abstrait

Cette introduction vivante raconte l'histoire en constante évolution de l'art abstrait, retraçant son histoire du début des années 1900 jusqu'à nos jours. Emergeant des mouvements occidentaux comme le cubisme et l'expressionnisme, l'art abstrait est rapidement devenu un phénomène mondial qui a changé le visage de l'art moderne et contemporain. L'abstrait, pour de nombreux artistes, offre de nouvelles façons de comprendre le monde qui nous entoure. Stéphanie Straine démystifie le travail de plus de soixante-dix artistes innovants du monde entier de Vassily Kandinsky à Emma Kunz et Rana Begum, redonnant leur place aux artistes femmes bien souvent oubliées. Une section de référence comprend une chronologie des principales expositions, des suggestions de lectures complémentaires, un glossaire des termes artistiques ainsi qu'un index.

Etude des éléments abstraits du théâtre de Molière : dans certains de ses thèmes (le double, le masque, etc.), dans son style, dans son architecture parfois complexe ou encore dans ses dimensions métaphysiques.

Une fissure noire sur un sol ou un mur gris. Dessine-t-elle un soleil ? Un ballon qui laisse pendre son fil ? Un soleil qui ne tient qu'à un fil ? Nous conduit-elle dans le poêle de Descartes ? Ou dans la faille obscure qui se niche au coeur des images ? ABSTRACT : un résumé, mais aussi une abstraction. L'abstraction de l'image n'est-ce pas une façon de faire apparaître sa structure masquée, celle qui règle sa composition, l'ordonnancement géométrique secret de ce qui nous est donné à voir ? Abstraire, c'est viser le concept, ou plutôt, ici, l'idée en bousculant l'écran. To abstract c'est soustraire, soit faire apparaître ce qui est soustrait, implicite dans l'image. ? Le cadre, qui sous-entend mais aussi fait oublier ce qui le déborde, car la perspective, immanente à la photographie, l'implique comme l'avait montré Panofsky pour la peinture ; le noir et blanc qui magnifie les couleurs en les absentant ; 4 le silence assourdissant des images. Mais en dé-figurant la photographie, Olivier Degen ne nous indique-t-il pas ce qui nous aveugle dans l'image pour essayer de nous faire voir ce que l'écran des formes où nous nous identifions, où nous nous logeons, rend invisible. Le regard est ce qui manque à ce que nous voyons, c'est pourquoi, sans doute, je regarde pour ne pas le voir. To abstract c'est aussi extraire. En effet, à proprement parler, il ne s'agit pas de photographies abstraites comme il en existe, mais de transitions, d'images s'abstrayant comme lorsque le crépuscule ou la lente clôture des yeux nous les dérobe. L'image saisit-elle alors le silence qui se déroule inlassablement dans l'écoulement du temps, l'instant que masque le mouvement ? Ne nous oriente-t-elle pas, par un clin d'oeil, en déjouant la fixation intemporelle de ce qui est absolument éphémère, vers ce qui est au-delà de l'apparence et qui se tient dans le silence, innommable ? Ou encore est-ce une vue myope dans la pénombre qui rend les images inquiétantes comme l'astigmatisme hypothétique du Gréco en son temps ? Ou, supposons, une image que le photographe voudrait nous faire croire aussi involontaire que le lapsus de Portia qui n'avait pas échappé à Freud, un appui comme imprévu sur le déclencheur, une pellicule qu'on 5 n'aurait pas remontée, un acte manqué du photographe qui réussirait à saisir ce qui ne se voit pas, ce que le cliché se doit d'ordinaire effacer. Dans ce cas s'agit-il, en présentant ces images, qui sembleraient des rebuts, de contester. Alain Vanier -Psychanalyse

Un livre pour découvrir qui étaient les artistes de l'art abstrait, ce qu'ils aimaient peindre et comment ils peignaient. Un livre pour savoir pourquoi l'art abstrait est un des courants artistiques majeurs du XXe siècle. Un courant qui parle beaucoup aux enfants.

