scuplture

Depuis l'édition originale en 1978, ce titre fondamental a été régulièrement réimprimé, pour répondre au succès jamais démenti (1984, 1990, 2000, 2002, 2005...). La précédente édition date de 2011. Consacré aux termes de la sculpture, domaine souvent méconnu ou superficiellement connu, ce vocabulaire met en évidence l'apport des traités et des études techniques qui sont demeurés inchangés jusqu'au XIXe siècle. Ce sont tous les procédés liés au moulage, au modelage, à la taille, à la fonte, aux stades de la création et à la composition, les exemplaires authentiques, les copies, les moulages ou les réductions qui sont expliqués et exposés dans un ordre méthodique rigoureux. Toutes les opérations successives de mise en forme et de décor sont analysées, décrites, illustrées et choisies de manière à répertorier tous les procédés utilisés aux diverses époques, sans prétendre constituer une histoire de la sculpture. Comme l'écrivait alors l'historien d'art André Chastel : "Cet instrument de travail est sans équivalent sur le plan international".

Si la définition de l'art roman fait l'objet de contestations, le profond renouvellement qui se manifeste en Europe occidentale entre la fin du Xe siècle et la seconde moitié du XIIe, dans tous les domaines de la création artistique, apparaît comme une évidence. L'une des caractéristiques de ce renouvellement est l'extraordinaire essor de la sculpture monumentale dont on peut voir des témoignages jusque dans les édifices les plus modestes. Après les essais du " premier art roman ", la sculpture connaît un soudain épanouissement qui culmine au XIIe siècle avec des réalisations majeures : portails et façades, cloîtres, décors intérieurs. La recherche constante de nouvelles formules a amené les sculpteurs à multiplier les expériences : les rapports entre sculpture et architecture sont ainsi pensés de différentes façons ; le traitement de la figure humaine évolue, l'ornement se diversifie. Alors que de nombreux travaux ont été consacrés à la sculpture romane, qui mettent principalement l'accent sur la réelle diversité des principales " provinces " de l'art roman, le présent ouvrage tente une nouvelle approche : mettre en valeur ce qui fait l'unité de la sculpture romane par une analyse plus typologique - sources d'inspiration communes, recours aux mêmes modèles, adaptation aux mêmes schémas iconographiques, solutions parallèles adoptées pour répondre aux mêmes nécessités. La connaissance de la sculpture romane permet, en raison de sa diversité et de son unité, de mieux comprendre la culture des XIe et XIIe siècles, dans une société marquée par la violence et que la féodalité divise et cloisonne. En dépit de crises profondes, émerge une réelle cohérence, liée au renouveau économique et à l'omniprésence de l'Eglise, à travers la constitution du réseau paroissial, l'action des ordres monastiques et la dynamique des pèlerinages.

Sculpture du Chaos est un cri. Plus qu'un cri, ce recueil de poésie est une tentative par l'écrit, par les mots d'exorciser les démons qui ont habité le pays jusque dans son âme. Sculpture du Chaos transcende le désarroi, les douleurs et ouvre la voie devant l'espoir ; les lendemains ensoleillés et l'amour. Dans ces douleurs, il y a aussi un espace volé, récupéré des sombres nuits pour y planter justement des amours. Parce que le pays en manquait terriblement. Une tentative de remonter la pente de l'espoir sur le sentier des "détonations" qui abattent jusqu'aux aubes du soleil et au sommeil des enfants. Oui, on pouvait se permettre d'embrasser son amour ; de l'enlacer entre... deux recueillements.

Une piste en Afrique. Loin de se sentir traître à ses idées, Juan Vercial, sculpteur, sombre peu à peu dans les méandres du crime désorganisé avec ses amis, anciens guérilleros. Défenseur de "l’art rebelle", Juan s'oppose aux galeristes, aux commissaires-priseurs, et à tout ce petit monde qui traficote. Même l’amour ne l’empêchera pas de se détourner de l'objectif qu'il s'est fixé. Seul Michel Janbart, d’Interpol, guidé, lui aussi, par un idéal, parviendra à faire "voler en éclat les trésors cachés dans la pierre". Dès lors, la vérité éclatera, brillante et brûlante. La mort attend toujours son dû.

