caméra sténopé

En quelques livres, elle est parvenue à affirmer la singularité d'une écriture poétique contemporaine qui se joue des formats et des catégories.. La fulgurance poétique au coeur de son écriture réactive la force évocatoire du mot et de la langue : l'éclat lumineux de l'image, qu'elle apparaisse sous la forme du fragment ou du récit, nous plonge dans la sensation pure et nous invite à une expérience de lecteur hors du commun. Extrait : " Sorcière brûlée de l'intérieur chassée de la cité, femme, irradiante, connaisseuse, vive depuis nos entrailles, depuis la nuit des temps, de-puis le rouge du coeur qui amorce la pompe à la vie même, qui porte en elle et au-delà d'elle, qui transmet le monde tissé aux veines et ose reconnaître chaque fois le vrai du faux, si elle voit, si elle sent, si elle peut. Femme qui donne l'enfant et lui donne le monde, qui perçoit l'onde de choc, le vacillement... "

Cet ouvrage interroge la réactivation de la chambre noire et du sténopé comme un moyen de retrouver la dimension " haptique " de l'image par la revalorisation du flou, de l'imprécis, etc., mais aussi pour prendre à rebours la logique du " dernier cri " qui caractérise l'industrie et la culture du tout numérique. Ces formes primitives d'appareillage de prise de vues délivrent-elles des images véritablement singulières ? Est-ce que cette façon autre de faire image — façonnée par l'artisanal — nous montre une autre vision du monde ? Y-a-t-il une tournure révolutionnaire dans l'appropriation de ces moyens primitifs de prise de vue par les artistes contemporains ?

Un photographe européen au bout du rouleau échoue à Iamé, village malien. Cet homme est malade : quelque chose pousse dans la poitrine. Deux interprétations s'affrontent à ce sujet : celle du village traditionnel africain, pour qui cet homme est porteur de fécondité, et celle de la science occidentale, pour qui un amas de cellules prolifère en son sein. Laurent Contamin offre dans une langue énigmatique une fable simple où se côtoient le village africain et le village mondial, le mythe originel et le clonage ; où se mêlent poétique et politique, charnel et spirituel.

Caméra, en silence, fouille le sol, gratte la terre, recueille les traces de vies incrustées dans la pierre, des résidus de cris, des agglomérats d'hommes totalement inadaptés : à mourir. La douleur ? Caméra ne veut rien en dire. Lorsqu'elle ferme les yeux le néant lui fait signe allongeant toutes les nuits les unes sur les autres. Elle comprend, Caméra, le vide aussi se nomme. Mais comment faire alors, si la langue n'est plus : qu'une arme face à sa cible ?

Lorsque Gwenaëlle rencontre la belle Marina lors de son footing, elle est loin de se douter que cette mystérieuse femme va tout bouleverser. Sa calme existence de psychologue célibataire se trouve totalement chamboulée. Les événements se succèdent. Si au début, elle assiste presque spectatrice à l'effondrement de ses certitudes, elle doit prendre les choses en main pour sortir du piège qui se referme sur elle. Qui dans son entourage a bien pu la conduire dans ce guêpier ? Doit-elle se résoudre à soupçonner celle qui fait battre son coeur, sa meilleure ennemie ou son amie de toujours ?

Une caméra est au centre de la vie d'un couple. Le mari de la narratrice a la hantise d'un sujet intéressant à regarder et à filmer : l'agonie et la mort de son père lui inspirent un document qu'il présente à un festival d'avant-garde. La narratrice, qui a le sentiment d'être humiliée, frustrée, et même trompée par cette caméra, réagit violemment. Mais elle comprend enfin les raisons qui ont poussé son mari à être toujours et partout un voyeur impénitent. Elle reste à son côté et devient, à son tour, spectatrice.

