cette attirance qui les poussait l'un vers l'autre. Mais le monde d'Adam s'écroule, lorsqu'il réalise que ses parents ont des projets bien différents de ceux qu'il avait imaginés pour la maison. Perdant tous ses repères, il se laisse rattraper par ses vieux démons. Mais l'ont-ils jamais quitté ? Son histoire avec Loup est vouée à s'achever avec l'été, alors qu'il parvient seulement à accepter des émotions profondément enfouies en lui. Le temps leur étant compté, Adam devra faire un choix : renoncer, ou faire le voyage jusqu'au bout. Et s'il décide d'ouvrir totalement son coeur à Loup, il devra non seulement affronter le passé, mais aussi lui-même. Entre le bord de mer et les champs de lavande, Adam trouvera-t-il la sérénité dont il a tant besoin ? Loup peut-il lui offrir plus qu'un bonheur éphémère ?

Adam réussira-t-il à chasser ses vieux démons ? Adam est un jeune homme anxieux et solitaire qui n'aime ni le soleil ni les contacts humains. Sa seule passion ? Dessiner des paysages et des étoiles, seul dans sa bulle. Cet été, il doit suivre ses parents dans leur maison de campagne sous le soleil méditerranéen, et c'est peu dire que cette perspective ne l'enchante pas... Mais Adam ne se doute pas que ces vacances vont bouleverser sa vie et lui faire découvrir un arc-en-ciel jamais vu dans son monde tout en nuances de gris. A peine arrivé, il fait la rencontre de Loup, un garçon aussi solaire que lui est timide. Loup va l'aider tout en douceur à dépasser ses limites, à sortir de sa zone de confort. Et bien plus encore... Se donneront-ils la permission d'aimer ? Une histoire entre les jeunes hommes est-elle possible ? N'est-elle forcément que l'histoire d'un été ? Adam est-il enfin prêt à découvrir celui qu'il est vraiment ?

Avec " Corpus Painting ", Semiose éditions consacre une nouvelle collection éditoriale entièrement dédiée à la peinture. En 48 pages, relié façon beau livre, chacun des opus se concentre sur un ensemble précis de tableaux, complété d'un texte en français et en anglais. Une invitation à plonger dans la peinture, à comprendre les ressorts d'une série, à contempler une suite d'images, avec la même dévotion et passion que l'on porte aux retables ou aux icônes peintes. Peintre du silence, Hiroshi Sugito agence dans ses toiles des décors dépouillés propices aux chimères et fantaisies. Malgré des motifs discernables, il flotte une atmosphère parée de mystère, qui distille autant de complexes énigmes à dénouer. Pour obtenir cette transparence voilée, Sugito use d'une technique de couches alternées d'acrylique et de pigments secs, dans une palette aux tons délicats. Il compose ses tableaux en s'appuyant sur des formes géométriques structurantes, des principes de symétrie et des perspectives biaisées, qui stylisent encore ses sujets et les nimbent de théâtralité. ?? Hiroshi Sugito est né à Nagoya en 1970. Elève de Yoshitomo Nara, il est affilié au mouvement Tokyo-Pop (comme Murakami entre autres). Ses oeuvres ont été très régulièrement exposées au Japon et à l'étranger depuis les années 1990 (Modern Art Museum of Fort Worth, Texas, 2006, Miyagi Museum of Art, Miyagi, 2015, Musée Bernard Buffet, Shizuoka, 2015, Tokyo Metropolitan Art Museum, 2017, musée d'art contemporain Hara, Tokyo, 2009, The National Museum of Art, Osaka, 2010, Museum Haus Konstruktiv, Zurich, Suisse, 2014, musée d'art contemporain de Cracovie et Kunstmuseum Moritzburg en Allemagne, 2015. Ses oeuvres font partie de nombreuses collections internationales, notamment celles du SFMOMA, des collections Saatchi à Londres, Goetz à Munich et du musée d'art de la préfecture d'Aichi.