A travers l'art bouddhiste en général et la sculpture de Bhârhut en particulier, Coomaraswamy analyse les principaux motifs ornementaux et symboliques et les met en relation avec l'art traditionnel des civilisations antiques. A travers divers symboles et mythes, il met à jour de la signification intérieure des oeuvres, agissant non seulement en tant qu'historien d'art mais aussi en tant que spécialiste des religions comparées d'audience internationale. Dans la ligne des écrits de Mircea Eliade et de René Guénon qui se réfèrent tous deux à ses travaux, ses écrits conservent aujourd'hui encore toute leur actualité te leur pertinence. En historien d'art et spirituel éclairé, Coomaraswamy montre que toute oeuvre d'art sacré repose sur une valeur symbolique par laquelle elle peut s'avérer un supports de méditation et d'orientation pour ceux qui l'utilisent. Un livre qui intéressera aussi bien l'universitaire que le bouddhiste pratiquant ou encore l'amateur de symbolisme, de spiritualité et d'art.

La sculpture sonne comme un défi dans la carrière de Jean-Michel Folon (1934-2005). Alors mondialement connu pour ses affiches et ses peintures, l'artiste belge se lance résolument vers 1990 dans la statuaire, que ce soit en modelage ou en taille directe. Encouragé par son ami César, Folon traduira ses sculptures - près de 400 au total - en bronze ou en pierre. Caractérisées par leur frontalité, les sculptures de Folon se nourrissent des arts premiers, des Cyclades aux Etrusques, des masques africains aux totems amérindiens. Largement centrées sur l'humain, elles incarnent des thèmes traités autrefois graphiquement et projettent ainsi l'univers de l'artiste dans des environnements naturels : paysages, jardins, parcs. Eclairé de divers points de vue de spécialistes, ce livre cule autour des photographies inédites de Thierry Renauld. Ami de Folon, ce photographe bruxellois a suivi les grandes installations et expositions de sculptures de l'artiste, que ce soit à Bruxelles ou à Knokke, mais aussi su chàteau de Seneffe, à Pietrasanta, au Castelo de Sao Jorge à Lisbonne, sur les hauteurs de Florence ou dans le Domaine régional Solvay à La Hulpe. Jean-Michel Folon projetait de réaliser ce livre, dont il avait écrit la préface. Il a disparu trop Mt. Quinze ans après le décès de l'artiste, cet ouvrage voit enfin le jour.

Que voit-on ? Comment se sont élaborés les différents types de sculpture ? Comment voit-on ? Comment s'exprime le sculpteur ? A quoi sert la sculpture ? Où contempler des oeuvres sculptées ? Qu'en a-t-on dit ? L'objectif de ce livre n'est pas de proposer une histoire générale de la sculpture, mais de fournir plutôt au lecteur - étudiant, amateur, curieux, érudit - des clés pour améliorer son regard et sa compréhension des oeuvres, en acceptant le défi d'embrasser un millénaire de sculpture dans la sphère culturelle occidentale. Art de l'espace, art du temps, à l'instar de la musique, la sculpture est un objet d'étude qui se laisse difficilement saisir. Il faut en faire le tour, multiplier les points de vue, se déplacer, être capable d'envisager une combinatoire extrêmement complexe de qualités formelles, traverser mille ans d'histoire et de styles. Huit chapitres proposent autant de chemins pour regarder la sculpture : par les lieux, les techniques, les formes, les conditions de présentation et de perception, les thèmes et les sujets, les styles dans leurs constantes récurrentes, les usages et les fonctions, et enfin les textes interprétatifs, littéraires ou poétiques. Cet ouvrage invite à redécouvrir le " rôle divin de la sculpture " , comme l'écrivait Baudelaire dans son Salon de 1859, grâce à la maîtrise des outils pédagogiques essentiels.