Ni mouvement ni discipline, l'art abstrait est surtout l'ouverture d'une nouvelle gamme de possibles. Art de la représentation mais non de la représentation de la réalité, il n'est pas lié au monde de l'apparence mais instaure un basculement radical contre une conception de l'oeuvre déterminée par le culte de la ressemblance. Sous ses différentes et nombreuses formes (émotionnelle, plastique, esthétique, symbolique, spirituelle...), il est avant tout une réflexion sur la peinture. Par le biais de nombreux domaines (scientifique, culturel, musical...), l'Art abstrait propose tout d'abord de retracer le parcours, l'histoire de ce "langage visuel", des premières expériences du début du XXe siècle jusqu'aux oeuvres actuelles, pour ensuite se consacrer aux artistes et aux mouvements, en expliquant leur démarche, leur évolution, des premières oeuvres de Kandinsky à celles contemporaines de Cy Twombly ou de Pierre Soulages. Toujours avec un seul et unique objectif : aider le lecteur à reconnaître mais surtout à comprendre cette forme artistique.

Peintre et théoricien, né à Moscou, Wassily Kandinsky (1866-1944) est un des tout premiers acteurs de la modernité artistique. Le fondateur du Blaue Reiter (1911) à Munich, apôtre de la couleur et de la résonance intérieure, a influencé par ses écrits et ses recherches en peinture nombre de mouvements ou d'écoles artistiques, de Dada au Bauhaus - où il enseigne de 1921 à 1933 -, en passant par De Stijl et le constructivisme russe. Admiré par André Breton, ami de Marcel Duchamp, proche de Paul Klee et de Hugo Ball, il entretint aussi des échanges nourris avec les musiciens de son temps comme Arnold Schönberg ou Thomas von Hartmann. L'auteur de Du spirituel dans l'art (1911) a laissé un ensemble considérable de peintures, mais aussi des gravures, des poésies et des compositions scéniques, qui se répartissent entre impressions (impressions du monde extérieur), improvisations (impressions du monde intérieur) et compositions (mise en tension des deux précédentes). Traversé par deux dynamiques actives, l'une allant du figuratif à l'abstrait, l'autre du profane au sacré, l'oeuvre de Kandinsky recèle un ensemble d'images voilées, porteuses du message de l'abstraction et de son inventeur, qui ont transformé notre rapport à la représentation. Spécialiste internationalement reconnu de l'oeuvre et de la pensée de Kandinsky, Philippe Sers présente le cheminement de l'artiste dans sa cohérence et dans son évolution interne. Son analyse s'appuie sur la documentation exceptionnelle à laquelle il a eu accès depuis le début de ses travaux, dans l'atelier même de l'artiste : les écrits autobiographiques, les textes théoriques et la correspondance du peintre apportent un éclairage radicalement nouveau sur un parcours créatif d'une exceptionnelle fécondité.

Peint à Munich en 1911, le Tableau avec cercle est le premier tableau abstrait de Kandinsky et non moins dans l'histoire de l'art moderne. Pourtant cette oeuvre fut de longues décennies durant une énigme pour l'histoire de l'art et de même que pour l'artiste à qui la réalisation de cette peinture a posé des problèmes complexes. Laissée "en dépôt" à Moscou en décembre 1921 lors du départ de Kandinsky pour Berlin, l'oeuvre disparaît par la suite dans les oubliettes de l'histoire. Kandinsky n'arrive même pas à obtenir une photographie de cette peinture de la part de la Russie et qui de cette façon est réduite au silence. En raison de la censure culturelle exercée par le régime soviétique, elle disparaît de l'horizon et de l'histoire. A la fin des années soixante-dix, bien après la mort de l'artiste, elle est redécouverte en URSS et présentée en public qu'en 1989. Pourtant, à ce jour, cette oeuvre capitale dans l'histoire de l'art moderne, n'a pas bénéficié d'une étude exhaustive et de ce fait, n'occupe pas la place qui lui revient dans notre Panthéon culturel. Au delà d'une interprétation novatrice, ce livre dévoile les multiples niveaux de censure dont la première abstraction a souffert à l'époque de sa création et souffre probablement encore. Tableau avec cercle est interprété par Andréi Nakov avec un regard neuf et à l'aide de documents inédits concernant les circonstances de sa réalisation de même que ses sources culturelles. résultat d'une recherche autant exhaustive qu'exemplaire, ce texte permet d'appréhender le contexte culturel de l'époque et d'accéder à l'essence de l'esthétique kandinskienne.

