inha

Fondée sur l'étude du visible, l'histoire de l'art hérite aussi de l'opposition entre lumière et ombre qui, des récits originels aux positivismes modernes, polarise notre rapport au monde et à son étude, et nos imaginaires. Historiens de l'art, artistes et archéologues interrogent ici les développements de la discipline à l'aune du lien entre savoir, positivité et lucidité, d'une part, et non-savoir, négativité et obscurité, de l'autre. De l'usage du noir (couleurs, matériaux) à l'exploitation de conditions de visibilité spécifiques (la pénombre, la nuit), en passant par les objets de la représentation (peaux sombres, peaux noires), comment approcher l'histoire de l'obscurité? Cette dernière renvoie enfin aux zones d'ombre de l'histoire de l'art, tant d'un point de vue plastique que méthodologique. Dans quelle mesure avons-nous été et sommes-nous encore aveuglés par la lumière comme par des mythes à certains égards structurants pour la discipline ? Et si la perception ne peut être réduite à la seule visualité, à quoi l'obscurité peut-elle ouvrir la voie ?

Les contributions réunies dans ce volume sont le fruit d'une journée d'études qui s'est déroulée à Paris à l'INHA en janvier 2011. Elles se proposent d'étudier, dans toute leur variété, les représentations de la guerre dans le théâtre italien du XVIIe siècle.

L'extraordinaire abondance de sculptures françaises aux Etats-Unis est révélatrice d'un goût spécifique pour ce domaine de l'art fran- çais, mais aussi de la grande proximité des relations historiques et artistiques franco-américaines. Les Etats-Unis sont le pays en-de- hors de la France qui compte le plus grand nombre de sculptures françaises et ces dernières y représentent de très loin l'essentiel des sculptures étrangères. Une fois rassemblées, combinées, reliées, elles tissent l'histoire d'un goût. Leur étude permet de déceler des tendances et des pé- riodes, d'identifier des personnalités de marchands, collectionneurs et conservateurs, et de comprendre les canaux d'approvisionne- ment de ce commerce transatlantique, du lieu de production au lieu de consommation, du lieu de création au lieu d'appréciation. Le propos de cet ouvrage est de donner vie et signification à ces oeuvres en les replaçant dans leur contexte américain. Une première partie souligne le rôle éminemment politique et officiel, outil de message politique lorsqu'il s'agit de célébrer les héros de l'Indépendance américaine, ou de propagande commer- ciale et industrielle lorsque la France se montre dans le cadre des expositions universelles. Dès sa naissance, les sculpteurs français ont été associés au développement de la nation américaine et de sa société. La deuxième partie est consacrée à la part que prirent les sculp- teurs français dans le décor urbain américain, ainsi que dans l'art des parcs et jardins. Ils contribuèrent largement à l'introduction du style Art déco en sculpture ornementale. La troisième partie célèbre la sculpture comme objet de collec- tion, recherchée non plus pour le personnage qu'elle représente, ni pour son rôle de complément de l'architecture, mais véritablement comme objet dont la beauté formelle est l'atout premier. La quatrième et dernière partie est consacrée au sculpteur Auguste Rodin. Rodin était tout à la fois : il représentait l'art d'au- jourd'hui, celui du Salon auquel il envoyait régulièrement ses oeuvres, parfois l'art d'hier dans ses quelques créations dans le goût du vers l'art de demain. En conclusion, un bilan est dressé du goût pour la sculpture fran- çaise depuis les années 1950, qui ont vu un changement dans l'im- portance relative des différents acteurs, marchands, collectionneurs, universitaires et conservateurs.