This substantial catalogue explores a remarkable collection of medieval European sculpture. Richly detailed with plentiful illustrations and original research, it is a notable contribution to medieval scholarship. The McCarthy collection comprises more than 150 specimens of medieval European sculpture, produced over a period of nearly 600 years. A testimony to the comprehensiveness of Robert McCarthy's interest in the art and culture of the Middle Ages, its geographical, chronological and typological breadth place it among the most important of its kind in private hands. Including a few early examples from Merovingian France, Anglo-Saxon England and Visigothic Spain, its holdings have a strong focus on Romanesque art, with over fifty capitals and other architectural carvings from Iberia, France and the Italian Peninsula. Some of these pieces are associable with such notable workshops as those of Gislebertus, the Master of Agüero and Compostela's Master Mateo, while a great number can be closely compared to anonymous works in major and provincial sites. Notable monuments like the monastic powerhouse of Cluny or the abbatial churches of Autun and Savigny are represented through important sculptural fragments - most published here for the first time. The transition to the Gothic style and the period of its splendour, particularly in France, are witnessed by an ample selection of statuary and architectural fragments - some traceable to such important buildings as Noyon cathedral and Paris' Notre Dame, and others, more loosely, to the artistic circles that gravitated around the great projects of the age. Freestanding sculpture in stone or wood, including a small but precious nucleus of Virgin and Child statuary and some Spanish polychrome figures, constitutes an interesting subset of the collection's late medieval holdings, as do some especially fine examples of Italian trecento sculpture. Enriched with outstanding photography by Barney Hindle and Mark French, entries aim to provide detailed stylistic, iconographic and contextual analyses, with special attention paid to comparanda in public and other private collections. This approach, complemented in some cases by petrographic analysis, has allowed the. authors to connect much of the material presented in these pages with specific buildings, workshops or regional schools, contributing to a better understanding of the pieces themselves, their original settings and their cultural and artistic milieux. This catalogue follows the publication of three volumes dedicated to Robert McCarthy's vast collection of Western miniatures and manuscript leaves (2018-2021), and is part of an ambitious project to document the entirety of his holdings - which also include notable selections of medieval ivories, stained glass and East Christian Art.

Connaissez-vous l'Hermès de Roquepertuse ? Certainement. Et les guerriers accroupis d'Entremont, ou le linteau de Nages ? Sans doute. Ces sculptures préromaines sont exposées dans de grands musées et justement célèbres. Mais avez-vous une idée précise de leur chronologie, des contextes dans lesquels on les a trouvée, de leur signification profonde ? Cela est moins sûr, car l'on peut être à la fois célèbre et méconnu. Et le surprenant guerrier de Corconne, l'avez-vous vu ? C'est peu probable, car il n'a guère été montré alors qu'il mérite de l'être. Telles sont les raisons pour lesquelles ce livre, à travers un discours renouvelé et une iconographie complète et de qualité, invite à un voyage quasi initiatique dans le monde des sculptures gauloises méridionales, oeuvres rares, pour nous étranges, attachantes parfois, passionnantes toujours. Sur sept siècles de temps, du 1er âge du fer à l'avènement d'Auguste, ces sculptures profondément autochtones constituent certes l'illustration d'un art original où se mêlent des influences diverses, tant méditerranéennes que continentales. Mais elles traduisent aussi l'évolution de l'idéologie des peuples qui les ont produites : en ce sens, elles apparaissent à chaque époque comme les témoins privilégiés d'une société et permettent, sans doute mieux qu'aucun autre document matériel, de pénétrer ne serait-ce que d'un pas dans des mentalités indigènes insondables.