Premier livre en français de l'artiste américaine Philemona Williamson, le Corpus Painting qui lui est consacré constitue une introduction à son oeuvre pour une audience européenne. " Les compositions dynamiques dans l'univers de Philemona Williamson cartographient les zones grises et les souvenirs opaques de l'adolescence dans des couleurs luxuriantes et des formes exubérantes. Ses personnages sont entièrement autonomes, offrant des récits ouverts et posant plus de questions qu'ils n'offrent de réponses. Bien que Philemona Williamson soit une gardienne de la mémoire, elle en comprend les caprices et permet à ses personnages, animés ou inanimés, de garder leurs propres secrets. Dans son oeuvre, la jeunesse est une expérience mystérieuse, sensorielle, voire sensuelle. Les somptueuses histoires qu'elle raconte naviguent entre le poids imminent de l'âge adulte et l'innocence pleine d'espoir de la jeunesse. " Adrienne L. Childs "Corpus Painting" de Semiose éditions propose une collection éditoriale entièrement dédiée à la peinture. En 48 pages, relié façon beau livre, chacun des opus se concentre sur une suite de tableaux précisément choisis, complété d'un texte en français et en anglais signé d'une personnalité du monde de l'art. Une invitation à plonger dans la peinture, à comprendre les ressorts d'une série, à contempler une série d'images, avec la même dévotion et passion que l'on porte aux retables ou aux icônes peintes.

At the end of the 15th century, the underground ruins of Emperor Nero's famous palace were discovered in Rome : the Domus Aurea. The walls were painted with sumptuous symmetrical decorations teeming with a host of bizarre animals and mythical creatures. This was the beginning of a new visual language, which was known as 'grotesque' after the site found in 'grotto-like' ruins. Hans Vredeman de Vries and Cornelis Floris spread the grotesque style with its endless variations through their printed designs. In the 16th century, grotesque ornaments became popular not only in painting and architecture, but also in glass painting, metalsmithing and book printing. Today we still link the term 'grotesque' to the capricious, bizarre, monstrous - but also to the caricatural and laughable. Bosch and Bruegel were the great pioneers of the grotesque in printmaking with their fantastic drolleries. James Ensor, Fred Bervoets, René De Coninck, Carll Cneut and others are part of a long tradition of artists who were, and still are, inspired by the grotesque : both as a concept and as a figural style.

In London in 1770 Georg Christoph Lichtenberg (1742-1799) remarked, 'What a work could be written on Shakespeare, Hogarth and Garrick ! There is something similar in the genius of all three. ' Two-and-a-half centuries on, Robin Simon's highly original and illuminating book takes up the challenge. William Hogarth (1697-1764) and David Garrick (1717-1779) closely associated themselves with Shakespeare, embodying a relationship between plays, painting and performance that had been understood since Antiquity and which shaped the rules for history painting drawn up by the Académie royale in Paris in the seventeenth century. History painting was considered the highest form of art : a picture illustrating a moment drawn from just a few lines in a revered text. Hogarth's David Garrick as Richard III (1745) transformed those ideas because, although it looked like a history painting, it was also a portrait of an actor in performance. With it, Hogarth established the genre of theatrical portraiture, a new and distinctively British kind of history painting. This book offers a fresh examination of theatrical portraits through close analysis of the pictures and of the texts used in performance. It also examines the central role of the theatre in British culture, while highlighting the significance of Shakespeare, Hogarth and Garrick in the European Enlightenment and the rise of Romanticism. In this context another trio of genius features prominently : Lichtenberg, Gotthold Ephraim Lessing and Denis Diderot. Familiar paintings and performances are seen in an entirely new light, while unfamiliar pictures are also introduced, including major paintings and drawings that have never been published. The final chapter shows that the inter-relationship between plays, painting and performance survived into the age of cinema, revealing the pictorial sources of Laurence Olivier's legendary film Richard III.