Qui se cache derrière ce fuyard qu'effraient les sirènes de police ? De quel droit ces " trop vieux " s'aiment-ils alors qu'on les préférerait morts ? Pourquoi cette prison, haut lieu de la torture, est-elle un site touristique si apprécié ? Quel terrible secret dévoilera à cette mère " cancérigène " le striptease de sa fille sur une plage ensoleillée ? Une adaptation cinématographique juteuse peut-elle combler un écrivain ? Ce recueil haletant maltraite des stars brisées par les attraits de la célébrité et des personnages ordinaires piégés par les apparences. Au fil de quatorze nouvelles, c'est un portrait très contemporain de notre époque sur laquelle règne en maître absolu l'image, télévisée, cinématographique et publicitaire, dont les illusions s'envolent à la moindre bourrasque.

" Ce journal commence le jour de la Fête de la musique, dans les jardins de Matignon, et s'achève, un an plus tard, jour pour jour, le 21 juin 2002. Les élections les plus évidentes de l'histoire de la République auront été les plus invraisemblables : un été, un automne, un hiver, un printemps pour secouer la France plus qu'elle ne l'avait été depuis bien longtemps. The making of a President : une folle histoire où les personnages se croisent, se choquent, se détruisent, se construisent. Avec les Français pour spectateurs, pour acteurs aussi, de ce film où chacun s'est fourvoyé, où tous se sont mépris, au scénario duquel personne n'a rien compris. J'ai eu envie de tenir un stylo comme on tiendrait une caméra, pour raconter le roman vrai de cette campagne. Je l'ai fait avec des sentiments mêlés : l'intérêt et la curiosité pour les hommes et les femmes qui traversent ce récit ; l'enthousiasme (un peu), le plaisir (souvent), le dégoût (parfois), l'ironie (le gilet de sauvetage des émotifs). Il reste un bouquet d'images, quelques croquis qui prennent d'autant plus de relief que la messe a été dite. Je vous propose de refaire le voyage à travers mon regard, de remonter le temps en "caméra subjective". Il était une fois, dans une autre galaxie, un Président et un Premier ministre qui ne s'aimaient pas... " A.S.

Une femme abandonnée croit reconnaître son mari disparu sous l'aspect d'un metteur en scène célèbre, qui tourne en extérieur un film policier. Moi, Jacob Asch, le privé diligent, je m'en vais voir les stars de près, mais le cinéma ne se passe pas toujours devant la caméra et, là, le scénario prend une drôle de tournure, avec flash-backs renversants et des morts en accéléré.

Un matin, un photographe militaire voit arriver, à l'hôpital où il travaille, quatre corps torturés. Puis d'autres, et d'autres encore. Au fil des clichés réglementaires qu'il est chargé de prendre, il observe, caché derrière son appareil photo, son pays s'abîmer dans la terreur. Peu à peu, lui qui n'a jamais remis en cause l'ordre établi se pose des questions. Mais se poser des questions, ce n'est pas prudent. Avec une justesse troublante, ce roman raconte le cheminement saisissant d'un homme qui ose tourner le dos à son éducation et au régime qui a façonné sa vie. De sa discrétion, presque lâche, à sa colère et à son courage insensé, il dit comment il parvient à vaincre la folie qui le menace et à se dresser contre la barbarie.