Dans cet ouvrage, les sculptures sont regroupés par "matériaux", aluminium, bronze, résine, acier, plexi et bois. Vous découvrirez ses personnage fétiches Moya et Dolly revisitées en découpe d'acier, puis d'aluminium, inventant une Dolly en marche de différents formats. En bronze, il a repris récemment son moule de "moya" pour le ré-actualiser. En petits formats, il a modelé à la main en plâtre-résine des têtes d'avatar à l'image de son premier avatar de Second Life, puis essayé l'impression 3D, créant tout un univers de petits "moya" . Ou encore la découpe de plexiglas pour créer des Dolly ou des Moya "en marche" ! Aujourd'hui, Moya continue à tout explorer et à tout essayer, revisitant ses anciennes techniques, jouant avec les lettres de MOYA pour en faire des totems en clous, peints ou non, ou bien en posant juste les 4 lettres au bout d'une fourche à 4 branches !

La sculpture (Nouvelle éd.) / par Charles Blanc,... Date de l'édition originale : 1902 Le présent ouvrage s'inscrit dans une politique de conservation patrimoniale des ouvrages de la littérature Française mise en place avec la BNF. HACHETTE LIVRE et la BNF proposent ainsi un catalogue de titres indisponibles, la BNF ayant numérisé ces oeuvres et HACHETTE LIVRE les imprimant à la demande. Certains de ces ouvrages reflètent des courants de pensée caractéristiques de leur époque, mais qui seraient aujourd'hui jugés condamnables. Ils n'en appartiennent pas moins à l'histoire des idées en France et sont susceptibles de présenter un intérêt scientifique ou historique. Le sens de notre démarche éditoriale consiste ainsi à permettre l'accès à ces oeuvres sans pour autant que nous en cautionnions en aucune façon le contenu.

Qu'appelle-t-on oeuvre inachevée ? Qu'est-ce que terminer une toile, finir un roman, achever une sculpture ? Quel sens a l'abandon d'une oeuvre ? Dans sa fascination pour le tout et la beauté accomplie l'esthétique classique refuse de poser ces questions. Totalitaire, elle a imposé le silence sur des oeuvres "imparfaites" de Michel-Ange, Stendhal ou David. Face à ce despotisme, l'époque contemporaine réclame l'inachevé qui n'est plus accident mais passion des formes tâtonnantes, itinérantes, toujours en constitution. Avec Kandinsky, Ernst, Joyce, Céline, Nietzsche et tant d'autres, l'inachevé, le fragment, la trace triomphent des pensées systématiques et témoignent de l'impérissable désir de représenter la Vie qui n'a ni commencement ni fin. C'est toute l'épopée récente de l'imagination humaine qui nous est ici offerte.

L'homme du moyen âge est toujours "debout parmi nous dans les pierres des monuments" : les sculptures réalisées en occident entre la fin du XIIe et le debut du XVe siècle constituent un des sommets de l'humanisme européen, par leur capacité à transmettre des valeurs transcendantes autant que les affects et les émotions d'ici-bas. Riche d'une exceptionnelle iconographie, rédigé dans un style clair et précis, cet ouvrage envisage la variété artistique de la sculpture gothique et la situe dans son contexte de création : un voyage passionnant à travers le temps et le patrimoine européen.

Statues, bronzes, stèles ou figurines en terre cuite : cet ouvrage présente en 125 œuvres un panorama de 1500 ans de sculpture grecque, avec photographies et commentaires. Tous les styles, techniques et matériaux sont présentés, ainsi que les principaux musées à visiter. Un guide original et unique en poche pour les étudiants en art comme pour le voyageur à destination de la Grèce touristique.

Après avoir été l'animateur d'un cirque de figurines miniatures et dessiné dans l'espace avec du fil de fer, Calder a inventé l'une des expressions les plus neuves et les plus audacieuses de la sculpture du XXe siècle : le mobile. Des formes abstraites en suspension décrivent dans l'espace la danse des planètes ou évoquent la faune et la flore naturelles. Ces constructions aériennes trouvent bientôt un pendant de poids avec les stabiles, géants de métal posés au sol. Avec eux, Calder est devenu l'un des principaux créateurs d'art public et monumental du siècle. Dépassant le mythe tenace de l'artiste-enfant et du génial bricoleur, Arnauld Pierre montre l'importance historique des inventions de Calder, dont il retrace la genèse et qu'il situe à leur véritable place : une des toutes premières.