Pourquoi l'hyène a-t-elle peur de son ombre ? Pourquoi la biche-cochonne vit-elle en parfaite harmonie avec les lions ? Pourquoi le cheval et l'hippopotame se sont-ils fâchés ? Vous trouverez toutes les réponses dans ce recueil de contes de la tradition orale pour petits et grands.

Artiste-photographe-plasticien, "peintre et chorégraphe" de lumière, dans ce tout premier livre dédié au light painting, Jadikan dévoile les techniques et savoir-faire qui permettent de créer et de photographier des uvres lumineuses dans la nuit ou dans l'obscurité. Repérages, élaboration et répétition des mouvements, choix des sources lumineuses fixes ou mobiles, réglages du boîtier, maîtrise de la pose longue, cet ouvrage très détaillé et magnifiquement illustré accompagnera aussi bien les débutants que les light painters plus aguerris, qui cherchent à développer et à améliorer leurs techniques pour peindre dans l'espace ou révéler et sublimer des objets dans le noir.

Contributeurs : Philippe Antoine, Gérard Bastide, Liouba Bischoff, Laura Carvigan-Cassin, Hélène Dubail, Ariane Dupont-Kieffer, Anna Krykun, Gilles Louÿs, Claude Marthaler, Sabrina Messing, Lucie Nizard, Raphaël Piguet, Céline Piot et Michela Toppano.

This is the first catalogue of the collection of early modern ceramics in the Courtauld. The pieces in the collection showcase brilliantly the skill of potters and pottery painters working at the time of Raphael and Titian. Maiolica is one of the most revealing expressions of Renaissance art. Its extraordinary range of colours retain the vividness that they had when they left the potter's kiln. Italian potters absorbed techniques and shapes from the Islamic world and incorporated ornament and subject matter from the arts of ancient Rome. This new approach to pottery making, combined with the invention of printing, woodcut and engraving, resulted in an extraordinary type of painted pottery, praised by Vasari in his Lives of the Artists for 'surpassing the ancient with its brilliance of glaze and variety of painting'. The collection boasts a magnificent group of vessels made during the high Renaissance, the golden age of Italian maiolica. It includes precious and delicate Deruta lustreware with imagery deriving from Perugino and Raphael, as well as vessels painted in a narrative style of pottery painting known as istoriato. Highlights include vessels depicting episodes taken from the first printed Bibles of the Renaissance. Istoriato maiolica flourished particularly in the lands of the Dukes of Urbino, who promoted this craft by sending painted pottery to prestigious patrons across Europe. Emblems and devices painted on the pottery help us understand that they were meant to be used and enjoyed by the elites in Renaissance society, such as the Medici and other great Tuscan families. The catalogue will include two recent gifts to the Courtauld, a rare tile of the famous patroness of the arts Marchioness Isabella D'Este, and a refined dish painted with the story of Diana and Actaeon. All major Renaissance pottery centres are represented in the collection, including Siena, Faenza and Venice, as well as splendid examples of the mysterious pharmacy jars made at the foot of the mountain of Gran Sasso in the town of Castelli d'Abruzzo. These achievements of the art of pottery in the early modern period are completed by fine examples of Ottoman pottery, as well as examples of Valencian lustreware. Sani's introductory essay on the Victorian collector Thomas Gambier Parry will shed new light on the development of this fascinating collection, making links between Gambier Parry's artistic practice and his collecting and revealing new insights into his taste as a collector. Each detailed entry uncovers a wealth of new information on the provenance of the pieces.