L'histoire a toujours fasciné le cinéma. En témoigne, depuis les origines, l'attirance des metteurs en scène pour les reconstitutions historiques. Très vite, également, elle s'est invitée dans les images, transformant les films en archives visuelles du XXe siècle. Ces deux mouvements - l'histoire reconstituée et l'histoire surgissant à l'écran - manifestent la rencontre du cinéma et de l'histoire : le cinéma donne une forme à l'histoire, laquelle, en retour, y inscrit son empreinte comme sur une plaque sensible. Le septième art aurait-il une dimension historique intrinsèque ? La réponse d'Antoine de Baecque est sans équivoque : " La forme cinématographique est de part en part historique, et le cinéaste, doté de son outil, l'histoire-caméra, un historien privilégié. " Le cinéma moderne d'après la Seconde Guerre mondiale incarne l'irruption de cet " âge de l'histoire " dans la vision des films. Il fournit à lui seul toute la matière de ce livre : les œuvres des années 1950, confrontées en regards caméra au traumatisme de la mort de masse ; celles de la Nouvelle Vague, quand le style se fait trace du mal-être de la jeunesse sur fond de guerre d'Algérie ; les films " démodernes " du cinéma russe d'après le communisme ; le cinéma hollywoodien contemporain, où se reflètent les fictions maîtresses du 11-Septembre. S'y ajoutent les mises en forme de Sacha Guitry, filmant l'histoire de France en son château, de Jean-Luc Godard, qui fait resurgir l'histoire dans la mémoire muséale du siècle, et de Peter Watkins, qui la traque comme un reporter de guerre.

Un film qu'on tourne en extérieur au Mexique. Des acteurs, des techniciens qu'on tue. Un ancien flic devenu comédien qui enquête en douce. Et le commanditaire qui, à chaque nouvelle tragédie, décide de ne plus commanditer. Et vous pensez vraiment qu'on pourra achever de le tourner, ce western maudit ?

Prenez deux adolescents amis pour la vie qui découvrent un pistolet et une caméra et se voient ainsi proposer deux manières de conquérir le monde : la violence ou l'art. Ajoutez leur rencontre avec une jeune fille de leur âge, en conflit permanent avec ses parents, et sensible au charisme de l'un comme au charme de l'autre. Notez que les deux garçons sont noirs et viennent du township de Kayelitsha, un quartier pauvre de la banlieue du Cap, et que la jeune fille, blanche, vit dans un palais situé dans une zone résidentielle du Cap. Placez ces personnages sur la toile de fond de l'Afrique du Sud dix ans après la fin de l'apartheid et l'accession de Nelson Mandela au pouvoir. Et vous aurez une histoire qui se passe entre les ombres et les lumières de nos sociétés contemporaines, entre la volonté de trouver sa voie et le déterminisme social, entre l'amitié, l'amour et les préjugés et le rejet de l'autre, entre l'art et la violence comme modes d'appréhension du monde.

Le cinéma de Philippe de Broca qui paraît bien sage, puisqu'il relève de la comédie et du film d'aventures, est en réalité un cinéma ravageur : il mord sur la pensée et la philosophie, explorant les jeux du réel et de l'imaginaire comme la lutte contre le temps et le destin. Il n'imite rien, n'adapte rien, il poursuit dans une forme filmique exigeante des interrogations qui sont celles de la philosophie depuis ses origines et que l'on retrouve parfois dans l'anthropologie avec Michel Leiris, dans la philosophie du langage de John L. Austin ou chez Jacques Derrida. Ce sont ces dialogues imaginaires qui permettent de saisir combien Philippe de Broca est un contemporain à venir.

Essai théorique, traité esthétique, Caméra Greco s'ouvre sur " l'origine du monde ", revisitée par Jacques Cauda, des photographies de sexes féminins échangées contre des peintures, puis se poursuit dans les méandres du vertigineux Hitchcock et de ses toiles échos au Greco pour s'achever dans le priapisme bataillien. L'ouvrage réunit plusieurs textes ébouriffants du plasticien-écrivain Cauda qui déploie ici une large méditation sur la représentation picturale et cinématographique du sexe et de l'Art.

Comment l'arrivée d'Hitler au pouvoir fait d'une jeune sociologue exilée une photographe bientôt mondialement célèbre, c'est ce que Gisèle Freund nous raconte ici. Photographe des écrivains, grand reporter, elle s'intéresse avant tout aux individus, aux visages. Avec son outil, qui nous apparaît aujourd'hui d'une modernité inégalée, elle devance toujours d'une longueur son époque. Des années 30 aux années 60, émaillé d'anecdotes, de paysages, de portraits de célébrités ou d'inconnus, ce texte est l'histoire d'un des regards les plus éveillés du XXe siècle.