Remise en lumière d'une artiste majeure, immense sculpteur, dernière élève de Bourdelle. Une trajectoire solaire qui traverse tambour battant le XXe siècle, en poussant les limites, en questionnant la nature et le vivant, et qui trouve une résonance toute particulière avec notre époque en quête de racines et d'ensauvagement.

A l'occasion du 150ème anniversaire de la première exposition des Impressionnistes (ouverte à Paris le 15 avril 1874), cet ouvrage analyse le rapport de ce phénomène, essentiellement pictural, avec la sculpture, à travers, surtout, les réflexions d'Auguste Rodin (1840-1917), principal sculpteur français à l'époque de l'Impressionnisme.

En 2020, la Ville de Nancy et le Conseil départemental de Meurthe-et-Moselle s'associent pour présenter une saison consacrée à la sculpture lorraine du XVIIIe siècle. Deux grandes expositions seront organisées au château de Lunéville et au Musée des Beaux-Arts de Nancy. A Lunéville, l'exposition " La sculpture en son château " sera présentée du 26 juin au 1er novembre 2020. Elle permettra de mettre en avant l'importance de la sculpture au sein des résidences ducales de Lorraine tant à travers la représentation des souverains que dans la décoration des appartements et l'ornementation des jardins. ? A Nancy, l'exposition " La sculpture en héritage. Les Adam, une dynastie lorraine " constituera la première rétrospective consacrée à cette célèbre famille de sculpteurs nancéiens dont le talent a rayonné bien au-delà des frontières des duchés. Un partenariat exceptionnel avec le Musée du Louvre En prêtant une quinzaine d'oeuvres majeures, le Musée du Louvre participe de manière exceptionnelle aux expositions présentées à Nancy et Lunéville. Guilhem Scherf, conservateur général du patrimoine et adjoint au directeur du département des Sculptures du Musée du Louvre, prend part à leurs commissariats scientifiques respectifs. Originaire de Nancy, la famille Adam est l'une des plus célèbres dynasties de sculpteurs français. Sur trois générations, ses membres déploient leurs talents au service des plus grands mécènes et participent à plusieurs chantiers importants du XVIIIe siècle européen. Formés en Lorraine dans le contexte d'essor artistique des règnes des ducs Léopold et Stanislas, ses plus illustres représentants, les frères Lambert Sigisbert, Nicolas Sébastien et François Gaspard Adam ainsi que leur neveu Claude Michel dit Clodion, oeuvrent à Rome, Paris, Versailles ou Berlin au service de princes européens comme Louis XV, Louis XVI ou Frédéric II de Prusse. Première rétrospective à leur être consacrée, l'exposition réunira un grand nombre de chefs-d'oeuvre issus des institutions nationales, internationales mais aussi de collections particulières. Elle sera l'occasion de dévoiler plusieurs sculptures prestigieuses inédites témoignant de la virtuosité de la famille Adam au coeur de l'Europe du XVIIIe siècle. Le catalogue qui l'accompagne a pour objectif de devenir l'ouvrage de référence sur le sujet en présentant les carrières des artistes de la manière la plus complète possible.

La Renaissance italienne fait partie des plus brillantes époques culturelles européennes. L'intérêt que les historiens de l'art et le grand public portent à cette période allant de 1300 à 1600, si extraordinairement productive du point de vue artistique, n'a jamais diminué. Il a récemment reçu un nouvel élan, à la suite de travaux de restauration entrepris dans la chapelle Sixtine, travaux qui montrent les fresques de Michel-Ange sous un nouveau jour, plus coloré. Il est facile d'aller admirer sur place les oeuvres d'art de cette époque, dans les villes mythiques que sont Florence, Rome et Venise, qui sont elles-mêmes de grands musées architectoniques. Dans cet ouvrage, le lecteur acquiert une vue complète de la Renaissance grâce aux divers points de départ et styles des auteurs, qui réunissent dans leurs textes analyses et perspectives culturelles et spirituelles. Il apprend que des évolutions décisives, généralement comprises comme caractéristiques de la Renaissance, ont eu lieu à la fin du Moyen Age, comment la Renaissance s'est développée en genres artistiques principaux - architecture, sculpture, peinture et dessin; il apprend aussi quelles circonstances et quels artistes ont fourni les plus grandes impulsions innovatrices.