Le peintre Djamel Tatah (né en 1959 à Saint-Chamond) propose un parcours renouvelé de l'ensemble du musée Matisse de Nice. Il a subjectivement sélectionné dans les collections du musée une centaine d'oeuvres graphiques et de sculptures d'Henri Matisse (1869-1954), appartenant à l'ensemble de la carrière de celui-ci, augmentées de prêts exceptionnels de l'Institut national d'histoire de l'art (INHA). Il les fait alterner avec une trentaine de ses propres tableaux de formats généralement monumentaux, choisis dans sa production des vingt dernières années et appartenant à des collections publiques aussi bien que privées. Ce n'est pas le Matisse coloriste que Djamel Tatah a choisi de privilégier mais le maître du noir et blanc, l'artiste du trait et de la ligne, travaillant de façon obsessionnelle sur les mêmes motifs, étudiant inlassablement les gestuelles et leurs variations, notamment dans les études dessinées pour La Danse commandée par Albert Barnes (1930-1933) et pour la chapelle Notre-Dame du Rosaire de Vence (1948-1953), dans les têtes et les femmes assises sculptées, mais aussi dans les séries de lithographies de 1913 et d'eaux-fortes de 1929, dont les prêts de l'INHA permettront d'avoir une très rare vue d'ensemble.

Alors que, récemment, partout sur la planète, des populations entières ont été assignées à domicile, Perspective revient dans ce numéro sur les imaginaires plastiques de l'habiter, à différentes époques et en différents lieux. Les auteurs des textes ici rassemblés - essais et débats collectifs autour de questions historiographiques - explorent certaines de nos manières d'habiter un espace, un territoire, une maison ou nos corps, et les représentations peintes, écrites, construites ou rêvées, que ces pratiques ont suscités de l'Antiquité à nos jours. Historiennes et historiens de l'art, de la mode, de l'architecture, de l'urbanisme, ou encore archéologues, philosophes et architectes, s'emparent dans ce numéro de cette question à l'intersection de l'intellectuel et du sensible, de l'individuel et du collectif. "Habiter" pose aussi la question des communs et du monde que nous avons, précisément, en partage : de l'écologie, donc, au sens propre du terme (de oikos, la maison, en grec). A travers trois grandes conversations, la revue retrace par ailleurs les parcours de trois chercheurs - Monique Eleb, Tim Ingold et Bruno Latour - qui ont modifié nos manières de voir, de mettre en images et de penser nos façons d'habiter le monde. De l'histoire de l'habitat et de ses évolutions en France, aux correspondances incarnées et fécondes entre anthropologie, art et histoire de l'art, jusqu'à la question de l'habitabilité et de ses représentations à l'heure de l'anthropocène, ces contributions nous permettent d'explorer la manière dont s'entrelacent les mises en forme multiples de nos existences et de nos voisinages.

Ce numéro est consacré aux transferts culturels entre le Portugal et les espaces lusophones (Angola, Brésil, Macao, Mozambique notamment). Se détournant des approches endogènes ou essentialistes, il s'agit d'envisager ces espaces au-delà des stéréotypes que constituent la mythologie des grandes découvertes et le luso-tropicalisme, la dichotomie entre beaux-arts et arts populaires ou encore l'opposition centre-périphérie. Les auteurs y explorent l'historiographie de l'histoire de l'art au Portugal, mais aussi l'histoire moderne de l'architecture et de ses décors, à travers les illustres azulejos, mais aussi le patrimoine aguda du golfe du Bénin, ou la plus récente Ecole de Porto. Sont abordées les dernières recherches sur le commerce, la production et la réception des objets d'arts décoratifs au début de la période moderne, ainsi que le cinéma lusophone et le livre de photographie au prisme de la décolonisation, sans oublier certains aspects de l'histoire des musées et des collections portugaises issues de cet héritage complexe. Autant de sujets qui permettront d'interroger, depuis une perspective à la fois historique et théorique, les processus de migrations, de transferts et de déplacements ou encore d'hybridation des objets et des idées, les circuits coloniaux et postcoloniaux, et la question des réseaux culturels à travers les âges et au prisme de différents médiums artistiques.