Créé sous l'égide de la Fondation Grésigny, le prix Caméra Clara a pour objectif de promouvoir une écriture singulière favorisée par l'utilisation de la chambre, véritable éloge de la composition et du temps. Créé en 2012, le prix photo Camera Clara est réservé aux artistes qui travaillent à la chambre photographique. Il récompense un travail d'auteur, inédit et présenté en série ou ensemble photographique afin qu'il puisse être jugé sur sa cohérence, tant sur la forme que sur son contenu. A l'heure où un déferlement vertigineux d'images est offert à tous via Internet et représente une richesse indiscutable de communication et de partage , il est aussi incontestable - qu'à côté d'un échange démocratisé de contenus de valeurs - il s'est développé un "à tout va" photographique, très à la mode, qui a entraîné une confusion entre le medium, sa performance et sa qualification d'artistique. Pour la créatrice de ce prix, Joséphine de Bodinat Moreno et la directrice artistique Audrey Bazin, il est apparu essentiel de se positionner en "contrechamp" ou plutôt hors champ des tendances et de faire l'éloge d'une démarche réfléchie et d'une certaine lenteur. En effet par le maniement même de l'appareil, ses contraintes spécifiques, l'artiste choisit de prendre son temps pour collaborer avec la lumière. Ainsi revient-on à l'origine même de la photographie. sans pour autant voir dans l'utilisation de la chambre, une ode au passé ou un procédé à tonalité nostalgique, les dossiers reçus le prouvent chaque année, le travail à la chambre est bien une recherche d'écriture de la lumière aux multiples options. Au delà des qualités de temps de pose, de contrôle des perspectives ou de netteté, les artistes ont en commun cette relation exclusive avec cette pratique et inventent grâce à elle des expressions particulières. Au cours de ces 10 ans, notre jury a eu le bonheur de découvrir de multiples artistes de toutes nationalités qui chacun à leur manière illustrait ce propos, et de constater que la photographie à la chambre est encore bien vivante. Ce livre retrace les 10 ans d'existence du Prix Camera Clara et présente l'oeuvre des 11 lauréats à qui nous avons voulu rendre hommage.

Baptiste, étiqueté " surdoué " dès l'âge de 6 ans, ne concevait aucune fierté de sa différence. Quelle idée de s'enorgueillir d'un handicap ! A force de se heurter à des murs, son ambition devint de passer de plus en plus inaperçu. Au risque de se perdre lui-même... Cet ouvrage, préfacé par Jeanne Siaud-Facchin, psychologue et auteur, spécialiste des surdoués et fondatrice des Centres Cogito'Z, est une reprise, revue et augmentée, du roman paru en avril 2016 aux Editions Libre Label. Il est complété par un entretien de l'auteur avec... l'auteur !

Les relations entre les deux arts du temps et du mouvement, danse et cinéma, ont déjà fait l'objet de divers travaux, mais les problématiques restaient générales : comment le cinéma montre-t-il la danse ? Comment le cinéma fictionne-t-il le monde de la danse ? Quelles sont les gains et les pertes de la rencontre entre ces deux arts (ce que le cinéma y gagnerait, ce que la danse y perdrait) ? L'hypothèse sera donc : comment parler de danse au cinéma au delà de l'évidence des performances ? Qu'entendre par les " danses idéales " créées par le cinéma selon le critique Ricciotto Canudo ?

Vous voyez un photographe taciturne déambuler dans les rues de son quartier à Lyon, harcelé de questions par un jeune inquisiteur. Un policier va intervenir, mais il semble cacher soigneusement son jeu. Si bien que vous vous posez la question: plus loin, cet homme en gris, ne serait-il pas l'ombre coupable du photographe ? Et surtout il y a la femme. Vous le comprendrez vite, c'est elle qui donne tout son sens à ce roman sur la recherche des origines. France Régnier joue ici avec le triple sens de caméra : celle qui filme les mouvements ; celle qui en anglais, désigne l'appareil photographique ; sans oublier la caméra italienne : la chambre. Chambre noire ou chambre éblouissante, que faut-il y voir ?