Ce livre est l'un des premiers à rassembler un nombre aussi complet d'oeuvres d'art chrétien africain en provenance d'un seul lieu et susceptibles de dépeindre la Bible. Chaque oeuvre est accompagnée d'une page de description analytique permettant de situer la scène ou le personnage représentés, de comparer la composition avec les représentations occidentales et de relever les appropriations du thème par les artistes. La rencontre de la Bible et des traditions artistiques africaines donne lieu ici à un véritable dialogue des cultures et des images.

L'extraordinaire abondance de sculptures françaises aux Etats-Unis est révélatrice d'un goût spécifique pour ce domaine de l'art fran- çais, mais aussi de la grande proximité des relations historiques et artistiques franco-américaines. Les Etats-Unis sont le pays en-de- hors de la France qui compte le plus grand nombre de sculptures françaises et ces dernières y représentent de très loin l'essentiel des sculptures étrangères. Une fois rassemblées, combinées, reliées, elles tissent l'histoire d'un goût. Leur étude permet de déceler des tendances et des pé- riodes, d'identifier des personnalités de marchands, collectionneurs et conservateurs, et de comprendre les canaux d'approvisionne- ment de ce commerce transatlantique, du lieu de production au lieu de consommation, du lieu de création au lieu d'appréciation. Le propos de cet ouvrage est de donner vie et signification à ces oeuvres en les replaçant dans leur contexte américain. Une première partie souligne le rôle éminemment politique et officiel, outil de message politique lorsqu'il s'agit de célébrer les héros de l'Indépendance américaine, ou de propagande commer- ciale et industrielle lorsque la France se montre dans le cadre des expositions universelles. Dès sa naissance, les sculpteurs français ont été associés au développement de la nation américaine et de sa société. La deuxième partie est consacrée à la part que prirent les sculp- teurs français dans le décor urbain américain, ainsi que dans l'art des parcs et jardins. Ils contribuèrent largement à l'introduction du style Art déco en sculpture ornementale. La troisième partie célèbre la sculpture comme objet de collec- tion, recherchée non plus pour le personnage qu'elle représente, ni pour son rôle de complément de l'architecture, mais véritablement comme objet dont la beauté formelle est l'atout premier. La quatrième et dernière partie est consacrée au sculpteur Auguste Rodin. Rodin était tout à la fois : il représentait l'art d'au- jourd'hui, celui du Salon auquel il envoyait régulièrement ses oeuvres, parfois l'art d'hier dans ses quelques créations dans le goût du vers l'art de demain. En conclusion, un bilan est dressé du goût pour la sculpture fran- çaise depuis les années 1950, qui ont vu un changement dans l'im- portance relative des différents acteurs, marchands, collectionneurs, universitaires et conservateurs.