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Les Messagers des Vents - Tome 3 : Aidée de nouveaux combattants, les Gardiens des Feux, Eriana prend la route de la capitale Naja. Le dernier artefact s'y trouverait, tout comme Setrian et Gabrielle, détenus par le Velpa, dont la violence fait rage. Alors que les complots et les trahisons en son sein se multiplient, le plan du Velpa n'en reste pas moins le même : éradiquer le inha pour le redistribuer selon un ordre bien précis. Et pour cela, les Maîtres du Velpa se sont alliés avec toute la Na-Friyie. Eriana n'a plus le choix. Même sans son authentique protecteur, c'est un pays entier qu'il va lui falloir affronter. A moins que d'autres prophéties ne se mettent en travers de son chemin.

Un formidable voyage patrimonial au coeur d'une Cité de Caractère de Bourgogne Franche-Comté. Pierre Pinon, célèbre historien de l'architecture, a publié de nombreux ouvrages. Sa carrière l'a conduit à enseigner dans les Ecoles d'Architecture à Paris, il a aussi fait partie du Conseil Scientifique de l'Institut National de l'Histoire de l'Art (INHA). Ce dernier ouvrage, publié après son décès en 2021, présente une approche très intéressante et scientifique de l'histoire architecturale de la ville de Semur-en-Auxois, qui a été une des citadelles en pointe des ducs de Bourgogne. Perchée sur son piton de granit rose, dominée par une collégiale du XIIIe siècle à l'architecture élancée, la ville a gardé à l'intérieur de ses remparts de nombreux témoignages de sa splendeur passée, des maisons à colombages aux hôtels particuliers du XVIIIe siècle. Pierre Pinon, qui a établi le plan de sauvegarde et de mise en valeur de la ville, s'attache dans cet ouvrage à retracer l'évolution de sa construction et de son urbanisme, dans une perspective architecturale et historique, éclairée par de nombreuses illustrations dont beaucoup réalisées de la main même de l'auteur.

C'étaient deux recueils de dessins non signés et intitulés respectivement Pompéi published et Pompéi unpublished, conservés dans les archives de la bibliothèque de l'INHA. D'un trait sûr, précis, élégant, ils reproduisaient, documentaient les rues, les maisons, les peintures, les monuments de Pompéi et présentaient la ville telle qu'elle était encore dans la première décennie du XIXe siècle, telle qu'on ne la reverra plus aujourd'hui. Par un heureux hasard de la recherche, Hélène Dessales, archéologue spécialiste de Pompéi, identifia enfin qui en était le mystérieux archéologue dessinateur : William Gell, l'auteur du premier ouvrage de référence à révéler Pompéi à l'Europe, en 1817, que des antiquaires comme Jean-François Champollion, John Gardner Wilkinson, Thomas Young ou Eduard Gerhard considéraient comme un pair, mais aussi un homme de lettres, ami de Walter Scott, de Thomas Moore et dont Lord Byron écrivait dans sa satire sur les Bardes anglais : "Que les dilettantes nous disent les tours de Dardanie / Mais la topographie, je la confie à Gell, le classique." Les deux recueils sont ici reproduits dans leur intégralité pour la première fois tels qu'ils ont été constitués par leur auteur, avec leurs 370 croquis inédits pour la plupart, les commentaires en sont transcrits et traduits.

En 2005, fut lancé un travail de recherche collectif sur "S'habiller, se déshabiller dans les mondes anciens". L'objectif principal était de comprendre le vêtement dans son contenu idéologique comme un langage et d'analyser comment celui-ci s'insérait dans un système formel organisé, normatif, consacré par une société. A partir de documents et de supports de natures différentes (textes littéraires et épigraphiques ; images) et en privilégiant une approche anthropologique, nous avons mis en perspective et en contexte les vêtements, les formes de dénudations et la nudité des Anciens, les marques identitaires, les signes d'altérité, les normes et transgressions vestimentaires, les gestuelles associées au costume et à la nudité. L'analyse d'un ensemble de signes visibles a permis de caractériser une personnalité ou encore un mode d'action (des gestes) commun(s) propre(s) à une société donnée dans des contextes définis. Cet ouvrage regroupe ainsi, entre autres, les actes d'un colloque international organisé les jeudi 26 et vendredi 27 novembre 2009 à Paris (INHA), dans le cadre de ce programme. Trois grands thèmes ont été distingués. Le premier est consacré aux valeurs et symboliques des vêtements (voile, parures, ceinture, chaussures, peplos, toge, etc.). Le second porte sur les relations entre vêtement, nudité et identités : "à chacun son vêtement". Le dernier a trait au vêtement et à la nudité en contexte : réglementations, transgressions vestimentaires et outrages sociaux, politiques et religieux. Richement illustré, ce livre permettra à tout lecteur intéressé de partir à la recherche des images et codes vestimentaires dans l'Antiquité, un sujet peu traité mais passionnant.

