Aperghis

La plupart des compositions de Georges Aperghis font une part très importante à la voix humaine. Aussi a-t-il écrit des textes en principe faits pour être chantés mais dont la réunion en volume, au prix parfois d'un redécoupage ou d'un remodelage, s'est avérée indispensable. En effet, ces pièces, par le travail sur la langue qu'elles mettent en ouvre, ressortissent très visiblement à la poésie la plus actuelle. Les mots y sont découpés, remodelés, réinvestis. Et si le sens circule à grande vitesse dans ces pages, c'est à la manière d'une lame sans cesse projetée puis déviée, continûment accélérée par la matière verbale qui la constitue et la relance.

Que signifie créer un opéra, en France, depuis 1900 ? Louise (Charpentier, 1900) et Pelléas et Mélisande (Debussy, 1902) marquent les débuts de l'opéra français du XXe siècle par l'originalité de leurs sujets, la pertinence de leurs traitements musicaux, l'équilibre de leur ensemble et ouvrent la voie à presque mille créations, dans les théâtres nationaux, régionaux, comme dans les compagnies ou les festivals. Le groupe de recherche Opéfra (Opéra en France), créé en 2009, propose ici des outils pour comprendre et découvrir les paradoxes, les utopies et la réalité de la scène lyrique dans un univers bousculé par plusieurs guerres et de profonds changements sociaux et culturels. Il sera question des enjeux et des métamorphoses de l'opéra en France au fil du XXe siècle, des tendances en présence au tournant avec le XXIe siècle, mais aussi des livrets et des oeuvres créées en marge des avant-gardes ou des genres canoniques. Les analyses présentées dans cet ouvrage sont complétées par des entretiens avec Georges Aperghis, Isabelle Aboulker, Graciane Finzi, Pierrette, Fleutiaux, Pierre Bartholomée et Jean-Baptiste Barrière.

Après que l'annonce a été faite de la mort des "grands récits", il semble bien que la production qu'on pourrait en schématisant, rassembler sous le générique d'après-modernité, ne se caractérise nullement par l'absence de récits, mais bien par une multitude, ou dissémination, de micro-récits organisés selon des dispositions extrêmement individués, tendant à réactiver, par l'injection de matériaux, de techniques et de processus : nouveaux ou repensés, la relation entre art et narration. Cette multiplication "de récits à la première personne" (quatrième Biennale de Lyon), l'idée de formes multi-médiatiques de l'art (le prop-opera de Greenaway), les recherches sur de nouvelles articulations entre texte, musique et scénographie (Dusapin ou Aperghis, par exemple) sont autant de tentatives. Il y en a d'autres. Le présent ouvrage, qui a pour thème les relations, qu'entretiennent les arts avec le récit, est une réflexion interdisciplinaire, itinéraire transversal, "étoilé" entre des discours multiples s'enrichissant les uns les autres, pour tenter non pas de définir ces relations de manière univoque, mais de contribuer à cerner une problématique complexe que chaque art est amené aujourd'hui à repenser.

Aux portes de l'an 2000, la mondialisation balaye les certitudes esthétiques en même temps que les dernières utopies du XXe siècle. C'est la mort des avant-gardes, au profit de parcours artistiques individuels et éclectiques. Au cours des vingt-cinq dernières années, sept tendances majeures se dégagent dans la composition musicale : le métissage planétaire et l'influence des réseaux ; l'héritage de la musique spectrale ; la pérennité de l'écriture et des codages complexes ; la persistance du minimalisme ; la technologie au service de la culture du son ; la transversalité entre savant et populaire, formes, styles et langages artistiques ; l'immuable vague nostalgique aux visages multiples, souvent qualifiés de "néo". Dans ce dernier tome venant clore la série, Guillaume Kosmicki guide le lecteur dans la découverte d'un répertoire à la richesse considérable, croisant histoire et esthétique afin de décrypter les musiques de cette période encore en cours d'écriture, au travers d'un panel multigénérationnel de compositeurs : de Zorn à Saariaho, de Lachenmann à Björk, d'Aperghis à Benjamin, en passant par Aphex Twin, Mâche, Escaich, Eötvös, Toeplitz, Manoury, Xu Yi et tant d'autres...

Depuis le XIXe siècle, les compositeurs s'expriment publiquement sur leur travail à travers une pluralité d'écrits (traités, ouvrages didactiques, préfaces aux partitions ou encore notes de programme) et de prises de parole (conférences, entretiens, master-classes). Il existe aussi des textes plus confidentiels, relevant parfois seulement de la sphère intime, dans lesquels il s'agit moins de démontrer ou de convaincre que de s'interroger : qu'ai-je fait ? Quel est mon processus de création ? Comment telle oeuvre, telle idée, a-t-elle pris le visage qui est désormais le sien ? Quels chemins s'offrent à moi ? Un siècle d'écrits réflexifs sur la composition musicale met en lumière une sélection de textes inédits, rares ou inaccessibles en langue française, tirés de journaux personnels, de contributions à des revues, d'entretiens avec des journalistes et des scientifiques, ou encore de travaux académiques. L'ouvrage rend ainsi visible une tradition qui s'est constituée au cours du XXe siècle et qui apparaît plus que jamais d'actualité au moment où nombre d'universités et d'écoles supérieures promeuvent des formes renouvelées de "recherche en art". Leos Janacek, Leonid Sabaneïev, Henry Cowell, Julius Bahle, Ernst Krenek, Hans Pfitzner, Arnold Schoenberg, Charles Koechlin, Pierre Schaeffer, Arthur Honegger, Michael Tippett, Elliott Carter, Franco Donatoni, Henri Pousseur, Luigi Dallapiccola, Bernard Parmegiani, Georges Aperghis, Gerald Bennett, Hans Werner Henze, John A. Sloboda, Roger Reynolds, Friedrich Goldmann, Philippe Leroux, Brian Ferneyhough, John Adams, Steve Reich, Robert Saxton, Jean-Luc Hervé, Jonathan Harvey, Robert H. P. Platz, Chaya Czernowin, Gérard Pesson, Luis Naón.