Repérer l'arbre ou le roc, le tailler, le sculpter pour obtenir la forme parfaite ; l'orner de délicats motifs pour le relier au divin... Ils étaient sculpteurs, tahu'a ou tuhuna, artisans spécialistes dans l'art de créer en conciliant les dieux, les objets liés au prestige, au sacré, à la guerre, aux fêtes ou au quotidien. Tous ces artéfacts étant nécessaires au bon fonctionnement de la société. Objets trophées, ici échangés ou vendus, là pillés, ils gagnèrent bientôt les collections des cabinets de curiosités. Très recherchées, ces oeuvres majeures dont la valeur artistique est reconnue, sont aujourd'hui exposées dans les plus grands musées du monde. Elles fascinent par l'élégance de leurs formes, la noblesse de leur matière, le mystère de leurs motifs. Cet ouvrage offre une vision globale de la création sculptée des Polynésiens, depuis les plus beaux objets utilisés au XVIIIe siècle jusqu'aux productions du début du XXIème siècle. Jamais autant d'objets de tous les archipels de la Polynésie française, de la Société aux Marquises en passant par les Tuamotu, les Gambier et les Australes, n'avaient été présentés ensemble dans une publication. Découvrir ces chefs-d'oeuvre anciens, permet d'appréhender le monde des sculpteurs experts, leurs outils, de détailler les matériaux, les formes et les motifs. Ces objets phares de la culture matérielle traditionnelle polynésienne sont visités par thème, mettant en évidence différences et ressemblances entre les archipels : la guerre et le jeu avec les armes, les tambours et les échasses ; le prestige des bâtons de commandement, des éventails, des chasse-mouches ou des pagaies cérémonielles ; le sacré et le divin célébrés par des sculptures taboues, anthropomorphes ou animalières et, le quotidien, par les plats, pilons, tabourets et appuie-nuques. Référence originelle, cette sculpture n'a jamais cessé d'évoluer, s'enrichissant au fil des décennies des multiples contacts, des nouveaux matériaux et outils, des goûts et de l'intérêt des commanditaires et des utilisateurs. Le lien est ici enfin établi entre les productions des créateurs du XVIIIe siècle et celles des artisans du XXIe siècle, leurs héritiers. Car, à l'aide de leur gouge ou de leur fraiseuse, les sculpteurs polynésiens, fiers de leur culture singulière, participent aujourd'hui à tracer les contours d'une nouvelle identité qui tente de concilier héritage culturel et modernité. Un ouvrage de repères - et de référence - pour les artisans contemporains et les amateurs des sculptures polynésiennes d'hier et d'aujourd'hui.

Une morale esthétique nous requiert pour une vie transfigurée par la sculpture de soi : elle suppose la vitalité débordante, la restauration de la virtù renaissante contre la vertu chrétienne, le talent pour l'héroïsme que permet l'individualité forte, le consentement à l'abondance, la capacité à la magnificence. Dans une perspective hédoniste, cette éthique donne toute leur puissance à la politesse, l'élégance, la parole donnée, l'amitié et les affinités électives. C'est à ce prix qu'une morale jubilatoire et résolument contemporaine sera possible. Michel Onfray.

Musée de la sculpture comparée : 2e rapport / [par Viollet le Duc] Date de l'édition originale : 18. . Le présent ouvrage s'inscrit dans une politique de conservation patrimoniale des ouvrages de la littérature Française mise en place avec la BNF. HACHETTE LIVRE et la BNF proposent ainsi un catalogue de titres indisponibles, la BNF ayant numérisé ces oeuvres et HACHETTE LIVRE les imprimant à la demande. Certains de ces ouvrages reflètent des courants de pensée caractéristiques de leur époque, mais qui seraient aujourd'hui jugés condamnables. Ils n'en appartiennent pas moins à l'histoire des idées en France et sont susceptibles de présenter un intérêt scientifique ou historique. Le sens de notre démarche éditoriale consiste ainsi à permettre l'accès à ces oeuvres sans pour autant que nous en cautionnions en aucune façon le contenu.

L'ouvrage "La sculpture des Bari du Nil Blanc" dresse le catalogue des quelque 63 statues bari aujourd'hui connues, toutes issues de ce contexte et conservées en grande majorité dans des institutions publiques. Il propose une synthèse de l'état des connaissances sur les circonstances de leur collecte, ainsi que leur fonction et diversité formelle, en s'appuyant largement sur les nombreuses sources du 19ème siècle ainsi que sur la littérature moderne.

Grâce au mécénat de la famille ducale et de sa cour, la sculpture dans le duché des Bourbons connaît à la fin du Moyen Age et au début de la Renaissance une qualité inégalée. Partez à la découverte des chefs-d'oeuvre ­réalisés par Philippe et Michel Colombe, Jacques Morel, Jean de Chartres... , "imagiers" se déplaçant au gré des commandes princières et découvrez le mécénat artistique, les sujets de prédilection, les techniques de création, les influences stylistiques mais également le destin souvent chaotique de ces sculptures. Cette manifestation s'inscrit dans le cadre du plan itinérance Culture près de chez vous initié par le ministère de la Culture dont le volet Catalogue des désirs favorise le prêt exceptionnel de chefs-d'oeuvre conservés dans les musées nationaux. Pour cette ­première édition, le musée Anne-de-Beaujeu a été retenu pour recevoir plusieurs chefs-d'oeuvre de la sculpture bourbonnaise conservés au musée du Louvre.