L'équilibre de la peinture abstraite repose à la fois sur la merise technique et la spontanéité du geste. Pour vous guider sur le chemin de l'expression personnelle, Juliane Schack vous propose des exercices progressifs qui vous permettront de vous familiariser avec l'art abstrait et de trouver votre propre voie : recherche d'inspiration, mariage des couleurs, impression de matériaux ou encore peinture au couteau. Commencez par définir votre composition en vous laissant toucher par la beauté de ce qui vous entoure. Choisissez votre gamme de couleurs et testez vos mélanges. Essayez de trouver un juste équilibre entre relâchement et maîtrise du geste. La joie de créer, c'est libérer son imagination et exprimer ses émotions par les lignes, les formes et les couleurs.

Du choix du matériel à l'exécution d'un tableau, Pascal Gauthier vous guide dans l'utilisation du pastel, explorant aussi bien les pistes de l'art figuratif que de l'abstraction. De la rencontre de la poudre, du papier et de son oeil d'artiste sont nés plus de 30 tableaux à la touche instinctive, abordés en détail dans cet ouvrage. Appuyez-vous sur sa méthode et ses conseils, nourris par son expérience, afin de vous lancer ou de progresser dans l'an du pastel... sans craindre de rater, ni de réussir !

Inventeur de l'art abstrait, Kandinsky (1866-1944) compte parmi les plus grands artistes de notre temps. Sa pensée a inspiré toute la modernité, de Dada au constructivisme en passant par De Stijl, le Bauhaus et même le surréalisme. Il fut l'ami de Jean Arp, de Paul Klee, de Marcel Duchamp et d'André Breton, ainsi que des musiciens Arnold Schönberg et Thomas von Hartmann. Ce livre, désormais classique, éclaire de l'intérieur une oeuvre énigmatique qui défie les analyses usuelles de l'image. Il montre comment s'est opéré chez Kandinsky le "passage à l'abstraction", et ce qu'il doit à la volonté de faire advenir une nouvelle forme de sacré. Peinture, poésie ou théâtre, chaque domaine de production entre en résonance avec l'univers terrestre et cosmique, au-delà de toute représentation directe. L'oeuvre d'art, langage de l'âme, devient aussi le lieu d'un partage et peut-être d'une communion où le spectateur est partie prenante. C'est opposer à l'analyse scientifique une autre démarche de vérité et un autre accès à l'Etre du monde. En lien avec la théorie kandinskienne des formes, des couleurs et de la composition, Philippe Sers étudie les fonctions supérieures que l'artiste attribue à l'image, les rapproche de la culture chinoise et de la tradition non narrative de l'icône. De multiples exemples, en chemin, viennent à l'appui de cette exploration qui ne dissocie jamais la théorie de la pratique. Le lecteur prend ainsi conscience du véritable pouvoir de l'art : nous conduire au-delà de nos limites.

Dans le Bas-Poitou, au coeur de Fontenay-le-Comte, se dresse la seule usine jamais imaginée par un artiste-peintre : l'Usine Etoile. Conçue avec l'aide de l'industriel Guy Biraud, ce tableau en relief de 20 000 m2 témoigne de l'esprit et des intentions plastiques de son extravagant auteur : né à Boulogne-sur-Mer en 1921, Georges Mathieu a laissé derrière lui une oeuvre iconoclaste qui n'a cessé de jouer avec les codes et les usages du monde de l'art. S'inscrivant dans le courant de l'Action Painting, ses immenses toiles calligraphiques ont inspiré le Street Art. Connu pour être l'inventeur en France de l'abstraction lyrique, l'artiste a vite laissé derrière lui ses vues réalistes de Londres pour des toiles non-figuratives où les formes sont détournées - voire détruites. Si Mathieu a évolué sur la scène artistique internationale, comme ses contemporains Jackson Pollock et De Kooning, il a toujours eu à coeur de faire entrer l'art dans le quotidien. Sa pièce de dix francs de 1974, son logotype d'Antenne 2 de 1975, et ses timbres postaux ou encore l'Usine Etoile, témoignent tous d'un véritable élan vers la vraie vie.