"Sur les pavés des rues et sur les écorces des arbres, j'ai découvert des univers entiers. Je suis très peu au fait de ce que l'on appelle généralement "abstrait". L'abstraction pure serait pour moi une peinture dans laquelle on ne trouverait aucune affinité avec la vie, une chose pour moi impossible. J'ai cherché un monde "un" dans mes peintures mais pour le réaliser j'ai utilisé comme une masse tourbillonnante. Je n'assume aucune position définie. Peut-être que ceci explique la remarque faite par quelqu'un qui regardait une de mes peintures : Où est le centre ? " Mark Tobey, 1955 "I have discovered many a universe on paving stones and tree barks. I know very little about what is generally called "abstract" painting. Pure abstraction would mean a type of painting completely unrelated to life, which is unacceptable to me. I have sought to make my painting "whole" but to attain this I have used a whirling mass. I take up no definite position. Maybe this explains someone's remark while looking at one of my paintings : Where is the center ? " Mark Tobey, 1955

Brutalement licenciée de son poste d'archéologue en chef à l'Institut de Santa Fe, Nora Kelly accepte la proposition inattendue du milliardaire Lucas Tappan : diriger des fouilles sur le site de Roswell, où un ovni se serait écrasé en 1947 ! En fait de vaisseau spatial, Nora exhume les corps de deux inconnus abattus d'une balle en pleine tête. Pour faire la lumière sur ce mystère, elle a besoin de l'aide de Corrie Swanson, agente au FBI. A mesure que l'enquête progresse, les incidents se multiplient sur le chantier. Disparitions suspectes et morts violentes apportent bientôt la preuve qu'une puissance - extraterrestre ou non - est en action, prête à tout pour protéger certains secrets.

Je rêve d'une peinture love painting à lire toute nue qui lorsqu'on l'applique sur une surface plane révèle toutes tracées les lettres majuscules du graffiti : " Barbara ti amo ", les peint déjà écrites_ Devant et de profil, je passe en souriant et en faisant semblant d'être Barbara.

Peter Norton's Complete Guide to Linux is yet another comprehensive, user-friendly guide in the highly acclaimed Norton style. Its unique, hands-on, step-by-step approach teaches the features of the most popular distributions of Linux. Norton and Griffith pave the way to a better understanding of Linux. Learn about all the newest technologies available for increasing your operating system capabilities-such as the Gnome and KDE user interfaces, networking with Samba and NFS, and installing the many built-in servers. You will find Peter's Principles, communications, networking, printing, performance, troubleshooting, and compatibility tips throughout the book. Whether you're just starting out or have years of experience, Peter Norton's Complete Guide to Linux has the answers, explanations, and examples you need.

" Il comprend maintenant que l'homme qui l'a enlevé et séquestré depuis trois jours, l'homme qui est devant lui est Marc Barroux. Celui qu'il a contribué à spolier de son héritage pour satisfaire les exigences du groupe américain Koehble Printing Inc. soutenu par le maire de Haubourg, le président du tribunal de commerce et le député de la circonscription. Il réalise qu'il va payer cette compromission. Il a bien des fois eu un léger remord lorsqu'il rendait un arrêt qu'il savait injuste, mais maintenant quelqu'un lui demande des comptes ". Tout commence à Haubourg préfecture très France profonde, embourgeoisée et recluse dans son microcosme. Pourquoi Marc, simple expert-comptable parisien, à la vie bien rangée, devient-il un vrai tueur en série dès qu'il entre dans l'univers de cette ville conformiste et patricienne ?

Mark Rothko (1903-1970) est un peintre américain. C'est dans les années 50 que sa carrière démarre véritablement, notamment grâce au collectionneur Duncan Phillips qui lui achète plusieurs tableaux et lui consacre une salle entière de sa collection. Après avoir expérimenté l'expressionnisme abstrait et le surréalisme, Mark Rothko invente une nouvelle façon, méditative, de peindre, que Clement Greenberg définira comme le Colorfield Painting. Dans ses toiles il s'exprime exclusivement par le moyen de la couleur qu'il pose sur la toile en aplats à bords indécis, en surfaces mouvantes, parfois monochromes et parfois composées de bandes diversement colorées. Il atteint ainsi une dimension spirituelle particulièrement sensible.