"Quand on parle, de façon absolue, de l'art bourguignon, c'est de l'art du temps des grands ducs, c'est à la grande école slutérienne que l'on pense" (J. Calmette). Il est vrai que le génie de Sluter et de ses successeurs a donné à l'art de la Bourgogne et de la Franche-Comté une notoriété internationale. Par le tumulte du drapé et l'intensité de l'expression, les deux provinces occupent une place fondamentale dans le renouveau qui préside à l'histoire de la sculpture flamboyante. Cependant, cette histoire déborde largement le cadre du mécénat ducal. L'élan donné par les artistes officiels se poursuit jusqu'au début du XVIe siècle. A côté des quatre "Grands", Sluter, de Werve, La Huerta et Le Moiturier, des personnalités nouvelles se font jour, comme Quentin Bouchier, Jacques Bertrand, Jean Damotte, sans parler de la foule des anonymes, comme le Maître de 1508. On attribuait la sculpture bourguignonne au mérite à peu près exclusif des imagiers ducaux; on la découvre à travers la richesse et la diversité de procédés d'une multitude d'artistes. Avec plus de 600 photos, toutes originales et inédites, cet ouvrage de 384 pages recense l'essentiel des oeuvres connues ou méconnues des deux Bourgognes, permettant d'apprécier la place éminente de ces provinces dans le mouvement artistique européen.

Félicie de Fauveau (1801-1886) est aujourd'hui encore méconnue, parce qu'elle est femme, sculpteur, et parce qu'elle a vécu hors de France pendant un demi-siècle. Nostalgique d'une royauté disparue, bataillant en Vendée aux côtés de la duchesse de Berry et de la comtesse de La Rochejaquelein contre le régime de Louis-Philippe, exilée à Florence, catholique et féministe, Félicie de Fauveau est connue surtout des historiens de la Restauration. Pourtant, elle a été une des figures les plus importantes de la sculpture romantique et Stendhal l'a portée aux nues en 1827. Mais ses oeuvres ont été dispersées et invisibles pendant cent cinquante ans, souvent restées dans la descendance de ses commanditaires. Les travaux de plusieurs historiens de l'art ont permis de rassembler une grande part de sa production pour l'exposition organisée par l'Historial de la Vendée et le musée d'Orsay. Le catalogue contient l'état actuel des recherches à ce jour. Il fait également le point sur la grande originalité de l'artiste qui a accompagné la réaction catholique initiée par Chateaubriand et le déplacement de la modernité artistique vers le Moyen Âge et la Renaissance.

En février 1600, à l'occassion des fêtes du jubilé, on donne à Rome "la Rappresentazione di anima e di corpo", du musicien Emilio dei Cavalieri, où résonnent, en musique, la grande fresque de Michel-Ange sur le Jugement dernier. Tommaso, père d'Emilio, qui assiste à cette représentation, se souvient de ces années de jeunesse où l'amitié amoureuse de Michel-Ange a définitivement orienté toute son existence. Ami du Maître jusqu'à sa mort, fidèle et silencieux, il éprouve ce soir là, un impérieux besoin d'écrire.

Les outils à main (gouges, couteaux, ciseaux) constituent un investissement important. Ce petit guide est le compagnon indispensable du sculpteur sur bois pour aiguiser et entretenir ses précieux instruments. Diverses méthodes sont expliquées : chaque lame nécessite une pierre à aiguiser d'une forme spécifique et des gestes particuliers. L'ouvrage indique aussi comment réparer les ébarbures du métal et autres dommages, redresser une lame, polir chaque outil, etc. Tout est expliqué étape par étape, photos à l'appui.