Qui se souvient aujourd'hui de Jacqueline Audry (1908-1977), réalisatrice de seize longs métrages entre 1946 et 1969, ce qui en fait sans doute la femme la plus prolifique de l'histoire du cinéma français ? Dans cette période de l'après-guerre où elle débute derrière la caméra, «creux de la vague» d'un féminisme peinant à surmonter le retour de bâton qui suit la Libération, elle adapte notamment Colette, Sartre et Victor Margueritte, dans une démarche féministe étonnante vu le contexte idéologique de l'époque. Son parcours est exceptionnel au sein d'une industrie cinématographique française qui connaît de nombreuses mutations, du cinéma des années trente à celui de l'Occupation, de la «tradition de qualité» sous la Quatrième République à la Nouvelle Vague et l'émergence d'un cinéma «au masculin singulier» sous la Cinquième. Rompant avec la traditionnelle trinité «l'homme, sa vie, son oeuvre», cet ouvrage veut ancrer son parcours dans ces contextes spécifiques, évaluer la part du collectif dans l'individuel, prendre un itinéraire singulier comme révélateur d'une histoire plus vaste, des débuts du septième art à nos jours. Grâce aux outils et théories issus des Cultural et Gender Studies entre autres, ce livre propose une démarche intellectuelle originale et offre de nouvelles perspectives sur les films et son auteure, les genres cinématographiques et leurs personnages, les questions de réception, de transmission et de postérité.

Manon Delatre travaille dans un cinéma d'art et essai. Au début, son travail la passionne. Elle s'implique, prend des responsabilités. Mais un jour surgit le trop plein, l'épuisement. Elle a besoin de changer d'air. Sa direction ne l'entend pas ainsi. Refus de rupture conventionnelle. Les relations se compliquent. Une spirale infernale qui la pousse alors à tout faire pour se faire virer. Se faire virer est un court récit, poignant qui décrit avec précision certains des mécanismes qui peuvent mener au burn-out. Ce texte est suivi d'un autre récit de la même autrice sur le travail dans une équipe caméra sur les plateaux de cinéma. L'envers du décor du 7e art. L'art peut tout justifier, on doit pouvoir se sacrifier pour le beau, l'original, même pour le médiocre. Pas de vacances, peu de pause, de tournage en tournage, d'hôtel en hôtel, charger les pellicules, les retirer, marquer les séquences, stocker, charger, courir, marquer, stocker. Jusqu'à l'épuisement.

Un mystérieux personnage se retrouve dans une étrange villa sur la côte italienne, afin d'étudier l'oeuvre d'un réalisateur sulfureux, muséifiée et farouchement gardée par sa petite-fille, descendante dévouée et Pythie en devenir... Tel est le point de départ de Camera Obscura, qui entraîne le lecteur dans un labyrinthe post-moderniste, une anticipation littéraire marquée par les flashs d'une Apocalypse déjà consommée, un cauchemar à la Burroughs pas si éloigné de ses Terres Ecarlates... Camera Obscura s'avère donc être un roman à clé, un texte sur lequel plane aussi l'ombre de J.G. Ballard, imprégné par les thèmes occulturels de ces dernières décennies. S'y entremêlent films d'exploitation subversifs des 70's, snuff movies, art grotesque et macabre, occultisme contemporain, traditions chtoniennes ; au final, une romance sous haute influence des thèmes chers à l'Apocalypse Culture anglo-saxonne.