Note de l'éditeur Les Cahiers de Valéry furent écrits chaque jour (ou peu s'en faut) de 1894 à 1945, année de la mort de l'auteur, entre 4 h et 8 h du matin environ. Cette énorme masse de notes - pour la plupart des fragments - remplit 262 cahiers de formats très divers, dont l'édition en fac-similé couvre près de 26 600 pages. A plusieurs reprises, mais notamment à partir de 1921, Valéry entreprit de classer ses notes sous différentes rubriques ou chapitres, classement en vue duquel il copia puis fit copier ses textes, les relut, les annota parfois et donna à chacun un sigle correspondant à son thème majeur. Le classement de 1921-1945, laissé inachevé, reflétant ainsi l'attitude ambivalente de Valéry à l'égard de tout système clos, comprend trente rubriques (et de nombreuses sous-rubriques). L'édition thématique de la Pléiade a respecté ces rubriques, tout en faisant un choix à l'intérieur de chacune d'elles : elle n'a retenu en moyenne pour chaque rubrique qu'un dixième des notes qui s'y rapportent, les passages ayant été sélectionnés soit parce qu'ils sont caractéristiques de la pensée ou de la sensibilité de Valéry, soit pour leur beauté ou leur force (les deux critères se recouvrent souvent). A l'intérieur de chaque rubrique, les notes ont été ordonnées chronologiquement. Ce volume reproduit les trois chapitres Poèmes et PPA [Petits poèmes abstraits], Poésie et Ego scriptor tels qu'ils ont paru dans l'édition de la Pléiade (où on trouvera - également sous forme de choix - les vingt-sept autres chapitres, auxquels ont été jointes des réflexions de Valéry sur les Cahiers eux-mêmes). L'appareil critique de la Pléiade est ici refondu et enrichi de nombreux éléments nouveaux.

Comment l'idée d'un art abstrait s'est-elle imposée avant que celui-ci ne naisse officiellement aux alentours de 1910 ? Dans son ouvrage publié initialement en Allemagne en 1964 et traduit ici pour la première fois en français, Otto Stelzer apporte quelques éléments de réponse. Sondant la littérature et la philosophie, l'historien de l'art allemand traverse les XVIIIe et XIXe siècles, et cherche à comprendre ce qui a pu encourager la production d'oeuvres picturales non-figuratives depuis le début du XXe siècle. Si le thème de la genèse de l'art abstrait a déjà été traité dans de nombreux ouvrages et catalogues d'exposition, La Préhistoire de l'art abstrait d'Otto Stelzer y apporte un éclairage différent grâce à la diversité des sources convoquées. A travers ce texte se dessine également en filigrane un précieux témoignage des débats artistiques de l'Allemagne d'après-guerre. Imprégné de l'actualité des débats sur l'art informel au début des années 1960, Otto Stelzer interroge la préhistoire de l'art abstrait pour mieux comprendre, et mieux défendre, ses développements ultérieurs.

Une boîte contenant 5 tableaux imprimés en noir et blanc à compléter et à décorer grâce à 10 feuilles prédécoupées avec des formes et des couleurs différentes, un tube de colle, le mode d'emploi et une notice biographique sur Matisse, accompagnée de la présentation de ses oeuvres emblématiques. Thématique des formes.

Cette toute nouvelle édition, entièrement revue et augmentée, s'adresse à tous les candidats aux concours des institutions européennes qui souhaitent se préparer dans les meilleures conditions au test de raisonnement abstrait. Les questions de raisonnement abstrait se présentent sous la forme de séries de diagrammes contenant des formes géométriques qui sont répétées ou modifiées suivant une séquence logique. Le candidat doit identifier la logique sous-jacente et trouver le diagramme qui complète la série. Le test de raisonnement abstrait fait appel à des compétences que l'on n'a pas l'habitude d'utiliser dans la vie de tous les jours : capacité à visualiser des transformations géométriques (rotations, symétries, etc.), aptitude à repérer des analogies entre des formes complexes, etc. Chacun est capable de développer de telles compétences. Ce n'est pas une question d'intelligence, mais d'apprentissage. Les concours d'entrée dans les institutions européennes sont très sélectifs. La réussite au test de raisonnement abstrait est avant tout une question de méthode et d'entraînement. Cet ouvrage permet d'augmenter sensiblement vos chances de réussite. Il comprend : - une méthodologie détaillée illustrée par de nombreux exemples ; - 9 tests de 20 questions classées par niveau ; - un corrigé détaillé de chaque question. Les questions proposées dans cet ouvrage sont similaires à celles des concours organisés par l'EPSO depuis 2015. Elles sont différentes de celles de nos précédents ouvrages et de nos tests en ligne.