Diana Armfield RA Hon RWS NEAC a un attachement personnel pour ses sujets et une affinité subtile et distincte avec les rythmes de formes et de tons. Ces qualités font d'elle une personne influente et populaire dans l'art moderne britannique. Ses représentations de fleurs lui ont valu de grands éloges mais ce livre (créé pour marquer son 100ème anniversaire), représente pleinement sa sensibilité pour les paysages et les lieux. Sa vie fascinante d'artiste est actualisée dans ce livre qui regroupe un nombre exaltant de ses oeuvres les plus récentes. 'I think I was born making things', Diana comments to Andrew Lambirth, whose absorbing interview with her forms the narrative thread of Diana Armfi eld : A Lyrical Eye. Diana's was a creative childhood steeped in experiments with drawing, pottery and embroidery, played out against the backdrop of a picture-fi lled house, a lovely garden and an artistic family. She studied at Bournemouth, Slade and Central art schools, starting out as a talented textile designer - a legacy that lent her a unique approach to the geometry, cadences and colour qualities of a painting. After organising cultural activities for workers and troops in World War II, Diana became one half of a successful partnership designing textiles and wallpaper, whose work featured in the Festival of Britain in 1951. The 1960s brought a turn to painting and from 1966 Diana has been a regular exhibitor at the prestigious Royal Academy Summer Exhibition. She has continued to paint and draw throughout her life and, as this book clearly demonstrates, always thinks afresh about each subject she tackles in order to respond to it with a close, warm sincerity. Diana Armfield : A Lyrical Eye charts Diana's personal and artistic journey with over 200 beautiful reproductions of her work, tracing favourite subjects and events - from a Welsh landscape to an informal flower display or the much-loved location of a painting trip in Italy or France. Andrew Lambirth's interview also explores the unique bond with her husband, painter Bernard Dunstan, who died in 2017, looking at how two leading artists interwove their personal and creative lives over a marriage of almost 70 years. As well as this interview, Andrew has contributed an essay on Diana's work to the book. Diana's standing and popularity have led to regular exhibitions, especially at prominent London gallery Browse & Darby. Her work is held in private and public collections worldwide, from London's V&A to the Yale Center for British Art.

Accompanying a major exhibition of new and recent works by Peter Doig at The Courtauld, London, this publication will present an exciting new chapter in the career of one of the most celebrated and important painters working today and will include paintings and works on paper created since the artist's move from Trinidad to London in 2021. Doig (born Edinburgh, 1959) is widely acknowledged as one of the world's leading artists. He secured his early reputation in the 1990s as a highly original figurative painter, producing large-scale, immersive landscape paintings that exist somewhere between actual places and the realms of the imagination. Layered into his paintings is a rich array of inspirations, such as scenes from films, album covers, and the art of the past. His works are often related to the places where he has lived and worked, including the UK, Canada and Trinidad. In 2021, Doig moved back to London where he has set up a new studio. This new studio has become the crucible for developing paintings started in Trinidad and New York and elsewhere, which are being worked up alongside completely fresh paintings, including a new London subject. The works produced for the exhibition at The Courtauld convey this particularly creative experience of transition, as Doig explores a rich variety of places, people, memories and ways of painting that have accompanied him to his new London studio. For Doig, printmaking is an integral part of his artistic life : his prints and his paintings often work in dialogue with one another. The catalogue will also showcase the artist's work as a draughtsman and printmaker by exploring a series of his new and recent drawing and prints, allowing readers to consider the full span of Doig's creative process. Doig has long admired the collection of The Courtauld Gallery. The Impressionist and Post-Impressionist artists who are at its heart have been a touchstone for his own painting and printmaking over the course of his career. His works presented here will reflect his current artistic preoccupations, from remarkable landscapes to monumental figure paintings. Readers will be able to consider Doig's contemporary works in the light of paintings by earlier artists in The Courtauld's collection that are important for him, such as those by Cézanne, Gauguin, Manet, Monet, Pissarro and Van Gogh. The publication will explore how Doig recasts and reinvents traditions and practices of painting to create his own highly distinctive works.