Ce moment où, face à une oeuvre d'art, on ne comprend pas... et où l'on ne veut pas comprendre. Où faute d'expliquer, de décortiquer, on veut avant tout évoquer. Ressentir. Quand cette incompréhension devient une ouverture sur l'Ailleurs... sur la possibilité d'autre chose. CAMERA OBSCURA, la chambre noire. La surface où la lumière se fixe. La surface où elle sculpte nos ombres, les malmène, les transcende, leur donne une finalité. Au milieu des écrans de fumée, les grands cinéastes traquent ces moments suspendus. Le film devient un prisme, un vaisseau entièrement voué à effleurer ces rares instants qui sont... un peu plus. Où une forme de sorcellerie crépite à l'écran. Ces moments fugaces, affleurant à la surface, où le spectateur incrédule déchire un voile et goûte à quelque chose d'immortel. Quelque chose qu'il n'était peut-être pas censé voir. Le livre que vous tenez entre les mains n'est pas une analyse ou un récit historique, bien qu'il en possède certains aspects. C'est une errance fascinée et brumeuse dans la magie des images.

Cet ouvrage vous apprend comment réaliser de A à Z un drone terrestre radiocommandé, contrôlable à vue ou à distance, et pouvant embarquer un appareil photo ou une caméra. La réalisation du robot est expliquée étape par étape : d'abord les aspects mécaniques (construction du châssis, motorisation des roues et de la caméra) ; puis partie électronique avec la commande à distance du drone et de la caméra par liaison en haute fréquence. Les nombreux plans très précis et les conseils expérimentés de l'auteur vous permettront de réaliser votre projet à votre rythme, en commençant par exemple par un robot simple, piloté à vue, avant de le faire évoluer avec l'ajout de fonctionnalités vidéo.

La Camera di San Paolo est l'un de ces lieux un peu secrets qui, en marge des cycles célèbres et des chefs-d'oeuvre reconnus, constituent pour l'histoire de l'art des rendez-vous obligés. La singularité du propos, immédiatement visible, son caractère d'énigme ou de rébus font des peintures ornant cette "chambre" une véritable nasse symbolique où le visiteur fasciné se sent quelque peu perdu. Pourquoi et pour qui le Corrège a-t-il peint cet étrange cortège ? D'où viennent et que disent les figures ? A ces questions, l'étude de Panofsky répond, non de façon dogmatique, mais en suivant point par point le véritable réseau d'indices dissimulé dans les grisailles et le treillis de feuillage qui forme ce plafond unique en son genre. Devant un ensemble aussi complexe et aussi piégé, dont la cohérence saute aux yeux, Panofsky ne pouvait que relever le défi. Ce rébus mythologique, né dans le climat de l'Italie renaissante et selon les accents savants que lui imprimaient les cercles lettrés du Nord de la péninsule, fonctionne comme un véritable paradis exégétique : de telle sorte qu'avec cette étude Panofsky livre un modèle du genre, un modèle d'iconologie appliquée. Certes, ce n'est que la lettre de la peinture qui est ainsi approchée et il va de soi que l'indentification des figures ne dévoile pas tout de leur secret. Mais, chemin faisant, le voyage proposé à travers le temps, de l'origine de la mythologie à son réemploi renaissant, se mue en une série d'incursions dans la mémoire de l'Occident où, entre voilement et dévoilement, énigme et apparence, c'est la forme même d'apparition du sens qui est interrogée. Le cycle de peintures de la Camera di San Paolo à Parme, outre son raffinement exceptionnel, constitue un rébus mythologique né dans le climat de l'Italie renaissante et selon ses accents savants que lui imprimaient les cercles lettrés du Nord de la péninsule. Ce décor réalisé par Corrège fonctionne comme un véritable paradis exégétique à partir duquel Panofsky nous livre un modèle d'iconologie appliquée, à la manière d'un voyage à travers le temps, de l'origine de la mythologie à son réemploi renaissant.