La création des premiers reliefs non-objectifs de Tatline au cours des années 1914-1916 est restée quasi mythique car, à quelques exceptions près, les oeuvres qu'il a réalisées à l'époque ont été perdues ou détruites. Voici la raison pour laquelle aujourd'hui la majorité d'entre elles ne sont connues que de façon documentaire. Pourtant, lors de leurs expositions à Moscou (1914-1915), à Saint-Pétersbourg (1915) ou à Berlin (1922) et Amsterdam (1923), les reliefs ont été reçus avec enthousiasme mais aussi rejetés, car ils constituaient une véritable révolution dans l'art. Ces oeuvres ont été par la suite éclipsées par le Monument à la IIIe Internationale (1919-1920), extraordinaire construction utopique qu'Alfred Barr qualifiait en 1936 de plus "ambitieuse oeuvre constructive" (du siècle) et qui tout au long du XXe siècle a fasciné plusieurs générations des deux côtés de l'Atlantique. L'histoire et la signification des premiers reliefs abstraits sont présentées dans ce livre avec de nombreux documents inédits et une interprétation qui le replace de façon nouvelle dans l'histoire de l'art moderne, russe (Malewicz, Popova, Exter et autres) et occidental (Boccioni, Barncusi). Une place toute particulière est réservée à la mise en valeur des sources cubistes (Picasso) qui furent déterminantes pour l'audacieux saut créateur de l'artiste. Ainsi cette étude des origines de la sculpture abstraite permet d'aborder de façon innovante ce moment capital de l'art moderne : le passage du cubisme à l'art abstrait.

A l'image de l'oeuvre abstraite qui se réduit ou se déploie jusqu'au simple visible, ainsi devenue toute concrète, un texte a été abstrait de toute intention, réduit au simple lisible, à un lisible comme quasi visible, rendu concret comme un mur de pierres sèches posé nulle part, pour rien, séparant rien de rien, le pourquoi du pourquoi pas, entre les deux, un simple là. Puis gris que dilue du rose que brûle le bleu poursuit cette recherche à laquelle se voue Marc Cholodenko, obstinée et méthodique, radicale, désespérée mais lumineuse, d'une écriture qui ne serait que pensée, une pensée pure, dénuée de toute intention, de tout but, de la moindre incidence triviale. "Un simple là" .

Qu'est-ce que l'art abstrait ? On connaît, croit-on, la réponse c'est le non-figuratif et il naît du côté de Kandinsky vers 1913. La réalité, pourtant, est autre. D'abord, parce que le débat sur l'abstraction est antérieur à l'émergence de l'art abstrait. Nourri par de multiples discussions, le terme circule dans les ateliers d'artistes avec des acceptions très diverses, de Courbet à Cézanne, de Van Gogh à Matisse, et sera au coeur des arguments pour et contre le fauvisme, puis le cubisme. Ensuite, parce que l'idée d'art abstrait a souvent changé de sens, parfois chez les mêmes artistes. Etudier, au plus près des œuvres et des écrits de peintres comme de la réception critique, la migration du terme et les significations nouvelles dont il se charge permet à Georges Roque de saisir l'art abstrait sous une lumière tout à fait autre. Dépassant les deux écoles très historiques dans leur approche (l'esthétique ou formaliste : en épurant les couleurs, les peintres ont atteint l'abstraction ; la spiritualiste ou absolutiste : en devenant visionnaires, les peintres ont atteint l'essence), il révèle l'abstraction comme une grammaire de la ligne et de la couleur, dont il nous permet de redécouvrir la fraîcheur des signes.

Un siècle de sculpture suspendue et abstraite, à travers plus de 50 oeuvres réalisées par 30 artistes de 15 nationalités différentes Cet ouvrage présente un siècle de sculpture abstraite (1918- 2018) sous l'angle inédit de la suspension aérienne. Depuis les sculptures de Marcel Duchamp, Man Ray et Alexander Rodtchenko à la fin des années 1910, en passant par Alexander Calder ou Bruno Munari au début des années 1930, Soto, François Morellet, Daniel Buren, Julio Le Parc dans les années 1950, puis Sol LeWitt ou encore Robert Morris et plus récemment Xavier Veilhan, Ernesto Neto, ou encore Haegue Yang. Si nombre de ces oeuvres suspendues demeurent statiques, certaines d'entre elles font écho au principe du " mobile ", accrochées au plafond et livrées ainsi aux forces invisibles de l'air. Cette nouvelle esthétique est liée à un regard moderne plus dynamique, ainsi qu'à la remise en question des modalités traditionnelles de présentation des oeuvres et par un accrochage zénithal. Ce genre est lié à l'imaginaire cosmogonique, à la conquête de l'air puis, après-guerre, à celle de l'espace, mais aussi à la peur du vide, aux lustres, à la pendaison, à l'escalade, à la chute autant qu'à la lévitation ou encore au flottement.