Maison Lescop, a historic residence in Port-Louis, Brittany, has conserved its original eighteenth-century decor that was conceived for a French importer for the East Indian trading company. Today, it is the home and restoration project for the creative duo behind the Parisian design team Antoinette Poisson. Enchanted by the poetic beauty of hand-painted domino paper prints-from floral and fauna to geometric and ikat-they have appointed their new home with elegant decorative touches : handcrafted lampshades, wallpaper-lined cupboards, assorted table settings, and luxurious textiles. Celebrating a French lifestyle inspired by the charm of the eighteenth century-through its objects, gastronomy, and traditional savoir faire-the authors invite readers to share their art de vivre throughout the seasons- from gathering shellfish on the beach to shopping at the local market, from antiquing to foraging, and from indigo textile dyeing to block-printing on artisanal paper. This book is an ode to timeless pleasures and a life well-lived... à la française.

De l'ornemental à l'expression des médias en travail social, Thierry LIMA Cet ouvrage s'adresse aux professionnels du secteur du social et médico-social. Il retrace mon cheminement vers la recherche d'une méthodologie de formation en médias éducatifs et met en avant la place de ces médias dans la formation des futurs professionnels, mais aussi aux personnes accueillies en structure. J'y présente une approche de l'activité du maquillage artiste, des témoignages d'anciens étudiants mais aussi celui d'une amie qui a servi de modèle pour un body painting, ainsi qu'une analyse d'un psychologue et un sociologue sur l'apport des médias éducatifs dans la formation et le secteur du social.

La nouvelle série du duo de choc Preston & Child (n°1 des ventes du New York Times), mêlant archéologie, suspense et enquête policière, met en scène la scientifique Nora Kelly et la jeune Corrie Swanson, du FBI. Par les créateurs de l'inspecteur Aloysius Pendergast, le Sherlock Holmes des temps modernes. La troisième enquête de Nora Kelly & Corrie Swanson Brutalement licenciée de son poste d'archéologue en chef à l'Institut de Santa Fe, Nora Kelly rebondit de façon pour le moins surprenante en acceptant la proposition du milliardaire Lucas Tappan : effectuer des fouilles sur le site de Roswell, où un ovni se serait écrasé en 1947 ! En fait de soucoupe volante, Nora découvre les corps de deux inconnus abattus d'une balle en pleine tête. Le crime est ancien, aussi l'agent Corrie Swanson du FBI est-elle appelée à la rescousse afin d'identifier les cadavres. A mesure que progresse l'enquête, les incidents se multiplient sur le site de fouilles, où Nora se refuse à croire au crash d'un engin extra-terrestre... en dépit d'indices concordants. Morts violentes et disparitions suspectes apportent bientôt la preuve qu'une force puissante est en action, prête à tout pour protéger certains secrets. Sans doute l'enquête la plus périlleuse de Corrie Swanson.

"Every grand party is an opportunity to celebrate life. A party is like a beautiful painting that you may carry forever in your mind-a possession that you'll never give away and that no one can ever steal. Guendalina Litta is an artist, and her medium is the party". - Axel Vervoordt Guendalina Litta is a preeminent bespoke event planner. " Tout rassemblement peut être une façon de célébrer la vie. Une fête, c'est comme un beau tableau qui ne cesse d'occuper votre esprit ; quelque chose dont on ne se séparera jamais et que personne ne peut vous prendre. Guendalina Litta est une artiste, et la fête son moyen d'expression". - Axel Vervoordt Guendalina Litta est réputée pour les réceptions exceptionnelles qu'elle organise.