Une prise en compte qualitative du patrimoine exceptionnel de l'architecture en pan de bois en France qui révèle la fragilité de ce patrimoine à l'heure de sa valorisation par les politiques urbaines. Ce nouvel album du Centre de recherches sur les monuments historiques (CRMH) est consacré à la demeure urbaine en pan de bois. L'étude porte principalement sur l'analyse de la structure que révèlent les dessins effectués depuis les années 1942-1943. Une sélection de bâtiments a été établie, enrichie de nouveaux relevés. L'historiographie de la construction en pan de bois a connu un profond renouvellement au cours des trente dernières années. Grâce à l'importance conjointe des études urbaines et des techniques de la construction, historiens et archéologues du bâti se sont emparés de cette mise en oeuvre spécifique. La recherche se poursuit toujours aussi activement grâce à une communauté scientifique engagée dans ce domaine et confrontée à l'évolution permanente des goûts. En 2020, un colloque organisé par l'Institut national d'histoire de l'art (INHA) a présenté les derniers résultats des recherches qui réunissent encore davantage de chercheurs, archéologues, historiens de l'art, dendrochronologues, autour de la construction en pan de bois. Les programmes de réhabilitation des centres anciens, avec la création des espaces protégés à partir des années 1970, ont permis la prise en compte de ce patrimoine, souvent victime d'un abandon relatif. Aujourd'hui, il est donc nécessaire de présenter une version actualisée et synthétique des relevés récents ou qui n'ont pas été publiés et ainsi mettre au jour cette très importante documentation technique sur la construction en pan de bois.

Avec cette étude Richard Leeman, tente d'éclairer les malentendus successifs qui accompagnèrent la réception de l'oeuvre de Cy Twombly aux Etats-Unis, tant auprès de la critique que du public et des institutions. Auteur de l'unique monographie existante consacré à Cy Twombly, Richard Leeman, nous livre un passionnant essai : Cy Twombly et la critique américaine. Une histoire. 1951-1995. Aussi étonnant que cela puisse paraître, après la première exposition de l'artiste en 1951, celui-ci dû attendre 1994, afin que le MoMA lui consacre sa première rétrospective. Avec cette étude Richard Leeman, tente d'éclairer les malentendus successifs qui accompagnèrent la réception de l'oeuvre de Cy Twombly aux Etats-Unis, tant auprès de la critique que du public et des institutions. Richard Leeman est professeur d'histoire de l'art contemporain à l'université Bordeaux Montaigne. Il a publié Cy Twombly : peindre, dessiner, écrire (Le Regard, 2004) et dirigé plusieurs ouvrages (Le Demi-siècle de Pierre Restany, Ed. des Cendres ; INHA, 2009 ; Michel Ragon, critique d'art et d'architecture [avec Hélène Jannière], Presses universitaires de Rennes, 2013). Ses recherches actuelles portent sur le discours et les représentations historiques du XXe siècle (Le Critique, l'art et l'histoire : de Michel Ragon à Jean Clair, Presses universitaires de Rennes, 2010), sur des questions théoriques relatives à l'interprétation, ainsi que sur l'art actuel. Il anime depuis 2013 le " Séminaire sur l'art d'aujourd'hui ", lieu de rencontres et de recherches sur l'art contemporain. Benjamin H. D. Buchloh nait à Dusseldorf en 1945. Historien d'art allemand, il est spécialisé dans l'art européen et américain de l'après-guerre. Il est professeur d'art moderne à l'université Columbia et à Harvard.