Martin Barré, né le 22 septembre 1924 à Nantes, mort en juillet 1993 à Paris, est un peintre abstrait français. Martin Barré réalise à partir des années 1960 une peinture abstraite qui n'est ni informelle, ni géométrique. Remarqué par Pierre Restany pour une oeuvre de 1960, il cherche plus à révéler l'espace, par exemple par le tracé d'une ligne, qu'à produire des formes. Il trace cette ligne en appliquant le tube directement sur la toile, ou plus tard à la bombe aérosol. Au cours des années 1970, son travail s'organise à travers cinq séries qui suivent un protocole identique : il trace un fragment de grille oblique sur un fond blanc, hachure ou marque certaines cases puis recouvre le tout d'un voile plus ou moins blanc, recommençant éventuellement plusieurs fois. Dans les années 1980, il redonne de l'importance à la couleur et sa peinture devient plus géométrique

De l'abstraction américaine, on connaît surtout l'expressionnisme abstrait et ses champions - Pollock, Rothko, Newman -, moins souvent quelques pionniers des deux premières décennies du XX ? siècle - Dove, Russell -, plus rarement encore le petit groupe de peintres qui en ravivent la flamme dans les années trente - Davis, Diller. Pour la première fois depuis cinquante ans est ici reprise l'histoire de l'introduction de l'abstraction aux Etats-Unis jusqu'à son triomphe provisoire dans les années soixante, non pas seulement en rapportant une succession de faits et d'oeuvres, mais en montrant comment réception et création se mêlent indissolublement. En prenant en compte tous les modes possibles de réception - depuis l'essai théorique jusqu'à la bande dessinée en passant par la critique journalistique, la constitution de collections et la pratique d'expositions -, Eric de Chassey montre comment trois vagues abstraites se sont succédé aux Etats- Unis, dont seule la troisième a connu le succès et a pu durer. Analysant comment les artistes ont eux-mêmes fait évoluer le sens de l'idée abstraite selon des voies largement inexplorées en Europe, il dessine non pas des influences mais des continuités d'interrogation. Questionnant ainsi l'histoire de la notion d'abstraction à propos du pays qui en a assuré la popularité, il permet de ne plus concevoir la peinture abstraite en tant que style ou absolu mais en tant que modèle de relation au monde.

Après plusieurs années de formations en mathématiques, les auteurs vous proposent 33 clés pour modifier profondément mais sans grand travail, votre enseignement des nombres et des opérations. Ces clés répondent à des questions posées par des centaines d'enseignants de la maternelle jusqu'en début de secondaire. En voici quelques-unes : Pourquoi ont-ils tant de difficultés avec les nombres ? Comment les aider à passer du concret à l'abstrait ? Comment amener les enfants à arrêter de compter " sur leurs doigts " ? Comment favoriser les images mentales pour les nombres non entiers ? Pourquoi ne transfèrent-ils pas les manipulations dans les calculs ? Chaque élève peut-il résoudre des calculs comme il le souhaite ? Quel lien y a-t-il entre le calcul mental et le calcul écrit ? Comment analyser les difficultés d'un élève ? Nous vous encourageons à découvrir le pragmatisme avec lequel les auteurs envisagent de quitter l'approche abstraite des nombres et des opérations. Vous découvrirez aussi du matériel nouveau et des principes pour utiliser au mieux tout ce dont vous disposez.