Lessons in Beauty explores the connections between art and education, and, more specifically, the links among the art of painting, the training of artists and the education of adults. From a historical point of view, five kinds of relationships are examined in this volume. In each case, one can speak of 'lessons in beauty', be it the transmission of moral messages through visual means, the professional training of painters, the aesthetic edification of the working class, the educational activities of museums or the attempts to indoctrinate adults in matters of art. Growing attention to these and similar topics can be explained by an increasing interest in the aesthetic element within contemporary postmodern society. In each essay, therefore, an association is made with present-day developments and ideas.

Le jeu, toujours recommencé, est donc infini. Assemblages, recouvrements, juxtapositions. Bleus, rouges, jaunes. Lignes, surfaces, figures. Une exposition de Georges Troubat est toujours une expérience singulière : comme un musicien avec un ensemble limité de notes, l'artiste multiplie les variations, les improvisions, offrant l'étonnante impression d'un ruissellement permanent. Cet homme a toujours été très actif dans sa vie ; rien n'est définitif, le courant nous emporte et il nous faut nager avec lui. L'acte créatif n'existe que répété puisqu'il est lié à la marche, aux mouvements du temps, aux passages des saisons, aux rythmes du monde. La peinture de Georges Troubat est vivante, au sens plein : elle régie son pas sur les impulsions du vivant. Son animation procède de la vie elle-même, à laquelle elle retourne comme un acquiescement permanent. Cet homme que l'on croit pressé est un nageur ébloui, et sa peinture témoigne pour un monde qui ne serait qu'éblouissement. The game that is started over and over, is then infinite. Assemblages, collections, juxtapositions. Blus, reds, yellows. Lines, textures, shapes. An exhibition of Georges Troubat is always a peculiar experience : just like a musician with a few limited notes, the artist multiplies the variations, improvisations, offering the astonishing feeling of an on-going flow. This man was always very active in his life, but nothing lasts forever, the flow takes us with it and we have to swim with it. The creative act only exists by repetition as it's tied to the pace, to the mouvements of time, to the passing seasons, to the world's rhythms. George Troubat's painting is alive, taking on the whole meaning of the word : it regulates its pace on the impulsion of the living. Its animation begins from life itself, to whom it goes back to, like a perpetual approbation. This man, who we think in a hurry, is a dazzling swimmer and his painting attests for a world which would only be dazzling.

Ce volume rassemble plus de 25 essais érudits, critiques et contributions plus courtes de Peter Hecht, précédés d'une introduction sur ce que, selon lui, sa vie dans l'histoire de l'art lui a enseigné. Le titre indique ce que les documents qu'il a rassemblés ont en commun : ensemble, ils représentent la manière d'écouter ce que l'on voit. Hecht se méfie d'appliquer une méthode et pense qu'il est essentiel d'observer une image jusqu'à ce qu'elle nous parle pour pouvoir la comprendre. D'ailleurs, il a beaucoup oeuvré pour prouver qu'il ne suffit pas de simplement étudier le sujet d'une image en tant que tradition iconographique mais qu'on devrait également l'étudier au sein de l'oeuvre complète de l'artiste qui l'a faite. Hecht's attitude has supplemented and corrected the iconological approach to Dutch seventeenth-century painting, and some of his best-known critical papers are included here. So are a few contributions on the changing taste for specific kinds of Dutch painting and an iconographical study that brought to light the subject of one of Rembrandt's most ambitious early works, which had remained unrecognized ever since it was discovered in1924. Its composition had always been misread, and it was again a matter of listening to what you see before its subject could be identified. Apart from a few scholarly reviews, Listening to what you see also contains a sample of Hecht's writings for the public at large. Defending public art collections, showing what art can mean in times of crisis when it is not accessible, as was the case when Covid forced the museums to shut down, and talking about what art may do for us - provided that we listen. The volume ends with a personal musing on a picture by P. C. Wonder and a tribute to Charles Donker, the outstanding print maker