Pour un chef opérateur, la finalité du tournage d'un film est d'en enregistrer les images. Celles-là resteront, fixées à jamais sur une pellicule ou dans un fichier numérique, et de plus, elles sont reproductibles. On pourra les revoir à chaque fois que le film sera diffusé, dans son intégralité, en extraits ou en photographies. Ce livre raconte donc les images, les souvenirs et les rencontres qui ont illustré ma carrière "d'opérateur de prise de vues" tout au long des quatre-vingt-dix films que j'ai tournés. Des images de tous ceux qui gravitent autour de la création, des images de ceux qui sont en haut de l'affiche et des autres qui restent dans l'ombre, des images du hors champ qui se cache derrière l'écran. Enfin, les images des films qui ont fait l'histoire. Elles sont précieuses et il faut les conserver parce qu'elles constituent une mémoire du cinéma et que chaque art a besoin d'une mémoire.

Cet ouvrage propose de retracer l'émergence, la naturalisation et la généralisation de la notion de "caméra" dans le contexte des jeux vidéo. L'auteur y recompose les variations conceptuelles du terme "caméra" en reconstituant les différents sens de cette notion, tout en prêtant une attention particulière à son contexte d'utilisation et aux relations multiples qui lient les différents agents du champ culturel du jeu vidéo qui en ont fait usage (joueurs, créateurs, critiques, éditeurs, etc.). En faisant l'histoire de la notion de "caméra" Selim Krichane questionner en amont la relation qu'entretiennent cinéma et jeu vidéo, et porte, en aval, un regard neuf sur les productions hollywoodiennes récentes qui mobilisent la " grammaire " vidéoludique.

Au cinéma, l'acteur est souvent seul pour appréhender et préparer un rôle, il est donc indispensable qu'il développe une méthode personnelle de travail adaptée à ce média. Dès les débuts du cinéma, de nombreuses différences ont éloigné le comédien du jeu théâtral. Longtemps, on a négligé d'étudier celles-ci sans prendre conscience qu'elles étaient pourtant fondamentales. Ce livre propose donc de relever toutes ces distinctions entre théâtre et cinéma, d'analyser les différentes phases de travail de l'acteur depuis le casting jusqu'au tournage lui-même, en se posant toutes les questions inhérentes à la construction du personnage, à la recherche du jeu aussi bien en improvisation qu'avec le texte du scénario. Il aborde parallèlement les connaissances techniques indispensables au jeu face à la caméra ainsi que les différentes méthodes de travail des réalisateurs.

Depuis plus de quarante ans, les artistes italiens Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi traversent le monde et embrassent le xxe siècle depuis leur atelier milanais qui a tout d'un laboratoire d'alchimiste. Les images qu'ils nous adressent régulièrement, films, vidéos et installations, sont bien plus que des nouvelles : ce sont des révélations. A partir de documents d'archives aussi bien que de films amateurs de la première moitié du XXe siècle, dénichés et collectés précieusement, Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi recadrent, déplacent, resserrent, colorisent, ralentissent. Libérées du regard et de l'idéologie de leurs auteurs, désaliénées, les images de notre passé font retour mais autrement, comme si nous les voyions pour la première fois. Les artisans de cette révélation ont pris pleinement acte de la révolution opérée par le cinéma et ses dérivés, qui se sont imposés en arts de notre temps. Avec eux, le siècle devient simultanément vécu, filmé et regardé. Ses images persistent et reviennent. A travers la colonisation, le fascisme, l'impérialisme ou la guerre, les artistes créent une continuité inédite entre passé, présent et futur. Mystérieusement, par un effet duel de ce sortilège, le temps retrouvé fait à nouveau histoire tout comme ses images font poème, rendues à leur liberté sauvage et à leur pouvoir de sidération. A l'invitation du Centre Pompidou et en association avec le Festival d'Automne, Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi présenteront la rétrospective intégrale de leurs cinquante films et un inédit commandé pour l'occasion, avec une exposition consacrée à leurs installations, la première en France après la Biennale de Venise, le MoMA de New York ou le Hangar Bicocca à Milan.