"Sur les pavés des rues et sur les écorces des arbres, j'ai découvert des univers entiers. Je suis très peu au fait de ce que l'on appelle généralement "abstrait". L'abstraction pure serait pour moi une peinture dans laquelle on ne trouverait aucune affinité avec la vie, une chose pour moi impossible. J'ai cherché un monde "un" dans mes peintures mais pour le réaliser j'ai utilisé comme une masse tourbillonnante. Je n'assume aucune position définie. Peut-être que ceci explique la remarque faite par quelqu'un qui regardait une de mes peintures : Où est le centre ? " Mark Tobey, 1955 "I have discovered many a universe on paving stones and tree barks. I know very little about what is generally called "abstract" painting. Pure abstraction would mean a type of painting completely unrelated to life, which is unacceptable to me. I have sought to make my painting "whole" but to attain this I have used a whirling mass. I take up no definite position. Maybe this explains someone's remark while looking at one of my paintings : Where is the center ? " Mark Tobey, 1955

Quelques Miettes à géométrie variable est la description d'un gigantesque dispositif mécanique. Un dispositif sûr et précis inscrit dans un paysage désert, et qui ne semble nécessiter l'intervention de quiconque : aucun personnage, aucun être vivant identifiable n'y apparaît. On pourrait coller à la va-vite l'étiquette " abstraite " sur cette bande dessinée. Pointer de la sorte ce dont elle s'abstrait effectivement (intrigue, personnages, dialogues, sens, message...) serait cependant passer à côté du concret que, par ce biais, l'oeuvre intensifie : dessin, composition, rythme, découpage, narration... ce qui fait l'essentiel de la BD en somme. Resserrée, minimale, Quelques Miettes à géométrie variable est d'autant plus résolument une BD d'action, de pure action. Une BD où se noue une série de tensions complexes entre organicité et géométrie, entre mouvement et fixité, paysage et architecture, formation et effondrement, verticalité et horizontalité, noir et blanc, points, lignes, plans, regard, lecture, sensations, intelligence, émotions. Une BD. Une pure BD. En guise de postface, Quelques Miettes à géométrie variable est suivi de Gorgocycle, bref récit de 15 pages dessiné au moyen d'un logiciel 3D.

L'oeuvre de Bernard Moninot est arrive à un point de maturité qui justifie, dix ans après la parution d'une première monographie, la publication d'un nouvel ouvrage rassemblant les créations de ces dernières années. Structuré autour de grandes installations, de dessins préparatoires et de peintures, le livre, porté par les textes de Catherine Millet et Jean-Luc Nancy, nous présente l'oeuvre d'un artiste qui n'a rien d'abstrait mais touche au contraire aux éléments mêmes qui fondent notre existence : nos perceptions de l'espace, notre relation avec le temps. // Bernard Moninot's work has reached a point of maturity which has justified, ten years after the issue of the first monograph, the publication of a new work taking stock of the creations of recent years. Structured around large systems, preparatory drawings and paintings, this book, given substance by the texts of Catherine Millet and Jean-Luc Nancy, presents the work of an artist who is anything but abstract but touche,. on the contrary, on the very elements that form the basis of our existence : our perceptions of space, our relationship with time.

Figure majeure de la peinture abstraite au XXe siècle, le Suisse Fernand Dubuis s'inscrit pleinement dans la création artistique de son temps, plus particulièrement les mouvements post-cubiste et abstrait. Il reste cependant très marqué par les maîtres anciens dont il admire les oeuvres et auxquels il n'hésite pas à faire de fréquentes références dans son propre travail. S'il admire tout particulièrement le Caravage et Francisco de Zurbarán, il fait preuve d'une admiration tout aussi marquée pour certains de ses contemporains à l'instar de Fernand Léger ou Roger de La Fresnaye ou encore l'Italien Gino Severini. Dans sa peinture on ressent par ailleurs tout autant les inspirations colorées d'André Lhote, dont il a été l'élève, que la touche exaltée d'un Nicolas de Staël qu'il a par ailleurs bien connu. Malgré ses origines valaisannes, Dubuis passe l'essentiel de sa vie entre Paris, Gordes et la Normandie, lieux qui par leurs ambiances et leur lumière marquent profondément l'ensemble de son oeuvre, mais sillonne également l'Italie afin d'en découvrir toutes les richesses culturelles.