Né en 1957, George Condo s'inspire librement de l'histoire de la peinture occidentale qui l'a précédé. Après avoir travaillé auprès d'Andy Warhol à la Factory, il va s'imposer comme l'un des artistes majeurs de la génération où émergent aussi Jean-Michel Basquiat et Keith Haring. Proche de la scène new-yorkaise, il collabore avec l'écrivain William Burroughs et le poète Allan Ginsberg dans le cadre d'un film, le Condo Painting de John McNaughton.
Il vit et travaille entre New York et Paris, où il séjourne fréquemment. Enfant du Pop Art, Condo qualifie son art de "réalisme artificiel" et cherche à offrir une reproduction crédible d'un monde factice. Il a, ainsi, emprunté à l'univers des dessins animés le personnage fétiche de Big Red, mais... traité comme un Rembrandt !

Chu Teh-Chun (1920-2014) est un acteur majeur de la peinture gestuelle abstraite. Né en Chine au sein d'une famille d'amateurs d'art, il est formé à l'Académie des beaux-arts mais subit la guerre sino-japonaise, des tragédies familiales, la disparition quasi totale de ses oeuvres de jeunesse puis l'exil - en 1949 vers Taïwan et en 1955 vers Paris, où il s'installe enfin. C'est dans ce cadre apaisé que son abstraction orageuse voit le jour. Excluant toute géométrie patente, celle-ci est constituée de nébuleuses et autres maelströms polychromes, modelés par de puissants effets de clair-obscur. Atmosphérique et hors échelle, chaque tableau est une matrice où notre vision se projette et s'abîme, nous faisant perdre tout repère spatial ou sémantique. Nourri de peinture tant classique que moderne, tant asiatique qu'occidentale, Chu formule la sensation mnésique du paysage, l'essence dynamique du geste et le surgissement de la lumière. La mise en perspective historique, au gré de parallèles, analogies et autres résonances, nous invite à cerner la singularité d'un régime abstrait sous-tendu par la logique organique du vivant, les formes et les forces de la nature, leurs phénomènes naturels, leur fluidité éruptive et leurs révolutions cosmogoniques. Car Chu s'est longtemps trouvé quelque peu en marge de son époque, en raison peut-être d'une personnalité réservée et d'un rejet de principe de toute stratégie commerciale. L'objet de cette monographie est donc, à l'aune du recul historique et du succès actuel de l'oeuvre, de qualifier certains de ses enjeux esthétiques et d'aider à dissiper quelques malentendus qui ont pu entourer sa réception. Chu Teh-Chun (1920-2014) is a major figure in the history of gestural abstract painting. Born in China into a family of art lovers, he trained at the Academy of Fine Arts in Hangzhou. Then came the Second Sino-Japanese war, family tragedy, the loss of nearly all his early work, and finally, exile-to Taiwan in 1949, then, in 1955, to Paris, where he settled. This peaceful home witnessed the emergence of his tortured abstraction, devoid of obvious geometry, in which polychrome nebulae and maelstroms clash with violent chiaroscuro effects. Atmospheric, impossible to scale, each painting is an arena into which vision is projected and submerged amid a loss of spatial and semantic bearings. Steeped in painting both classical and modern, Asian and Western, Chu's art recreates the memory of a landscape, the dynamic essence of gesture, and the brilliance of light. This study, by placing his work in its context, using parallels, analogies, and other resonances, focuses on the singularity of his approach to abstraction, underpinned by the organic logic of the living world, by natural phenomena, forms, forces, and by their eruptive fluidity and cosmogonic revolutions. For many years, Chu remained a somewhat marginal figure, perhaps because of his reserved personality and his principled rejection of commercial strategies. Making the most of historical perspective, and in light of the artist's current recognition, this monograph sets out to define some of the aesthetic themes shaping his work and to help dispel some of the misunderstandings that have surrounded its reception.