Les textes publiés dans ce livre ont été rédigés entre 1991 et 1993. Tous sont parus soit dans des journaux et magazines d'orientation "patriotique" , soit dans des livres édités par la maison d'édition Arctogaïa. Tous sont consacrés à des sujets complètement différents - des problèmes politico-économiques les plus spécifiques de la vie moderne dans la société russe à ceux les plus abstraits de la métaphysique, de la religion et de la méta-idéologie. Malgré une telle variété, ils sont tous unis par une vision-du-monde commune, qui correspond pleinement au titre de ce recueil : la révolution conservatrice. Cette vision-du-monde n'est pas une construction abstraite, purement individuelle, mais elle n'est pas non plus une forme idéologique complète et historiquement achevée. Ce n'est pas un modèle tout fait, mais il ne se réduit pas non plus à un projet volontariste fantastique. La révolution conservatrice a sa propre histoire, mais en même temps, pour Alexandre Douguine, elle est complètement ouverte à la créativité politique tournée vers l'avenir.

En 1940-1941, un groupe d'artistes surréalistes réunis autour d'André Breton trouve refuge à Marseille puis, quittant l'Europe en guerre, arrive à New York. On considère généralement que ce " passage de Marseille n a été l'élément déclencheur d'une autonomie complète de l'art américain, qui, une fois fécondé par les artistes européens en exil, aurait pris son indépendance avec l'expressionnisme abstrait. Ce catalogue propose, d'une manière largement inédite, une histoire plus complexe et moins nationaliste, en montrant d'abord que l'introduction du surréalisme aux Etats-Unis dès le début des années 1930 a suscité très tôt des interprétations originales et encore mal connues. 11 intègre ensuite l'expressionnisme abstrait, qui triomphe dans les années 1940, au sein d'un surréalisme transatlantique plus large, avec ses versants figuratifs et abstraits. 11 montre enfin l'existence d'une " autre tradition ", où, malgré le silence et le déni des critiques et des historiens de l'art, le surréalisme a continué à constituer un courant souterrain de l'art américain pendant les trois décennies qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale, non seulement en peinture et en sculpture, mais aussi dans la culture visuelle populaire ou le cinéma expérimental. Quatre décennies durant, les artistes, entre attirance et répulsion, n'ont cessé de réactiver le potentiel créatif et déstabilisant du surréalisme. Prendre en compte ce potentiel conduit à abandonner les regroupements figés par l'histoire de l'art traditionnelle et à mettre en valeur de nouvelles constellations, qui mêlent artistes très connus et artistes injustement ignorés : Marcel Duchamp y côtoie Joseph Cornell, Jasper Johns, Robert Morris et H. C. Westermann ; Max Ernst etJoan Miró voisinent avec Dorothea Tanning, Jackson Pollock, Mark Rothko, Helen Frankenthaler et Wes Wilson ; Salvador Dali et René Magritte fraient avec Pavel Tchelitchew, Kenneth Anger,James Rosenquist et Paul Thek ; Yves Tanguy et Alberto Giacometti résonnent avec Louise Bourgeois, Eva Hesse et Claes Oldenburg.

"Un Système d'Economie Politique Pure" est une oeuvre de François Simiand, économiste et sociologue français. Ce livre propose une analyse approfondie des principes fondamentaux de l'économie politique. Voici un résumé de l'ouvrage : Dans "Un Système d'Economie Politique Pure", François Simiand entreprend une exploration rigoureuse des concepts fondamentaux de l'économie politique. L'auteur se penche sur les lois et les mécanismes qui régissent les activités économiques dans une perspective purement théorique, cherchant à établir un système cohérent et logique. Simiand examine les relations entre les différents facteurs de production, les mécanismes de l'offre et de la demande, ainsi que les notions de valeur, de prix et de salaire. Il aborde également les concepts de concurrence, de monopole et de régulation économique. L'approche de Simiand met l'accent sur la construction d'un cadre théorique solide, dégagé des contingences historiques ou des aspects empiriques. Il cherche à développer une vision abstraite et générale de l'économie politique, offrant ainsi une contribution significative à la théorie économique. En résumé, "Un Système d'Economie Politique Pure" de François Simiand constitue une exploration approfondie des principes fondamentaux de l'économie politique, avec une orientation vers la construction d'un cadre théorique pur et abstrait.

Le surréalisme vous semble totalement abstrait et l'art abstrait, totalement surréaliste ? L'impressionnisme ne vous évoque rien, et le cubisme vous laisse perplexe ? Pas de panique : voici une mise à jour, joyeuse et pédagogique, de votre palette de connaissances artistiques. Ce guide illustré dresse un panorama des différents courants de l'art occidental, de l'Antiquité à nos jours. La peinture, la sculpture et l'architecture n'auront bientôt plus de secrets pour vous !